Ball voguing
Figure de proue de la culture ballroom en France, Lasseindra Lanvin a contribué, en quelques années, à faire de Paris la capitale européenne du voguing, une danse née de l’oppression de la communauté noire et latino LGBTQIA+ aux États-Unis dans les années 1970.
Pink Sunday Kiki Ball
Le ball Pink Sunday Kiki Ball va faire vibrer (en rose) la Halle du Carreau du Temple ! Cette compétition met en avant les vibrations énergiques et combatives des vogueuses et vogueurs qui s’affrontent en des performances aussi extravagantes qu’éblouissantes. C’est également un grand vent de liberté que Lasseindra Lanvin apporte avec ces morceaux de bravoure puisque, selon elle, le voguing favorise le développement de sa propre identité et l’émancipation.
Liberté pour chaque spectatrice, chaque spectateur, de faire son propre cheminement, ses propres ramifications entre des questions d’hier et d’aujourd’hui concernant les relations entre danse et identité, puissance, vulnérabilité, racines sociales et politiques, discrimination et tabous, genres et transgenres, activisme ou militantisme. Parce qu’avec le voguing aussi, la lutte continue !
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- Face (FQ/W/BQ/TM)
- Old Way
- Virgin Runway
- Dip for Dip
- All American Runway
- Baby Vogue
- Hands Performance
- European Runway (FF / MF)
- FQ Performance
- Realness As A Couple
- MF Peformance
- New Way
- Best Lipsync Production (spécial afro beat) : Me & U de Tems / Bloody Samaritan de Ayra Starr / Koroba de Tiwa Savage / Show You The Money de Wizkid / Charm de Rema
- FF Performance
- Fashion Killa
- Vogue OTA
- OTA Sex Siren
- Production As A House 1min30 à 2min (Rock With U de Janet Jackson ou AMERICA HAS A PROBLEM de Beyoncé)
Cours de voguing + ball voguing
Le dimanche à 13h30, rejoignez le cours de voguing avec Isaïa Badaoui, danseur au Ballet national de Marseille x (La) Horde et sur les tournées de Sam Smith et Madonna, avant d'enchaîner avec le ball !
Cours de voguing + ball voguing à 15€
Prendre soin de sa santé sexuelle, c’est aussi prendre soin de sa communauté !
Trois associations de lutte contre le VIH, Vers Paris sans sida, Afrique Arc-en-Ciel et le Checkpoint Paris, s’associent au Pink Sunday Kiki Ball ! Tout au long de l’événement, un stand de prévention et d’information sera présent pour échanger sur la santé sexuelle, la prévention diversifiée du VIH et des IST, et répondre à toutes vos questions dans un cadre bienveillant et non jugeant.
Des dépistages rapides, gratuits et anonymes du VIH et des hépatite B et C* seront également proposés tout au long de l’événement. Il vous suffira de vous présenter au stand pour en bénéficier.
Pour valoriser l’engagement de la communauté, un concours sera organisé avec deux prix à la clé :
- Prix de la House la plus engagée – La House ayant réalisé le plus de dépistages se verra récompensée.
- Prix individuel Ballroom – Chaque membre de la scène ballroom se faisant dépister participera à un tirage au sort avec un prix à la clé !
*Les dépistages seront réalisés dans un cadre confidentiel au Carreau du Temple par des professionnel·les et bénévoles des associations habilitées à les réaliser. En cas de résultat positif, une confirmation par une prise de sang en laboratoire est nécessaire, et nos associations pourront vous accompagner dans cette démarche si vous le souhaitez.
Stands Nail Art et Maquillage
Dimanche 16 février 2025 de 14h à 19h / Tout public / Gratuit pour les participant·es du ball voguing
Stand Nail Art avec Marième Niang de Clap Clap nails club
Une nouvelle occasion pour petit·es et grand·es de découvrir l'art du nail art et se faire sublimer un ongle par la nail artist Marième Niang ! Sur place, choisissez un créneau et un motif exclusif pour habiller l’ongle de votre choix !
Stand Maquillage avec Super Cool Paillettes
Super Cool Paillettes propose un stand de maquillage scintillant et bienveillant pour briller durant le ball. La fête, c’est encore mieux quand c’est éco-responsable : on s’engage donc à sublimer tou·te·s les participant·es sans polluer, en privilégiant des paillettes qui ont un impact limité pour notre belle planète !
Organisé par la légendaire Mother Lasseindra Lanvin, le ball voguing revient enflammer la Halle du Carreau du Temple, entre performances dansées et catwalks enflammés !
