Les Bancs du Carreau 2026

Quinze jours pour lever le voile sur les créations issues du travail des associations complices du Carreau ainsi que des établissements scolaires partenaires ! Plus d'une centaine d'amateur·es ont la chance de présenter leurs spectacles dans des conditions professionnelles.

Parce que la sensibilité à l’art ne tombe pas du ciel, parce qu’elle n’est pas non plus nécessairement ancrée dans les familles, parce que Le Carreau du Temple est convaincu que la forger est indispensable à l’éveil de la citoyenneté, il lui paraît relever de sa mission de service public de développer, à l’appui de compétences qu’il héberge, des projets dès le plus jeune âge.

C’est pourquoi, tout au long de l’année, les associations en connivence avec Le Carreau du Temple, animant diverses pratiques artistiques font jouer, chanter, danser petit·es et grand·es dans le cadre de la création d’un spectacle, pour le présenter, à la fin de la saison, en salle de spectacle et en public. Ce rendez-vous ouvert à tou·tes augure de nombreuses surprises et réjouissances !

© Maxim Monti

Mardi 9 juin 2026 à 18h30 (durée : 1h)
Gratuit sur inscription

Projet in situ, Déborder-acte 1 questionne l’image de soi au cœur du fonctionnement d’un groupe et au prisme du réel d’adolescent·es hospitalisé·es rencontré·es au cours d’une série d’ateliers sur la saison 2026. De janvier à juin 2026, au sein du service de Psychiatrie de l’Enfance et de l’Adolescence de l'Hôpital de la Pitié Salpêtrière et sous l'invitation du Dr Joana Matos, les chorégraphes Gaëtan Brun-Picard et Fernando Cabral, accompagnés d’une équipe de soignant·es de l'hôpital, ont développé une pratique entre l'atelier artistique et la performance collective avec un groupe de jeunes volontaires.

Dans ces temps de partage, la danse, comme toutes les autres formes d’actions artistiques déployées au plateau, est pensée comme une expérience relationnelle, un acte d’émancipation, de joie, de plaisir, mais aussi comme une façon de se tenir ensemble ici dans cet instant. 

Cette performance est conçue sous la forme d’un atelier augmenté et évolue au gré d’un cadre d’actions définies, cojouée et réinterprétée en directe par les adolescent·es, les soignant·es et les chorégraphes. 

Direction artistique : Fernando Cabral & Gaëtan Brun-Picard · Distribution : Apolline Si., Apolline Se., Inès, Tahliana, Dayane, Maël, Jay, Paul, Héloïse, Maëlys · Partenaires : Hôpital de la Pitié Salpêtrière, Collectif W.O.R.K.?, Ville de Paris, Césure Lieu des savoirs inattendus, Ville De Montreuil · Soutiens : Le Carreau du Temple Paris, Hôpital de la Pitié Salpêtrière · Production : Cie Corpo Material et Itinérances - Sarah Berthou

Mercredi 10 juin 2026 à 19h (durée : 2h)
Place de 6€ à 10€

2 heures de show Whacking, des surprises et du partage ! Une scène ouverte où une quinzaine de groupes présenteront leurs créations. Amélie Poulain de l'association 5-6-7-8 et Whack da Funk s'associent pour cet événement dédiée aux danseur·euses amateur·rices.

Vendredi 12 juin 2026 à 19h30 (durée : 1h)
Gratuit sur inscription

Pour cette cinquième année du projet théâtre de l’Unité Éducative de Milieu Ouvert de Goubet, nous proposons une forme nouvelle afin de bousculer le projet et de le réinventer. Cette année, nous avons constitué un groupe de jeunes venant de différents services de la Protection Judiciaire de la Jeunesse de Paris et qui, le temps des ateliers, forme un collectif de théâtre vif, engagé et créatif. Nous avons fait le pari, grâce aux talents d’Océan Michel et de Flore Vialet, les deux metteur·euses en scène qui nous accompagnent depuis deux ans, d’inventer une histoire à partir d’improvisations et d’écriture au plateau.

