Figuring Age
Une performance-installation immersive et intergénérationnelle
La chorégraphe et danseuse hongroise Boglárka Börcsök et le réalisateur Andreas Bolm développent un solo original entre installation plastique et performance. Figuring Age, une expérience immersive et transgénérationnelle qui explore les origines de la danse moderne hongroise tout en se penchant sur le grand âge.
Un spectacle en deux temps, entre passé et présent
Le spectacle se déroule en deux parties. La première partie débute dans un espace circulaire entièrement blanc, où le public est plongé dans une « séance fantôme fictive » venant à la rencontre de trois danseuses âgées de 90 à 101 ans : Éva, Irén et Ágnes. Toutes les trois sont des pionnières de la danse moderne en Hongrie dans les années 1930. Toutes les trois sont incarnées par le corps et la voix de la danseuse Boglárka Börcsök qui leur permet de revenir sur scène. Ces trois danseuses, la chorégraphe les a rencontrées sur un projet de film documentaire, The art of movement, réalisé avec Andreas Blom à partir de 2015. En leur redonnant vie sur scène, Boglárka Börcsök retrace le parcours de ces femmes qui ont transformé leur pratique de la danse pour survivre aux bouleversements socio-politiques du XXe siècle (Seconde Guerre mondiale, condition de la femme…).
La seconde partie du spectacle est une installation vidéo où les spectateurs·rices découvrent les entretiens originels filmés des trois danseuses, enrichissant l’œuvre d’une profondeur historique, intime et personnelle, faisant écho à la première partie performative de la pièce.
Une réflexion profonde sur la mémoire corporelle et le temps
Figuring Age explore comment la résilience, le silence et le traumatisme se transforment en mouvements inscrits dans le corps. Le corps vieillissant et sa mémoire corporelle interrogent la manière dont le corps porte en lui plusieurs couches de temps, de mémoire et d’expérience. La lenteur et la fragilité des corps vieillissants demandent une attention particulière et offrent au public un espace de réflexion sur sa propre relation à l’âge, à la vieillesse et à la mort. Figuring Age est une déclaration d’amour pudique et sensible permettant de comprendre les apports de chaque génération sur l’évolution des pratiques artistiques.
=> Pour en savoir plus sur le spectacle, lire l'entretien de Boglárka Börcsök sur Cult.news
Figuring Age explore la danse, la mémoire et le vieillissement à travers une performance immersive, rendant hommage aux pionnières de la danse moderne hongroise !
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Un cœur réduit à un point
Marie-Jo Faggianelli habite les espaces scéniques comme elle habite le monde : avec une poésie singulière et une présence qui traverse le temps. Depuis des années, elle sillonne ces espaces avec insistance, inscrivant son corps et son art dans une durée qui dépasse le présent. Sa danse, profondément ancrée dans un rapport au temps englobant passé, présent et futur, se déploie dans une forme d'intemporalité.
Dans cette démarche, Marie-Jo Faggianelli a ressenti le besoin de revisiter une pièce fondatrice de son parcours : Un Cœur réduit à un point. Créé en 1997 aux Chorégraphiques de Tours, ce solo emblématique incarne les liens profonds qu’elle tisse entre passé et présent. Cette œuvre fait résonner les échos d’une mémoire vivante, où le crin végétal, à la fois source d’inspiration et élément scénographique, joue un rôle central. Ce matériau, mobile et poétique, devient un support de rêverie et nous invite à une introspection, tout en nous libérant de notre condition de pesanteur.
Un Cœur réduit à un point est aussi la mémoire vivante de Ciel intermédiaire, une autre œuvre fondatrice de Marie-Jo Faggianelli. À travers ce solo, elle questionne la notion de temps dansé, un temps épaissi et enrichi par les années, porté par une quête poétique sans fin. Le corps, allégé et conscient des métamorphoses successives, révèle des espaces d’éternité traversés par la danse.
Cette reprise d’Un Cœur réduit à un point pose la question de la relation entre l’inaltérabilité de la danse et l’instabilité du corps, marqué par le passage des années. Comment maintenir la pureté de la danse, à presque trente ans d’intervalle, tout en faisant face aux transformations physiques inévitables ? Ce projet explore cette tension avec délicatesse, dans un dialogue entre la mémoire du corps et sa perpétuelle réinvention.
Marie-Jo Faggianelli revisite son solo fondateur qui tisse les liens entre passé, présent et futur, questionnant l’intemporalité de la danse et la mémoire du corps à travers le temps.
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WASCO!
Un groupe d’enfants, quelques boîtes de crayons de cire, une grande quantité de peinture et du jazz - c’est WASCO!. Dix jeunes performeurs de 6 à 12 ans construisent un monde de toutes pièces, loin de celui où vivent les adultes. Ils dansent un univers pour qu’il existe avec des crayons de couleur et des pinceaux, selon leurs propres termes. Le résultat est une peinture.