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Cover
Un récit chorégraphique qui dénonce la domination patriarcale et coloniale
Dans un solo en forme de récit chorégraphique et autobiographique, Myriam Soulanges plonge dans son histoire familiale pour dessiner les lignes d’une pièce dénonçant la domination patriarcale et coloniale. Danse, parole et archives sonores s'entremêlent pour interroger petite et grande Histoire.
« Papa, tu réponds quoi quand on te demande d’où tu viens ? » C’est la première question posée par la chorégraphe Myriam Soulanges à son père Socrate, guadeloupéen immigré à Paris en 1954. Un processus de remémoration se tisse alors autour des archives familiales et des souvenirs partagés : les émissions de radio de son père sur France Culture, Les Nuits Magnétiques, ses photographies en noir et blanc de personnalités comme Tina Turner, Marvin Gaye, Léopold Sédar Senghor, mais aussi les photos de famille où elle-même se retrouve aux côtés de sa mère et de sa sœur.
Cover est un solo, un dialogue croisé avec la figure du père, mêlant danse, parole et chant pour interroger les mécanismes d’oppression autour du corps noir, le racisme, le sexisme, de génération en génération.
Le titre Cover fait écho à l’époque où, à 17 ans, Myriam Soulanges était l’une des cover girls françaises, chantant et dansant en semi-playback sur des tubes comme Pump Up the Jam de Technotronic. Cette idée de cover, de reprise et de mise à distance, devient ici un outil permettant de faire émerger un récit sensible, parfois douloureux, où se croisent archives personnelles et luttes collectives. Cover devient ainsi un acte de réappropriation esthétique et identitaire, un croisement de cultures pop, créoles et féministes. C’est un manifeste de résistance, un geste où l’histoire se réécrit, où l’artiste s’affirme et se redéfinit avec force, poésie et résonance.
Le cri de rage de Myriam Soulanges, femme, noire, artiste qui part de son intimité pour se plonger dans la grande histoire !
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Danser Ensemble
« Je suis Alice Davazoglou. Je suis chorégraphe. »
Danser Ensemble est un projet unique porté par Alice Davazoglou, une jeune femme trisomique passionnée par la danse. Avec ce spectacle, Alice s'affirme comme chorégraphe et invite à redéfinir la place des personnes handicapées dans le monde de la danse contemporaine. Elle écrit une danse qu'elle transmet à dix chorégraphes qu'elle connaît bien, avec qui elle a déjà partagé la scène. Ces chorégraphes, devenus des chorégraphes-interprètes, s’approprient sa création et l’interprètent chacun·e à leur manière.
Alice veut démontrer que, loin des stéréotypes, les personnes handicapées peuvent aussi être des créateurs et des artistes. Danser Ensemble est ainsi une invitation à réfléchir sur l’inclusion et la place de chacun·e dans la création artistique, en célébrant les différences et la richesse de chaque corps.
À travers ce projet, Alice souhaite avant tout partager son amour de la danse, sa vision du travail collectif et de l’apprentissage, et l’importance de la transmission. C’est un acte de réconciliation entre les corps et une véritable exploration des différentes manières de danser, où l’important est d’être ensemble, de créer ensemble et de s’exprimer librement.
Installation vidéo en lien avec le spectacle
Le spectacle se prolonge avec une installation vidéo, composée de onze capsules vidéos où chaque chorégraphe interprète la courte danse d’Alice Davazoglou à sa manière, et des dessins originaux de la chorégraphe. Un dispositif sur la genèse du spectacle à découvrir dans la Halle du Carreau du Temple en entrée libre !
Un projet chorégraphique d'Alice Davazoglou qui célèbre la diversité et l'inclusion dans la danse !
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Pour sortir au jour
Un solo intime, baroque et interactif
Élu l’un des vingt-cinq meilleurs danseurs du monde en 2011, Olivier Dubois a dansé avec les plus grands et porté ses œuvres sur les scènes les plus prestigieuses. Douze ans après avoir signé sa première chorégraphie, Olivier Dubois livre un solo intime qui explore les recoins de la mémoire du corps et sa capacité à nous raconter une histoire de l’art.
Pour ce nouveau spectacle, il se présente seul sur le plateau. Sans artifice ni plan de repli, le chorégraphe et danseur se prête avec humour à un jeu qui pourrait tour à tour prendre la forme d’un tribunal ou d’un peep-show, voire d’une dissection. Soumis à un processus aléatoire mené par le public et dont il a lui-même fixé les règles, Olivier Dubois rend visite à quelques-uns des soixante spectacles auxquels il a pris part depuis le début de sa carrière.
