Après l’accueil en 2021 de Eighteen, très belle pièce de Thierry Micouin en duo avec sa fille, Le Carreau du Temple présente la nouvelle création du chorégraphe, qui retrouve sa grande complice plasticienne sonore Pauline Boyer dans une énergie punk-rock. Une danse magnétique, dans une atmosphère hypnotique.

Animés par un goût inconditionnel pour les esthétiques musicales des années 7o, les deux artistes proposent, depuis leurs débuts, des créations qui mêlent danse, musique, performance et arts numériques.

Jour futur donne à incarner à quatre danseurs une référence du Krautrock (rock progressif allemand), Future days, album du groupe CAN sorti en 1973, et tout ce qu’elle évoque. Apparu en une année charnière où le crescendo des théories libérales accusait l’émergence d’un « nouveau monde », ce troublant album augurait de crises qui nous bouleversent aujourd’hui. Comme un hommage à ces signes précurseurs, sur un sol blanc se chargeant progressivement de corps et de matière sombre, leur réinterprétation de l’album déploie un nouveau territoire acoustique émaillé de sons concrets, une architecture chorégraphique envoûtante, un déchaînement psychédélique de gestes et de lumière.

Sur un sol blanc qui se charge progressivement d’une matière noire, la réinterprétation de l'album donne lieu à un nouveau territoire acoustique, une architecture chorégraphique abstraite agencée en quatre parties. Quatre interprètes offrent une danse répétitive, partitionnelle et envoûtante ; un déchaînement communicatif soutenu par des battements lumineux psychédéliques.

La nouvelle création punk-rock et hypnotique du chorégraphe Thierry Micouin, en complicité avec la plasticienne sonore Pauline Boyer !

Titre complet : PARTITION(S) Du décollement des sentiments et des affects - Phase 2

Pièce inspirée par les Suites pour violoncelles de Bach, PARTITION(S) invite le spectateur à percevoir la musique et la danse avec acuité, à la fois dans leur singularité, leur simultanéité et leur réciprocité. Une expérience suspendue, comme hors du temps.

Jean-Christophe Boclé, danseur et chorégraphe aguerri à la danse baroque, partage ici les imaginaires qui ont nourri son parcours : une approche organique étayée par des cartographies corporelles, des formes de dictées intérieures et de couleurs mentales, des modèles géométriques, textuels ou chromatiques, une écriture qui s’invente et se transmet entre générations d’interprètes.

PARTITION(S), c’est une traversée spirituelle, énergétique et physique du monde des Suites de Bach. Se détachant des sentiments et des affects, les gestes essentiels du danseur émergent dans leur primauté, ces gestes qui sous-tendent l’espace et le temps des intériorités et de leurs arborescences. En offrant à la danse ce support à multiples entrées, l’artiste amplifie les interactions possibles entre chorégraphie et musique, tout en interrogeant les relations entre abstraction et sentiment, mathématiques et composition.

En savoir plus : Jean-Christophe Boclé revient sur les origines de son spectacle, sa relation particulière à la musique et partage le processus de création de son projet dans un entretien accordé à MaCulture.fr à lire ici

Atelier Danse et expression corporelle autour du spectacle PARTITION(S)

Samedi 4 février 2023 de 14h à 16h

Entrez dans les coulisses de la création du spectacle PARTITION(S) lors d’un atelier mené par les interprètes et le chorégraphe !

En savoir plus

Une pièce hors du temps de Jean-Christophe Boclé, entre partition chorégraphique à entrées multiples et partition musicale de Bach !

Ce solo de Betty Tchomanga invoque la divinité du panthéon Vaudou Mami Wata, monstre des eaux troubles. Animée par une pulsation irrépressible, elle saute sans s’arrêter pour faire surgir une multiplicité de présences aussi désirables qu’inquiétantes.

Betty Tchomanga déploie une danse intense à travers une recherche fouillée, qui touche à l’écologie et aux questions coloniales. Dans Mascarades, elle incarne Mami Wata, divinité mi-femme, mi-poisson, une sirène sexuelle ambivalente, aussi attirante que dangereuse, qui oscille entre le monde des profondeurs et celui des humains.

Juchée sur une estrade, le corps tâché de peinture noire, la chorégraphe, animée de pulsations frénétiques, quitte progressivement son perchoir. Elle grimace, grogne, et rebondit, pour investir le saut vertical, un motif qui évoque plaisir, désir, animalité – évoquant les mœurs déviantes associées à la déesse – qui devient exutoire, expression d’une force humaine brute.

À travers ce solo à l'énergie magnétique, Betty Tchomanga, insaisissable, fait surgir une multiplicité de présences, aussi sensuelles que menaçantes.

Atelier Masques peints sur le visage

Samedi 26 novembre 2022 de 14h30 à 18h30

Un atelier de création de masque peint sur le visage à partir de figures hybrides mythologiques !

Réservez votre place

Un solo de Betty Tchomanga à la transe magnétique et à la pulsation exutoire autour de la déesse africaine Mami Wata !

