Fêter un anniversaire si symbolique l’année même des JOP à Paris… Le Carreau du Temple n’aurait pu rêver plus grâcieuse coïncidence que ce miroir avec l’événement le plus festif, collectif, inclusif, intense de la Grèce antique !
Espace dédié aux corps en développant sans relâche des liens innovants entre arts et sports, Le Carreau du Temple, en dix ans, a développé un écosystème concernant tous les sens : le toucher, avec les propositions de pratiques physiques traversant tout le programme du tissu associatif au sous-sol, le goût et l’odorat avec son incontournable rendez-vous annuel Food Temple et, bien évidemment, la vue et l’ouïe avec sa programmation de spectacles en salle et dans la grande Halle.
À son image, sa fête d’anniversaire promet de tout décloisonner : corps et esprit, art et sport, petit·e·s et grand·e·s, amateurs·rices et professionnel·le·s. Rendez-vous à toutes et à tous pour cet événement festif, dansant et populaire ! Ses ingrédients n’ont plus de secret pour les connaisseurs – spectacles, performances, ateliers, cours de sport XXL, etc. - qui savent aussi que leur alchimie est toujours délicieusement surprenante, puisqu’elle dépend des artistes, des invités… Et du public !
Avec les artistes, coachs sportifs et collectifs : Barbara Butch, Soa de Muse, Martine Patine, Alexandre Perigot, Julie Pujols, Alessandro Sciarroni et Mami Watta !
À la fin du mois d’avril 2019, le Carreau, tel qu’il existe aujourd’hui, soufflera ses cinq bougies. Que de chemin parcouru depuis les premières concertations citoyennes autour du projet, le fabuleux travail de réhabilitation architecturale et l’inauguration du « nouveau » Carreau du Temple.
Ces cinq années ont vu l’établissement s’ancrer de plus en plus dans l’imaginaire des parisiennes et des parisiens, qui ont su se l’approprier comme un lieu de vie du quotidien, un espace où la question du corps est centrale, qu’ils soient, toutes générations confondues, amateurs de sport, publics de spectacles, cinéphiles, visiteurs d’événements culturels et artistiques, ou curieux de gastronomie.
Soufflons nos cinq bougies !
Le 15 juin, la Halle ouvre ses portes pour souffler ses bougies tous ensemble !
Petits et grands, vous êtes tous conviés pour ce samedi festif, sportif, gourmand et dansant ! Au programme : des cours de yoga et de danse, un brunch grand format avec le Refugee Food Festival avec les chefs invités Mohammad Elkhaldy et Pierre Sang Boyer, des ateliers culinaires et de mise en beauté, un summertime’s bal participatif avec le chorégraphe Christian Ubl, et un bingo géant !
YOGA ET DANSE
► Yoga & tabla de 10h à 11h15 – Gratuit en entrée libre, adultes Avec Sevam, musique live par Gopala Krishna
Prévoir d'arriver 15 minutes avant le cour
► Swing de 11h30 à 15h15 – Gratuit en entrée libre, adultes Avec Shake That Swing, musique live par le quartet Les Swingberries
Lindy Hop : 11h30 à 12h30
Charleston en couple : 12h45 à 13h30
Blues : 13h45 à 14h30
Mambo : 14h45 à 15h15
► Salsa portoricaine de 15h30 à 16h30 – Gratuit en entrée libre, tout public Avec Salsa En Clave
► Summertime's bal de 16h30 à 18h – Gratuit en entrée libre, tout public Avec CUBe association & Christian Ubl, en partenariat avec Silence Event
Participez à une grande danse collective : en ligne ou à deux, le chorégraphe Christian Ubl (CUBe association) vous apprend des pas de danse et des enchaînements simples. Dresscode : portez du jaune !
APPEL A PARTICIPATION
Danseurs débutants ou confirmés, devenez les ambassadeurs du Summertime's bal ! Deux heures de pratique de la danse et du rythme vous sont proposées, Chrisitan Ubl vous apprendra quelques pas des danses repris avec le public lors du bal, afin que vous puissiez à votre tour les partager avec le plus grand nombre. La répétition aura lieu le vendredi 14 juin 2019 de 19h30 à 21h30 dans l'espace Salon du Carreau du Temple.
► Brunch Syrie-Corée de 12h à 15h (créneaux à 12h, 12h30, 13h, 13h30) – 20€ sur réservation, tout public Chefs invités : Mohammad Elkhaldy & Pierre Sang Boyer - Ouverture du Refugee Food Festival
2 entrées froides :
Mohammad Elkhaldy : Batik - pastèque marinée au vinaigre et à l’huile d’olive, accompagnée de fromage de vache frais, zaatar.