Après tout, qu’est-ce que danser si ce n’est dessiner dans l’espace ? La chorégraphe Lisbeth Gruwez et le musicien Maarten Van Cauwenberghe explorent les points communs entre la musique, le dessin et la danse dans WASCO!. Avec les enfants, ils élaborent une bande-son qui laisse de la place pour des actions inattendues et des extravagances spontanées.
Si la liberté avait une forme, à quoi ressemblerait-elle ? WASCO! est une invitation à colorier au-delà des lignes. Une performance explosive d’action painting. Débridé, chaotique et sauvage. Et parfois doux.
« J’ai l’impression que c’est aussi une œuvre d’art dans mon corps. » – Gus, jeune performeur
Dans WASCO! de Lisbeth Gruwez et Maarten Van Cauwenberghe, dix enfants fusionnent danse, peinture et jazz pour créer une œuvre vivante et colorée ! Une performance explosive qui célèbre la liberté et l’imagination.
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Atelier avec Taoufiq Izeddiou et Hassan Oumzili
Lundi 17 mars 2025 de 19h à 21h30 / Halle / Adultes tous niveaux
Un atelier dirigé par le chorégraphe Taoufiq Izeddiou et le danseur Hassan Oumzili, qui explore la transe à travers le mouvement dans une approche contemporaine, au cœur de la trilogie Le Monde en Transe.
Une participation à l'atelier vous ouvre le choix d'une place au double plateau Idée / Hors du monde à la date de votre choix parmi les 2 représentations.
Un atelier de Taoufiq Izeddiou et Hassan Oumzili consacré à l'approche contemporaine de la transe par le mouvement !
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Atelier avec Sylvain Prunenec
Jeudi 7 novembre 2024 de 18h30 à 21h30 / Salle de spectacle / Adultes tous niveaux
Les ateliers proposés par Sylvain Prunenec sont axés principalement sur l’improvisation.
C’est à travers cette pratique de l’improvisation que les différents paramètres qui entrent en jeu dans la danse et le mouvement du corps sont explorés : la qualité du mouvement, le temps, l’espace. Et pour tenter de tisser un lien (ténu) avec l’univers baroque des Poufs, seront lues quelques phrases inspirantes du roman L’amour la mer de Pascal Quignard.
Une participation à l'atelier comprend une place pour le spectacle Poufs aux sentiments à la représentation du mercredi 16 octobre 2024 à 19h30.
Un atelier de danse contemporaine improvisée, proposé par Sylvain Prunenec, qui ouvre libre cours à l'improvisation !
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Atelier avec Clédat & Petitpierre
Mercredi 6 novembre 2024 de 18h30 à 21h30 / Salle de spectacle / Adultes tous niveaux
Consacré aux relations entre le corps et la sculpture, cet atelier se déroulera en deux temps.
Une première partie sera consacré, images et vidéos à l'appui, à expliciter ces liens à travers les multiples métamorphoses corporelles proposées dans nos spectacles et performances.
La deuxième partie sera consacrée à l'expérimentation de certains de ces objets et costumes qui, de par leur nature même, impliquent des qualités de mouvements et des modes d’interactions particuliers.
Une participation à l'atelier comprend une place pour le spectacle Poufs aux sentiments à la représentation du mercredi 16 octobre 2024 à 19h30.
Un atelier instructif et interactif avec les chorégraphes-plasticiens Clédat & Petitpierre, qui célèbre le mouvement et la métamorphose !
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Rencontre sur le Gwoka
Samedi 12 octobre 2024 à 19h à l'issue des spectacles* / Hors les murs : Théâtre 13 / Bibliothèque / Tout public
En partenariat avec le Théâtre 13 et le festival du Mois Kréyol
À partir du constat de la forte propension au déséquilibre permanent du danseur de Gwoka (le bigidi), Lēnablou a élaboré une théorie et une technique ancrée dans la réalité caribéenne. Sur le plan chorégraphique elle développe une esthétique de l’harmonie du désordre. Chantal Loïal s’attache à créer un langage chorégraphique basé sur un métissage des danses africaines et antillaises ainsi que sur les répertoires musicaux traditionnels et contemporains. Sa danse circule entre tradition et modernité. Max Diakok a développé un langage à partir de l’univers gestuel et musical du Gwoka. Au-delà de la quête esthétique, sa danse est l’émanation d’une poétique ancrée dans une Guadeloupe chevillée au cœur, tout en étant en dialogue avec le monde.
Invité·es : Les chorégraphes Lēnablou, Clémence Baubant, Chantal Loïal, Max Diakok et Kalil Bat
Modérateur : Thomas Mouzard, Chargé de mission pour l'anthropologie et patrimoine immatériel au ministère de la Culture
*La rencontre a lieu à l'issue des spectacles qui se jouent précédemment - dans la limite des places disponibles - en savoir plus
Une rencontre sur le Gwoka, ses origines et ses influences contemporaines avec Lēnablou, Clémence Baubant, Chantal Loïal, Max Diakok et Kalil Bat, au Théâtre 13 / Bibliothèque !
