Les styles les plus actuels, nés dans la rue et sur les réseaux sociaux, dans l’énergie condensée, jouissive et explosive par une compagnie sans cesse primée au Brésil. Un feu d’artifice de gestes et de rythmes qui interroge l’avenir de la danse.
La rencontre entre le Brésil et les styles urbains ne déçoit jamais. Côté Rio de Janeiro, Renato Cruz les drape d’un sens du rythme qui ne jure que par sa mécanique fluide et ultrasophistiquée. Et sensuelle, bien entendu. Avec Dança Frágil, la Companhia Híbrida défie les limites du genre et investit les territoires virtuels des gestuelles les plus en vues, celles qui se propagent notamment sur les réseaux sociaux.
D’abord, cinq inébranlables virtuoses défilent comme des modèles, mis en lumière ou cachés au rythme d’une partition lumineuse, orchestrée avec autant de musicalité que la danse elle-même. Au premier tableau, chacun s’expose dans un style personnel, entre hip hop, voguing, waacking ou autres street dances. Dans leurs espaces parallèles qui se côtoient mais restent séparés, le geste semble s’affranchir des limites du corps humain, avant que les cinq ne se réunissent pour justement examiner ce corps-machine dans sa réalité charnelle.
Fort du constat que l’outil du danseur est toujours réel, et qu’il continue à résister à l’uniformisation qui tente le monde virtuel, Renato Cruz interroge le statut de la danse à l’ère des petits écrans. Toujours plus rapide, plus éphémère et intense, va-t-elle finir par changer le corps qui danse ?
Primée au Brésil, une performance aux styles urbains explosifs et virtuoses qui interroge l'avenir de la danse à l'ère des réseaux sociaux !
En deux solos fascinants, Silent Legacy déconstruit les normes sociales et chorégraphiques. Portraits d’une (très) jeune krumpeuse qui fait sensation par sa liberté d’expression et d’une danseuse contemporaine de grande élégance, un vrai modèle du genre…
C’est par un dialogue inédit entre krump et danse contemporaine que Maud Le Pladec poursuit son enquête sur la sociologie du genre et l’héritage chorégraphique. Tout part de sa rencontre avec Adeline Kerry Cruz, petite prodige du krump âgée de dix ans. Elle vit à Montréal, loin des ghettos qui ont vu naître cette danse entre rage et aspiration spirituelle. Son mentor est le très grand Jr Maddripp ! Car le krump, héritage universel et accessible à tous, se définit par sa véracité intime. S’il est né comme expression d’une rage liée à l’injustice raciale et sociale, chacun peut y exprimer sa propre fureur, concrète ou métaphysique. Et Adeline Kerry Cruz le prouve avec brio.
Ensuite, comme dans un jeu de vases communicants, le second solo, créé par et avec Audrey Merilus, ici interprété par Siaska Chareyre, met en lumière sa personnalité et son parcours d'interprète issue d'une formation et d'une technique contemporaine sans cesse renouvelée. Ayant débuté en conservatoire, cette femme cisgenre a travaillé, entre autres, avec Anne Teresa De Keersmaeker et Florentina Holzinger.
Silent Legacy, c’est l’universalité de la danse, où la beauté naît du partage de l’héritage.
À noter : Ce spectacle utilise des lumières stroboscopiques pouvant indisposer les personnes photosensibles.
Avec « Silent Legacy », Maud Le Pladec interroge les filiations d'aujourd'hui en compagnie de deux interprètes impressionnantes de liberté et d'imagination !
Le temps d'une nuit, plus de 130 propositions artistiques seront présentées dans tout Paris, gratuitement. Portés par des artistes invités par la direction artistique (73 projets emblématiques), des artistes et des institutions associés, les projets donneront à voir la création contemporaine sous toutes ses formes (arts visuels, installation, vidéo, danse, musique etc.), là où on ne l'attend pas forcément - sur l'espace public (sur les places, dans les parcs et jardins), dans des équipements sportifs, dans des établissements culturels, dans des mairies d'arrondissements etc.
Plus de 730 projets artistiques verront aussi le jour dans plusieurs communes de la Métropole du Grand Paris. Pour la première fois cette année, plusieurs territoires ultramarins feront aussi Nuit Blanche - de Paris à la Réunion, en passant par la Guadeloupe, cette Nuit Blanche sera la plus longue de son histoire !