Pierre Sang Boyer : Asperge verte en vinaigrette, tuile de tapioka a la cardamone, burata, framboise
Plat principal :
Plat de poisson à quatre mains entre Mohammad Elkhaldy et Pierre Sang
2 desserts :
Mohammad Elkhaldy : Mohalahi papillon - pâte phyllo, arabic gum, fleur d’oranger, biscuit au ghee.
Pierre Sang Boyer : Choux matcha pistache, crème pâtissière pistache, céleri pickles
2 jus :
Mohammad Elkhaldy : Jus de de tamarin
Pierre Sang Boyer : Thé glacé à l'omija
+ Thé syrien café à la cardamome
► Atelier Cupcake, Pièce montée – 1 session de 2 heures – 14h30-16h30 – 5€ sur réservation, dès 5 ans – 4ème édition du Refugee Food Festival
► Atelier Latte Art - 2 sessions de 45 minutes : 13h-13h45, 14h30-15h15 – 5€ sur réservation, à partir de 18 ans – Avec Araku Coffee
► Atelier Cookies à la drêche - 2 sessions de 35 minutes : 12h-12h35, 13h-13h35 – 5€ sur réservation, à partir de 18 ans – Avec BAPBAP
DÉTENTE
► Atelier mise en beauté – 13h-18h – Gratuit, tout public – Avec Birchbox
► Installation participative de poissons volants – 12h30-17h30, en continu – Gratuit, à partir de 8 ans – Avec Cécile Rolland
► Installation participative Le Serpent géant – 10h-18h, en continu – Gratuit, tout public – Avec Camille Cabanes
► Bulle de lecture – 10h-18h, en continu – Gratuit, tout public – Cécile Rolland et Laurence Yared
BINGO GÉANT
► Bingo de quartier – 15h30-17h30 - 3€ le carton et 10€ les 4, achat sur place, tout public
Un, deux, trois… cartons ! Multipliez vos chances de décrocher des lots offerts durant notre bingo exceptionnel dans la Halle. À cette occasion, l’équipe et les commerçants du 3e arrondissement se mobilisent pour combler les participant.e.s de cadeaux. Bonne chance !
En 2019, le Carreau du Temple fête ses 5 ans et vous réserve de belles surprises ce samedi 15 juin 2019 !
L’influence croissante de la technologie sur nos personnalités est au cœur de la recherche d’Andrea Peña qui crée des œuvres transdisciplinaires entre chorégraphie, installation et arts visuels. Avec 6.58: Manifesto, elle livre un triple tour de piste à la fois puissant et accessible à tous·tes.
Quid de nos relations envers nous-mêmes et les autres quand l’artificialité prend insidieusement possession des esprits et des corps post-industriels ? Quand nous disons « je », savons-nous vraiment de qui nous parlons ? Nos désirs sont-ils encore authentiques ? Dans le manifeste dansé d’Andrea Peña, six robots humains très lookés vont s’émanciper de leur mécanique corporelle pour s’emparer d’une piste de rave, de valse et de séduction. Mais ils sont soumis aux impitoyables commandos d’une voix synthétique qui impose sa cadence en crescendo. Seul le chant d’une soprano les délivrera de leurs rituels obsédants et transformera la vulnérabilité en vertu.
Entre obsession et séduction, 6.58: Manifesto s’intéresse aux constructions d’identité dans la société contemporaine, où l’on renie son véritable moi au profit de représentations formatées. Forte d’un parcours en design industriel, l’artiste colombienne Andrea Peña, qui a fondé sa compagnie à Montréal, interroge nos relations complexes avec le jeu du paraître au quotidien, dans un monde de plus en plus dominé par la technologie. Dans cette création, elle met en danse son propre manifeste pour la vérité de l’être.
Un triptyque chorégraphique puissant où esthétique plastique, musique électronique et partition dansée s'entremêlent !
Les danses urbaines, telle une fête de la rencontre. Le duo tout-terrain de Marco da Silva Ferreira saute les frontières entre Schubert et cultures urbaines, avant que Princess Madoki ne transforme Le Carreau du Temple en dancefloor, par une ode joyeuse au chic, au glamour, à la jeunesse et à la liberté.
Sur une création sonore à partir de la Fantaisie en fa mineur de Franz Schubert, une fille et un garçon sur pointes de sneakers se chamaillent par la danse, tels un frère et une sœur. Et petit à petit, leur duel qui avait débuté dans la joie d’une technicité virtuose, avance sur d’autres terrains, découvrant la complicité, la sensibilité et peut-être l’âge adulte. Chaussés de bottes très spéciales car à bouts rigides, iels associent la frappe du sol à une idée du piqué, empruntée à la danse dite classique. Sans s’interdire quelques clins d’œil envers la contre-danse baroque. Une fantaisie déjà majeure !