Danseur depuis 2010 pour Alonzo King Lines Ballet, le ballet de l’Opéra de Lyon, le ballet de
Lorraine ou Maud Le Pladec, Simon Feltz réalise avec Echo sa troisième pièce de danse.

Simon Feltz dissèque les réflexes de synchronisation entre les gestes et les paroles. Ces phénomènes,
ici considérés comme matériau chorégraphique, font le lit d’un délicat quatuor d’interprètes au
service de la sensualité du langage.

À partir d’un corpus vidéo compilant une large palette d’échanges conversationnels, allant du débat
politique à la téléréalité, l’artiste s’attache à transcrire les corrélations entre langage et gestuelle en
écriture chorégraphique, usant des corps comme d’amplificateurs de la musicalité des voix. Dans toute
conversation, le geste ajoute du sens, l’épaissit. Ce postulat, déplacé dans le champ extrême du
mouvement qu’est la danse, transforme les éléments gestuels et vocaux en partitions dansées et
musicales.

Intonations et tonus musculaire, rythmique des corps et des mots, séquences phrasées
et segments corporels engagés : l’agencement aérien d’une multitude d’impulsions, porté par de
rigoureux mouvements d’ensemble, célèbre la danse des mots dans l’espace.

Un délicat quatuor d’interprètes au service de la sensualité du langage.

Parmi les chutes, luttes, cris et chuchotements, s’ouvre l’effroyable abîme d’une réverbération vertigineuse des contraintes imposées à la représentation du féminin. Le Carreau du Temple, selon sa volonté de présenter à Paris des pièces majeures, se fait un plaisir d’accueillir cet opus, enrichi de dix années de tournée internationale.

Mouvements entravés par des objets incongrus, paroles superposées, danses électriques, vrais-faux strip-teases sur fauteuils de bureau, collisions, renversements, coups, esquives, détournement des accessoires académiques du théâtre : si l’on reconnaît bien ici certains ressorts et appareils du burlesque, un parfum de Tati, Sellers, Keaton, Chaplin ou encore de Moretti, Blume et Nauman, il s’agit là d’un burlesque purement formel, un comique physique, parfois violent, convoqué pour que jamais la cohérence ne puisse s’installer.

Avec la fraîcheur d’une jubilation à jouer ensemble proprement contagieuse et la maturité de leur inébranlable exigence, les deux figures de proue de la danse nous emmènent au coeur du dédoublement de personnalité de Gustavia, qui régit les modulations des relations entre les deux protagonistes, tour à tour duo, jumelles, doubles ou divas en compétition. Ce coeur est un non-lieu lugubre et fou, dangereux, dont surgit une critique féministe aiguë des impératifs dictés aux femmes pour « jouer » leur genre de façon satisfaisante – dans la vie quotidienne comme dans la création -, avec un bouquet de requêtes incessantes, normatives, souvent grotesques, parfois contradictoires, voire tout simplement impossibles à réaliser.

Une occasion rare de découvrir deux monuments de la danse contemporaine sur un même plateau.

La Ribot recevra le Golden Lion for Lifetime Achievement à la Biennale de Venise en octobre prochain.

Comptant parmi les personnalités les plus charismatiques de la scène chorégraphique contemporaine, La Ribot et Mathilde Monnier, jouant de la ressemblance de leurs silhouettes longilignes et sportives, composent un duo aussi pétillant qu’abrasif.

Passionné par la poésie et les mythes anciens, Harris Gkekas entreprend ici une fabrique de sa propre mythologie et d’un lexique chorégraphique proche du langage Pythique. Aux confins du rêve comme du cauchemar, oscillant entre quiétude et inconfort, sa pièce atteint quelque chose de substantiel, qui touche à l’essence de la danse, voire de la vie, en évoquant avec subtilité la croisée de nos chemins, la liberté, la solitude, la fragilité de nos entreprises et l’état de veille extrême que nous apprennent les mythes.

Fort d’un parcours d’interprète impressionnant de collaborations avec de grandes signatures – William Forsythe, Jiří Kylián, Merce Cunningham, Trisha Brown, Saburo Teshigawara... –, le chorégraphe invente ici une danse qui fait de chaque geste un mot, une image, un fragment qui murmure. Plus qu’une trame, c’est une toile énigmatique qui se déplie, un espace tonique et fécond où l’imaginaire circule librement.

Dans un dispositif scénographique minimal, la gestuelle reste tout aussi simple. La virtuosité ne se situe pas à l’endroit de la performance, mais dans l’intelligence de l’agencement et de la décomposition de ces mots-gestes. Reposant sur un parti pris stylistique très fort : un langage qui n’indique pas mais fait signe, ce travail évoque l’acte poétique lui-même, quand faire poème semble plus que jamais nécessaire face à une modernité frénétique, un lieu encore possible d’une insurrection contre le temps. Tel un opus testamentaire, il ouvre la possibilité d’un apaisement.

Trois danseurs aux parcours éclectiques s’imprègnent de poèmes de plumes virtuoses pour créer une « pièce-monde » qui met dos à dos simplicité et immédiateté, en quête de la splendeur endormie dans le ventre de nos actes. Une expérience mystérieuse, un rêve éveillé.