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Atelier Techni’ka avec Lēnablou
Mardi 8 octobre 2024 de 10h à 13h / Studio de Flore / Adultes tous niveaux
Docteure en anthropologie de la danse, danseuse, chorégraphe et pédagogue, Lēnablou a un parcours atypique, à la croisée des champs artistique, culturel et académique. Le long processus d’analyse didactique du Gwoka, danse traditionnelle de Guadeloupe, qu’elle entame au début des années 90, aboutit à l’élaboration d’une nouvelle technique corporelle qu’elle nomme Techni’ka, constituant aujourd’hui un outillage pour la création contemporaine, et au développement de la théorie du Bigidi et de l’esthétique du désordre.
Dans le cadre des masterclass, après un apprentissage des enseignements théoriques de base de la Techni'ka et une approche sensible du Bigidi, les participant·es sont amené·es à s'impliquer dans un processus de création.
Une participation à l'atelier vous ouvre le choix d'une place au double plateau Grande Mess / Le Sacre du sucre à la date de votre choix parmi les 2 représentations.
La chorégraphe Lēnablou vous initie à la danse Gwoka et ses influences contemporaines, le temps d'un atelier laissant libre cours à la création !
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Atelier de danse métissée
Dimanche 26 janvier 2025 de 10h30 à 12h / Studio de Flore / En famille (à partir de 8 ans)
Les ateliers parents enfants s’adressent aux familles ! L’idée est de générer un échange intergénérationnel qui permette aux parents et enfants de partager un moment ludique et unique. Pour mettre en œuvre cet atelier parents enfants, nous proposons de développer la pédagogie que Josette Baïz a insufflée depuis de nombreuses années et qui se base sur le métissage de cultures chorégraphiques ainsi que sur la technique, l’improvisation et la composition.
Dimanche 26 janvier 2025 de 14h à 16h / Studio de Flore / Adultes niveau amateur
À partir d’une base technique contemporaine, l’intervenante développe dans son atelier l’aisance gestuelle grâce à un travail de pression au sol, d’étirements et de relâchement de la tension, tout en proposant une large part d’improvisation et de composition dans le but de donner aux participants les clés de leur créativité. Elle abordera également les diverses techniques du métissage chorégraphique qui caractérise la démarche de Josette Baïz.
Une participation à l'atelier vous ouvre le choix d'une place pour le spectacle Ulysse à la date de votre choix parmi les 3 représentations.
Avec Jeanne Vallauri de la Cie Grenade, deux ateliers de danse métissée autour de la gestuelle de Josette Baïz où la créativité, la danse et le mouvement sont à l'honneur !
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Electro-tap, musique à regarder vs danse à écouter
Préparez-vous à plonger dans la nouvelle vague du tap dance ! Musique électro et cadence des claquettes s’unissent pour un concert dansé au groove incessant. Electro-tap, ou la rencontre entre semelles métalliques, synthétiseur et guitare électrique.
Le tap dance, comme l’appellent ses inventeurs new-yorkais, connaît aujourd’hui un renouveau spectaculaire. À cette mouvance passionnante, Candice Martel apporte sa touche personnelle, résolument novatrice. Dans Electro-tap, le modulariste Modgeist, figure de proue de l'électro live, au synthétiseur et Thomas Naïm à la guitare (On the Far Side ; Sounds of Jimi ; Desert Highway) invitent un paysage sonore entre l’électronique et l’acoustique, entre le geste musical et le corps dansant, avec le sol comme prolongement sonore. Aussi les pieds de Candice Martel deviennent instrument de musique, traversant un paysage sonore modulé à la table de mixage, et comme en boîte de nuit pour un clubbing électro, le groove ne tarit jamais.
Un voyage chorégraphique à travers de nouvelles textures sonores, une danse à regarder ou à suivre comme un concert, pour repousser les frontières de nos habitudes perceptives. Et puisque Candice Martel fait de l’humain sa priorité, elle est accompagnée dans l’ombre par la figure de Peg Leg Bates, tap dancer unijambiste historique ! Aussi Electro-tap est une ode à la liberté et un encouragement à suivre ses rêves…
Bord de plateau
Jeudi 12 juin 2025 après la représentation / Entrée libre
Conversation critique animée par le Syndicat de la critique avec Candice Martel.
Atelier Danse et percussion corporelle avec Candice Martel
Samedi 14 juin 2025 de 11h à 12h30 / Salle de spectacle
Adultes et enfants à partir de 12 ans, tous niveaux
Billet atelier + spectacle : 15€ à 30€
Réservez en cliquant ici !
Un concert dansé au groove incessant, entre semelles métalliques et synthétiseurs, qui repousse les limites du genre avec la nouvelle vague du tap dance !
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