Inspiré par le Livre des Morts de l’Égypte ancienne, il embarque dans une traversée de fragments de danse pour mieux fouiller l’artiste, chercher dans le corps de l’interprète ce qui fait chef-d'œuvre et lire dans ses entrailles une possible destinée.
Olivier Dubois se livre dans un solo interactif et introspectif, où il explore la mémoire du corps et de son art avec humour et exigence !
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Chemical Joy
Chemical Joy est une performance de danse contemporaine qui explore la thématique de la jeunesse à travers une chorégraphie signée par Lenio Kaklea.
Un regard incisif sur la société de consommation et la quête du plaisir
Cinq danseurs de BODHI PROJECT (compagnie de danse contemporaine basée à Salzbourg) questionnent les influences extérieures qui façonnent l'identité des jeunes d’aujourd’hui, dans un monde saturé de produits, d’images et de messages censés être conçus pour les « jeunes ». Comment la société de consommation façonne notre quête de plaisir, souvent immédiat, à travers la musique pop, les réseaux sociaux, la mode, et d’autres stimuli.
Une expérience sensorielle et réflexive
Chemical Joy interroge la frontière entre plaisir et dépendance, en exposant les mécanismes chimiques qui régissent nos émotions. À travers des mouvements puissants et un univers sonore immersif, Chemical Joy invite le spectateur à une réflexion sur les pressions sociales et culturelles qui influencent les jeunes.
Avec les danseurs, Lenio Kaklea crée une partition chorégraphique qui interroge ce que signifie être, ressentir, paraître, ou simplement s'identifier (ou non) à la jeunesse d’aujourd’hui.
Une performance de danse contemporaine qui explore l'identité de la jeunesse moderne à travers une chorégraphie intense !
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Figuring Age
Une performance-installation immersive et intergénérationnelle
La chorégraphe et danseuse hongroise Boglárka Börcsök et le réalisateur Andreas Bolm développent un solo original entre installation plastique et performance. Figuring Age, une expérience immersive et transgénérationnelle qui explore les origines de la danse moderne hongroise tout en se penchant sur le grand âge.
Un spectacle en deux temps, entre passé et présent
Le spectacle se déroule en deux parties. La première partie débute dans un espace circulaire entièrement blanc, où le public est plongé dans une « séance fantôme fictive » venant à la rencontre de trois danseuses âgées de 90 à 101 ans : Éva, Irén et Ágnes. Toutes les trois sont des pionnières de la danse moderne en Hongrie dans les années 1930. Toutes les trois sont incarnées par le corps et la voix de la danseuse Boglárka Börcsök qui leur permet de revenir sur scène. Ces trois danseuses, la chorégraphe les a rencontrées sur un projet de film documentaire, The art of movement, réalisé avec Andreas Blom à partir de 2015. En leur redonnant vie sur scène, Boglárka Börcsök retrace le parcours de ces femmes qui ont transformé leur pratique de la danse pour survivre aux bouleversements socio-politiques du XXe siècle (Seconde Guerre mondiale, condition de la femme…).
La seconde partie du spectacle est une installation vidéo où les spectateurs·rices découvrent les entretiens originels filmés des trois danseuses, enrichissant l’œuvre d’une profondeur historique, intime et personnelle, faisant écho à la première partie performative de la pièce.
Une réflexion profonde sur la mémoire corporelle et le temps
Figuring Age explore comment la résilience, le silence et le traumatisme se transforment en mouvements inscrits dans le corps. Le corps vieillissant et sa mémoire corporelle interrogent la manière dont le corps porte en lui plusieurs couches de temps, de mémoire et d’expérience. La lenteur et la fragilité des corps vieillissants demandent une attention particulière et offrent au public un espace de réflexion sur sa propre relation à l’âge, à la vieillesse et à la mort. Figuring Age est une déclaration d’amour pudique et sensible permettant de comprendre les apports de chaque génération sur l’évolution des pratiques artistiques.
=> Pour en savoir plus sur le spectacle, lire l'entretien de Boglárka Börcsök sur Cult.news
Figuring Age explore la danse, la mémoire et le vieillissement à travers une performance immersive, rendant hommage aux pionnières de la danse moderne hongroise !
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Un cœur réduit à un point
Marie-Jo Faggianelli habite les espaces scéniques comme elle habite le monde : avec une poésie singulière et une présence qui traverse le temps. Depuis des années, elle sillonne ces espaces avec insistance, inscrivant son corps et son art dans une durée qui dépasse le présent. Sa danse, profondément ancrée dans un rapport au temps englobant passé, présent et futur, se déploie dans une forme d'intemporalité.