Dans D.I.S.C.O. (Don't Initiate Social Contact with Others) de Princess Madoki, huit danseurs·euses et une DJ aux personnalités et styles très personnels fêtent la danse telle une explosion de joie, captant avec ferveur le sentiment de libération qui accompagna la fin des confinements et le besoin viscéral de retrouver la communauté festive de la nuit. Aussi la reine du Waacking a imaginé une immersion collective dans l’ambiance des clubs, pour en finir avec le sentiment d’enfermement. Et si le Waacking, cette danse née dans les clubs gay de Los Angeles dans les années soixante-dix au sein des communautés afro- et latino-américaines, était encore aujourd'hui un chemin de la libération pour imaginer l'être-ensemble ?
Une soirée double de spectacles qui sautent les frontières des danses urbaines, telle une fête de la rencontre, avec les chorégraphes Marco da Silva Ferreira et Josépha Madoki !
Quelle est la place du corps dans nos sociétés contemporaines ? Donner à découvrir des artistes connus ou méconnus, mais soudés par leur engagement autour de ces questions des corps multiples, tel est le pari d’Everybody, toujours plus audacieux, toujours plus précieux !
Pendant cinq jours, le festival présente des propositions artistiques qui placent la représentation du corps au cœur de leurs projets. Quels regards portent les artistes sur les stéréotypes liés notamment au genre, à la couleur de peau, à l’âge, au handicap dans notre société ? Dans le contexte actuel, comment abordent-iels la question des identités et des différences ? La nécessité de ce rendez-vous à la fois fou et sérieux n’est plus à prouver, et son déploiement coule de source. Trois formats, trois lieux, trois atmosphères… Un confidentiel Studio de Flore, l’immense Halle, une confortable salle de spectacle pour s’immerger différemment dans un sujet de taille : le corps dans tous ses états. Du plus performant au plus étrange, le corps physique, ou plutôt sa perception, en dit long sur le corps social et politique qui modèle nos regards.
Traverser l’aventure festivalière Everybody, c’est l’assurance de prendre un bain bouillonnant d’esthétiques diverses, de point de vue pluriels et internationaux, sur des chemins uniques entre des formes hybrides et étonnantes, pour en sortir bodybuildé d’une approche affûtée de la diversité.
Au programme : spectacles et performances, cours de danse et de bien-être, ateliers participatifs, installations immersives, projections, soirée Maraboutage, show waacking et jam sessions…
Artistes invité·e·s : Julien Andujar, Collectif Famille Maraboutage, Valeria Giuga, Kamilė Gudmonaitė, Marta Izquierdo Muñoz, Benjamin Kahn, Georges Labbat, Nach, Sylvain Riéjou, Alexandre Roccoli, Nina Vallon...
Initié par Le Carreau du Temple, le Festival Everybody revient pour une troisième édition en poursuivant son interrogation sur la place du corps dans nos sociétés contemporaines.
Cet interprète et chorégraphe à l’énergie subtile aborde la danse tel un périple. Qu’il traverse le continent eurasien ou retrace sa propre carrière, sa pluralité le mène jusque dans un jardin baroque !
ANNULATION DE POUFS AUX SENTIMENTS En raison de la blessure de l’artiste Raphaëlle Delaunay, nous sommes contraints d’annuler les deux représentations du spectacle Poufs aux sentiments prévues les mardi 16 janvier et mercredi 17 janvier 2024 à 19h30 au Carreau du Temple. Vous avez toutefois la possibilité de reporter votre place pour le second volet du « Focus Sylvain Prunenec » ce vendredi 19 janvier 2024 à 19h30 au Carreau du Temple avec les spectacles 48e parallèle et Le fil. Nous vous invitons à vous rapprocher du service billetterie du Carreau du Temple ou du Festival Faits d’hiver pour procéder à l’échange ou au remboursement de votre place.
Sylvain Prunenec se prête joyeusement aux extravagances de Clédat & Petitpierre en endossant, outrageusement perruqué et poudré, la figure masculine de Poufs aux sentiments.