Saint-George en mouvement(s) : Chevalier virtuose
Création chorégraphique de Johana Malédon et performance musicale de Romuald Grimbert-Barré
Halle - 19h30, 20h30, 21h40 et 22h45 (quatre représentations de 35 minutes)
Restitution contemporaine de l’œuvre de la figure historique de l’homme d’armes et maître de musique, fleurettiste et violoniste d’origine guadeloupéenne Joseph Bologne de Saint-George, Saint-George en Mouvement(s) : Chevaliervirtuose entremêle musique baroque, danse contemporaine et escrime actuelle dans un opus musical et chorégraphique en trois volets orchestré par le violoniste Romuald Grimbert-Barré et la chorégraphe Johana Malédon.
Oscillant entre la dualité d’une gestuelle codifiée et de mouvements improvisés induits par des partitions parfois lacunaires, cette création originale invite à une réflexion transhistorique sur le destin singulier d’un homme extraordinaire, esclave de naissance devenu homme de couleur libre et éduqué dont Paris tomba sous le charme au Siècle des Lumières et des Abolitions. Passé à la célébrité sous le nom de Chevalier de Saint-George, c’est son portrait, autant que celui de la ville qui contribua à le façonner, qui est présenté ici en filigrane.
Projet accessible aux personnes à mobilité réduite et en situation de handicap visuel et auditif.
Being Born A Girl
Installation vidéo de Candice Martel - K10
Mezzanine, 1er étage - 19h, 20h, 21h, 22h et 23h (boucle de plusieurs vidéos de 5 min)
Artiste polyvalente installée à Paris, Candice Martel crée des œuvres qui se situent à la frontière des arts visuels, de la danse et du cinéma documentaire. Son projet au long court Being Born A Girl est lauréat ARTE du concours « Et pourtant elles tournent ».
Being Born A Girl, ce sont des portraits vidéos de femmes, qui questionnent en 5 minutes une condition féminine à l’instant T dans leur pays, tout en faisant dialoguer leur parole avec celle d’un chorégraphe et d’un expert. En braquant les projecteurs sur un territoire, un type d’oppression et une émotion, on sculpte un langage sensible qui prend sa force dans le discours. Cette approche permet de capturer la diversité des perspectives et de créer un espace où ces différentes dimensions se rencontrent en offrant au spectateur une expérience émotionnelle forte.
Dans le cadre de la Nuit Blanche 2024
Le Carreau du Temple et Paris 2024 collaborent dans le cadre de l’Olympiade Culturelle de Paris 2024.
Pour l'édition ultramarine de la Nuit Blanche 2024, Le Carreau du Temple accueille une création chorégraphique et musicale sur le Chevalier de Saint-George, et une installation vidéo sur la condition féminine !
Après IMAGO-GO (2018) et GUÉRILLÈRES (2021), la chorégraphe et danseuse espagnole Marta Izquierdo Muñoz poursuit son exploration chorégraphique des communautés féminines et de leurs pratiques avec sa nouvelle création, ROLL.
Avec cette pièce, la chorégraphe fait s’élancer sur roulettes femmes et hommes dans un tournoiement ininterrompu, le temps de revenir sur la signification sociale d’une discipline popularisée dans les années 70 : le roller derby. Haut en couleurs et presque exclusivement féminin depuis les années 2000, le mouvement s’imprègne rapidement des nouvelles mouvances féministes et LGBTQIA+. D’un affrontement sportif, les interprètes passent par des danses urbaines, parfois hypnotiques et s’inspirant du format battle. Les rollers y sont employés afin de prolonger un langage hybride aux motifs circulaires et aux mouvements répétitifs, offrant aux danseurs·euses l’expérience d’états modifiés de conscience…
Une envolée de véritables guerrier·ère·s en rollers, qui déroule une lutte à la fois physique et sociale !
Marine Colard conçoit cette pièce comme l’occasion de pousser ses recherches sur la musicalité des voix des commentateur·ice·s sportif·ve·s. En partant du constat que les commentateur·ice·s sportif·ve·s ont la capacité de faire vivre des émotions fortes à un public, Marine Colard explore cette technicité vocale absolue s’apparentant parfois à une transe de la parole pour embarquer chacun·e dans un véritable voyage sonore au cœur de l’attention et de la tension.
Comment donner l’impression d’avoir couru un 4x400 mètres sans même se lever de sa chaise ? Du parleur inconnu, pionnier du commentaire sportif français en 1923 au “Pas ça” de la Coupe du monde de 2006, cette séance d’écoute présente un petit tour des habitudes radiophoniques de ces maîtres du commentaire sportif. Des quizz, exercices pratiques et même un karaoké sont au programme de cette conférence-spectacle ludique et décalée !
Enfant, Mickaël Phelippeau aurait probablement voulu être majorette. Convoquant différentes réalités allant du défilé quasi militaire dans la rue à la musique jouée par une fanfare, les performances de majorettes intriguent par leur profusion chorégraphique, musicale et d’artifices.