Dans cette démarche, Marie-Jo Faggianelli a ressenti le besoin de revisiter une pièce fondatrice de son parcours : Un Cœur réduit à un point. Créé en 1997 aux Chorégraphiques de Tours, ce solo emblématique incarne les liens profonds qu’elle tisse entre passé et présent. Cette œuvre fait résonner les échos d’une mémoire vivante, où le crin végétal, à la fois source d’inspiration et élément scénographique, joue un rôle central. Ce matériau, mobile et poétique, devient un support de rêverie et nous invite à une introspection, tout en nous libérant de notre condition de pesanteur.
Un Cœur réduit à un point est aussi la mémoire vivante de Ciel intermédiaire, une autre œuvre fondatrice de Marie-Jo Faggianelli. À travers ce solo, elle questionne la notion de temps dansé, un temps épaissi et enrichi par les années, porté par une quête poétique sans fin. Le corps, allégé et conscient des métamorphoses successives, révèle des espaces d’éternité traversés par la danse.
Cette reprise d’Un Cœur réduit à un point pose la question de la relation entre l’inaltérabilité de la danse et l’instabilité du corps, marqué par le passage des années. Comment maintenir la pureté de la danse, à presque trente ans d’intervalle, tout en faisant face aux transformations physiques inévitables ? Ce projet explore cette tension avec délicatesse, dans un dialogue entre la mémoire du corps et sa perpétuelle réinvention.
Marie-Jo Faggianelli revisite son solo fondateur qui tisse les liens entre passé, présent et futur, questionnant l’intemporalité de la danse et la mémoire du corps à travers le temps.
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WASCO!
Un groupe d’enfants, quelques boîtes de crayons de cire, une grande quantité de peinture et du jazz - c’est WASCO!. Dix jeunes performeurs de 6 à 12 ans construisent un monde de toutes pièces, loin de celui où vivent les adultes. Ils dansent un univers pour qu’il existe avec des crayons de couleur et des pinceaux, selon leurs propres termes. Le résultat est une peinture.
Après tout, qu’est-ce que danser si ce n’est dessiner dans l’espace ? La chorégraphe Lisbeth Gruwez et le musicien Maarten Van Cauwenberghe explorent les points communs entre la musique, le dessin et la danse dans WASCO!. Avec les enfants, ils élaborent une bande-son qui laisse de la place pour des actions inattendues et des extravagances spontanées.
Si la liberté avait une forme, à quoi ressemblerait-elle ? WASCO! est une invitation à colorier au-delà des lignes. Une performance explosive d’action painting. Débridé, chaotique et sauvage. Et parfois doux.
« J’ai l’impression que c’est aussi une œuvre d’art dans mon corps. » – Gus, jeune performeur
Dans WASCO! de Lisbeth Gruwez et Maarten Van Cauwenberghe, dix enfants fusionnent danse, peinture et jazz pour créer une œuvre vivante et colorée ! Une performance explosive qui célèbre la liberté et l’imagination.
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Atelier avec Taoufiq Izeddiou et Hassan Oumzili
Lundi 17 mars 2025 de 19h à 21h30 / Halle / Adultes tous niveaux
Un atelier dirigé par le chorégraphe Taoufiq Izeddiou et le danseur Hassan Oumzili, qui explore la transe à travers le mouvement dans une approche contemporaine, au cœur de la trilogie Le Monde en Transe.
Une participation à l'atelier vous ouvre le choix d'une place au double plateau Idée / Hors du monde à la date de votre choix parmi les 2 représentations.
Un atelier de Taoufiq Izeddiou et Hassan Oumzili consacré à l'approche contemporaine de la transe par le mouvement !
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Atelier avec Sylvain Prunenec
Jeudi 7 novembre 2024 de 18h30 à 21h30 / Salle de spectacle / Adultes tous niveaux
Les ateliers proposés par Sylvain Prunenec sont axés principalement sur l’improvisation.
C’est à travers cette pratique de l’improvisation que les différents paramètres qui entrent en jeu dans la danse et le mouvement du corps sont explorés : la qualité du mouvement, le temps, l’espace. Et pour tenter de tisser un lien (ténu) avec l’univers baroque des Poufs, seront lues quelques phrases inspirantes du roman L’amour la mer de Pascal Quignard.
Une participation à l'atelier comprend une place pour le spectacle Poufs aux sentiments à la représentation du mercredi 16 octobre 2024 à 19h30.
Un atelier de danse contemporaine improvisée, proposé par Sylvain Prunenec, qui ouvre libre cours à l'improvisation !
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