Poufs aux sentiments est une rêverie autour de l’amour dont les réminiscences nous proviennent d’un monde lointain, témoin d’un goût certain pour la théâtralité et l’artifice. Perruques, blanc de céruse, jardins à la française et Belle Danse sont alors les ingrédients d’un spectacle permanent où les corps costumés se mettent en scène dans la nature artificielle et géométrique des jardins, eux-mêmes conçus comme des théâtres de verdure…
Le duo chorégraphique plasticien s’entend à magnifier jusqu’à l’absurde et le poétique des formes remarquables qui deviennent des éléments moteurs de la pièce. Ni reconstruction, ni reconstitution ! Ils ouvrent en grand les fenêtres de l’imaginaire où le ballet, se déplaçant sur la Carte du tendre, bruisse et enchante.
La représentation sera suivie d'une rencontre avec l'équipe artistique, notamment le duo de chorégraphes et plasticiens Clédat & Petitpierre.
Lire l'interview de Clédat & Petitpierre sur la genèse de Poufs aux sentiments sur Maculture.fr
Cette soirée composée de deux pièces, 48e parallèle et Le fil, constitue le second rendez-vous de l’hommage à l’interprète et chorégraphe Sylvain Prunenec.
Tel le fil d’un funambule, le 48e parallèle nord traverse le continent eurasien. En 2019 Sylvain Prunenec suit son cours, de la pointe du Raz en Bretagne jusqu’à l’île de Sakhaline en Russie extrême-orientale. Il marche et danse hors des sentiers, dans la broussaille et les herbes hautes, sur les pentes raides comme dans les villes, ressentant une joie fondamentale, celle d’exister en liberté. À son retour, il réinvente sur scène son parcours de danseur-voyageur et ouvre, dans 48e parallèle, un espace poétique en gestes, paroles et images, invitant le spectateur à repenser son propre itinéraire pour tracer un chemin vers soi-même.
Avec Le fil, Sylvain Prunenec le fait à sa manière, en interrogeant son propre corps dansant, débusquant les gestes déposés en lui par de grandes figures de la danse française et américaine qui l’ont inspiré et qu’il a fortement marquées à son tour : Dominique Bagouet, Odile Duboc, Trisha Brown, Deborah Hay… Car une vie parcourue – si ce n’est dansée – réserve autant de découvertes qu’une randonnée. Aussi il s’y crée un corps-conscience, capable de se redéfinir sans cesse.
Lire l'interview de Sylvain Prunenec au sujet de la création du spectacle Le fil
Focus sur Sylvain Prunenec, figure majeure de la danse française depuis quatre décennies, avec les spectacles « 48e parallèle », « Le fil » et « Poufs aux sentiments » de Clédat et Petitpierre !
Qu’est-ce qui relie nos histoires personnelles à l’histoire tout court ? Sept artistes chorégraphiques tissent une toile de mémoires autour des liens invisibles qui hantent les existences : guerres mondiales, histoire de l’art, mouvement punk, danse post-moderne, musique électro, colonisation…
Une décennie durant, Gaëlle Bourges s’est illustrée par son dialogue avec les grands maîtres de la peinture, de la préhistoire à la modernité. Mais plus que la connaissance en histoire de l’art, elle cherche à révéler les fils invisibles qui lient les événements historiques aux temps actuels. Avec AUSTERLITZ, on retrouve son goût de l’authenticité, son regard critique sur les rapports entre dominants et dominés et un savant mélange de danse, chant et récit documentaire.
Le point de départ n’est ici pas un tableau ou une sculpture qu’on rencontre dans les musées européens, mais la mémoire personnelle des interprètes, de l’enfance à leurs premières danses ou tours de piste, fut-ce à dos d’éléphant. On plonge ainsi dans la mémoire, mais aussi dans les mondes imaginaires qui ont nourri leurs chemins vers l’art.
Si le titre est emprunté au roman éponyme de l’auteur allemand W.G. Sebald où le personnage central tente de rassembler les lambeaux de sa mémoire - le spectacle fait apparaître nos terreurs tues et nos routes obscures, constellées d’injonctions sociales, raciales ou sexuelles. S’y révèlent les constellations secrètes qui nous unissent, nous réchauffent ou nous glacent.
Spectacle conseillé à partir de 15 ans
La nouvelle création de Gaëlle Bourges invite ses performeurs et performeuses pour interroger leur passé et leurs histoires personnelles pour des connexions autant inattendues qu’émouvantes !