Dans cette pièce, le chorégraphe invite 12 femmes issues de la célèbre troupe des Major’s Girls de Montpellier créée en 1965 pour brosser leur portrait. Présentes sur le plateau pour qui elles sont, avec leur virtuosité, les femmes expriment le plaisir de pratiquer collectivement une passion. Elles témoignent de leurs histoires, allant de comment elles sont « tombées dedans » à leur futur commun.
Mickaël Phelippeau propose ainsi le récit dansé de 60 ans d’amitié, de travail et d’engagement.
Focus sur l'histoire des Major's Girls de Montpellier dans un touchant récit dansé mettant en lumière 60 ans d'amitié, de travail et d'engagement autour d'une passion commune pour le monde des majorettes !
Création 2024 - Premières dates au Carreau du Temple
Dans cette pièce, Héla Fattoumi et Éric Lamoureux immergent le public dans l’ambiance d’un stade pour y décortiquer la dramaturgie d’un match de football. Sur une bande-son élaborée à partir d’enregistrements effectués lors de matchs au stade Bonal du FC Sochaux-Montbéliard, six danseurs·euses expérimentent la multiplicité de gestes clés et d’émotions, allant de la peur à l’espoir en passant par la déception et la joie.
D’un corps performatif et conquérant à un corps poétique et sensible, projeté vers de nouveaux horizons, les interprètes rejouent une partie où tragédie et merveilleux se renvoient sans cesse la balle. Une mi-temps chorégraphique agile et loufoque, qui convoque l’imaginaire universel du ballon rond et de ses intensités émotionnelles.
Dans cette pièce, Héla Fattoumi et Éric Lamoureux immergent le public dans l’ambiance d’un stade pour y décortiquer la dramaturgie d’un match de football.
Le collectif est ici évoqué par des sons, des voix, des chansons ayant laissé une trace en nous tou·te·s. Éléments d’une mémoire collective, Yuval Pick les met en relation par un travail sur l’unisson, mettant au jour une fable commune, dans une étonnante symbiose d’éléments hétérogènes.
Cinq interprètes partent à l’aventure sur les terres du théâtre, de la performance et du grotesque pour former une pièce qui concilie contraires et singularités. Un montage chorégraphique inédit, fait de faux raccords, de collures et de juxtapositions aussi improbables qu’inventives. Une question nous reste alors en tête : comment « faire » pour que tout cela tienne ensemble, que tout parvienne à se rejoindre dans l’écart ?
Beat by Bits est la version plein air du spectacle 16BIT qui, sorti de la boîte noire, interagit cette fois avec l’architecture environnante et le public. Sur une bande-son techno fédératrice, les danseurs·euses s’élèvent vers le ciel et se rassemblent progressivement, symbolique de l’escalade du mur de Berlin ouvrant la voie à la réunification est-ouest.
Paula Rosolen invite le public à observer, se laisser porter par des mouvements chorégraphiques captivants, capables d’abaisser le temps de la performance les barrières de chacun·e dans un espace bienveillant et safe propre à l’univers techno. D’une Allemagne coupée en deux à une Détroit post-industrielle en déperdition, la techno a permis d’évacuer les tensions liées à la guerre froide au point de devenir un véritable « ciment social » selon le DJ est-allemand Paul Van Dyk.
Sur fond de musique techno, une chorégraphie fédératrice en proie avec le public pour célébrer un genre musical ayant permis d'évacuer les tensions de la guerre froide !
Dans un solo aux mouvements circulaires hypnotiques, Alexander Vantournhout dissèque avec énergie et précision le pouvoir masculin et l’image culturelle qui l’entoure. Qu’il s’agisse d’anciens dieux, de héros de l’Antiquité, de soldats ou de sportifs, l’exaltation de la force masculine est régulièrement associée à une célébration de la guerre, de l’agression et de la violence. Thor, le dieu du tonnerre à qui le titre fait référence, en est l’une des incarnations les plus célèbres.
Dans VanThorhout, le chorégraphe-interprète joue Thor, débarquant avec son propre Mjölnir afin d’explorer la relation entre l’objet et l’interprète qui ne tarde pas à devenir ambiguë. Sur une scène circulaire, se déploie cette séquence d’une puissance indéniable, qui n’aboutit cependant jamais à la violence physique avec un Thor se muant en héros non violent. Quand perd-il la force de manipuler ce lourd marteau, devenu incontrôlable ? Et si toutes ces représentations du pouvoir volaient en éclat ?
Dans un solo aux mouvements circulaires hypnotiques, Alexander Vantournhout dissèque avec énergie et précision le pouvoir masculin et l’image culturelle qui l’entoure.