En deux solos fascinants, Silent Legacy déconstruit les normes sociales et chorégraphiques. Portraits d’une (très) jeune krumpeuse qui fait sensation par sa liberté d’expression et d’une danseuse contemporaine de grande élégance, un vrai modèle du genre…
C’est par un dialogue inédit entre krump et danse contemporaine que Maud Le Pladec poursuit son enquête sur la sociologie du genre et l’héritage chorégraphique. Tout part de sa rencontre avec Adeline Kerry Cruz, petite prodige du krump âgée de dix ans. Elle vit à Montréal, loin des ghettos qui ont vu naître cette danse entre rage et aspiration spirituelle. Et pourtant son mentor est le très grand Jr Maddripp ! Car le krump, héritage universel et accessible à tous, se définit par sa véracité intime. S’il est né comme expression d’une rage liée à l’injustice raciale et sociale, chacun peut y exprimer sa propre fureur, concrète ou métaphysique. Et Adeline Kerry Cruz le prouve avec brio.
Ensuite, comme dans un jeu de vases communicants, le second solo appartient à Audrey Merilus qui a grandi en banlieue parisienne et livre ici sa personnalité à partir d’une formation et d’une technique contemporaine, héritées d’un siècle d’enseignement institutionnel, sans cesse renouvelé. Ayant débuté en conservatoire, cette femme cisgenre a travaillé, entre autres, avec Anne Teresa de Keersmaeker et Florentina Holzinger.
Silent Legacy, c’est l’universalité de la danse, où la beauté naît du partage de l’héritage.
Avec « Silent Legacy », Maud Le Pladec interroge les filiations d'aujourd'hui en compagnie de deux interprètes impressionnantes de liberté et d'imagination.
SPECTACLE COMPLET : Une liste d'attente est mise en place pour chaque représentation, n'hésitez pas à vous inscrire auprès de l'accueil/billetterie !
Untitled (Holding Horizon) est une invocation, à la fois actuelle et intemporelle, de gestes, rencontres et affects de communs queer. Cette chorégraphie prolonge les recherches d’Alex Baczyński-Jenkins autour des structures et des politiques du désir.
Pris dans l’élan de leurs mouvements à la fois sensuels et isolés, baignés dans des lumières monochromes, cinq interprètes scintillent et tournoient à travers l’espace et le temps. Leur danse part du « box-step » – un pas que l’on retrouve dans de nombreuses danses de bal – pour faire surgir l’intime dans une subtile chorégraphie du désir qui émerge de la dynamique changeante des relations, du jeu avec soi-même et de son interdépendance avec les autres, en explorant les dimensions physiques et affectives du contact.
S’adaptant aux variations de lumière et de son, arrangés en direct, les répétitions et les retours perpétuels des danseuses et danseurs produisent des perceptions et des associations en constante mutation : le souvenir d’une rave party, une assemblée spectrale, une fête et un deuil, un rassemblement militant, une fantaisie pastorale où la synchronisation, le plaisir et le sentiment d’appartenance coexistent avec la désorientation, la contrainte et le sentiment de perte.
Reposant sur une expérience de longue durée, cette pièce de trois heures permet au public d’entrer, de quitter l’espace et d’y retourner tout au long de la performance.
Présentée pour la première fois en France, une expérience unique de trois heures où cinq danseur·euses créent une dynamique qui interroge le désir queer, la désorientation et la collectivité !
Seule avec son inconscient, une femme se laisse traverser par un état de suspension intérieure, accueillant en sa chair des mouvements et images qui remontent depuis la nuit des temps. Une invitation à se perdre entre le corps et l’esprit, dans un retour à l’essentiel, à l’écoute et à l’épure.
Dans ce solo hypnotique, toute notion du temps est mise à l’épreuve. On suit les transformations de l’interprète sur son parcours vers la plénitude, dans l’ambiance solaire d’une musique électronique. Indéniablement, un lien aussi intense à la nature et aux sensations appartient au Québec, où une nouvelle vague chorégraphique nous invite à aborder la vérité de la peau et du corps tel un miroir de l’être, psychiquement comme socialement. Et Catherine Gaudet y apparaît telle une actrice clé.
Pour Se dissoudre (2021), elle n’a pas voulu partir d’une écriture ou composition au sens classique, mais mener une recherche fondamentale avec Marie-Philippe Santerre qui accueille le mouvement en son corps, où il trace sa route en toute liberté. Aussi ses états de vulnérabilité ou d’agitation arrivent depuis d’insondables profondeurs et dessinent un condensé de la condition humaine, voire de l’Évolution. Mais bien avant de devenir un objet à réflexion, ces états-limites de la chair et de la conscience sont à vivre et à ressentir, car ils reflètent un intérêt profond et empathique pour l’être humain dans ses contradictions, non sans lui déclarer amour et désir.
La dernière création de la chorégraphe Catherine Gaudet pour la première fois en France, où Marie-Philippe Santerre révèle en solo la solitude comme ce qui reste quand tout est suspendu !