L’affrontement est une histoire de violence, d’amour et de loyauté. Des questions universelles qui ont traversé l’art sous toutes ces formes depuis toujours. Ces thèmes prennent forme dans ce spectacle à partir des réalités et des imaginaires des adolescent·es. C’est au tour d’une jeunesse, trop souvent invisibilisée et stigmatisée, de prendre la scène et de raconter son vécu par l’acte même de la sublimation.

La question de la fiction est au cœur de cette édition 2026 ; cette année, encore plus que les précédentes, il s’agit de jouer, de chercher des personnages, de tenir des situations dramatiques et de porter une histoire tou·tes ensemble jusqu’au bout. Ce projet est collectif, social et artistique. C’est grâce à l’accompagnement des différent·es éducateur·trices des services de Paris, aux regard et à la technicité artistique des metteur·euses en scène et à l’audace des jeunes que ce spectacle peut exister cette année.

Elsa Barneix, éducatrice et Marion Sergent, psychologue

Samedi 13 juin 2026 à 15h30 et 18h (durée : 1h30)
Place de 6€ à 12€

Deux concerts sont prévus dans l’après-midi, entre conte musical et atelier de groupe, accompagné au piano, au violon, à la guitare ou encore à la batterie... venez écouter les élèves de l'école Artistic sur la scène du Carreau du Temple !

Avec les professeurs d'Artistic : Anne-Catherine Saliou et Joanna Teissèdre

Mercredi 17 juin 2026 à 20h (durée : 1h)
Place de 6€ à 15€

Nos silences ne nous protègeront pas est une création chorégraphique qui explore la révolte des corps – des corps qui résistent, des gestes qui hurlent. À travers une suite de tableaux physiques, nous invitons les spectateur·rices à traverser nos failles, nos élans, nos résistances. Les corps deviennent des espaces de confrontation, mais aussi de rencontre : des muscles tendus, des regards qui se cherchent, des souffles suspendus. Et des mots qui s’incarnent, qui se dansent, qui se combattent - mais aussi qui s’effleurent, qui s’étreignent, qui se murmurent.

Conception et mise en scène : Sonia Alcaraz et Juanita Boada Salazar · Interprètes : Élodie Arraou, Inès Blancardi, Almudena Bricogne, Laurine Chabal, Sylvie De Lannoy, Béatrice Fixois, Clara Gastelois, Lucie Pedexes, Toni Viot

Jeudi 18 juin 2026 de 18h à 21h (durée : 3h)
Tarif unique à 18€

La Siamuay Cup revient pour sa troisième édition au Carreau du Temple le jeudi 18 juin 2026 de 18h à 21h. Au programme : 10 combats de muaythai dont une finale des championnats de France pro !

Vendredi 19 juin 2026 à 19h30 (durée : 1h)
Place de 5€ à 10€

Chorégraphe et danseuse autodidacte, Fabienne Haustant et la danse entretiennent un rapport sensoriel et profondément vital ! En compagnie des danseuses et danseurs de l'association « Danse Les Yeux Fermés », elle souhaite entreprendre un ambitieux défi : mettre l’improvisation à l’honneur. Lumière sur la puissance des corps lorsqu'ils sont libres !

Samedi 20 juin 2026 à 19h15 (durée : 1h)
Place de 8€ à 16€

Une grande soirée dédiée aux claquettes comme on les aime, pleine de surprises, de good vibes et de bonne musique, imaginée par Alain Parage, danseur, comédien et chorégraphe !

Le meilleur de Broadway et des claquettes américaines ressuscité le temps d'un spectacle ! À travers des chorégraphies sur des mélodies rythmées et entraînantes, du niveau débutant au niveau avancé, les élèves de Taptime restitueront, l’espace d’une soirée, le travail effectué sur l’année. 50 minutes de spectacle sur fond de jazz, où l’histoire des claquettes vous sera racontée et illustrée à travers des numéros tous plus étonnants les uns que les autres.

Nées au XIXe siècle aux États-Unis, les claquettes mêlent influences africaines, irlandaises et américaines, créant un langage universel fait de percussions corporelles. Aujourd’hui très largement répandues et médiatisées à travers l’univers des comédies musicales, les claquettes forment une discipline complète associant danse, musique et comédie. Une énergie unique à venir découvrir le temps d’une soirée au Carreau du Temple !

Les Bancs du Carreau est un événement festif et artistique pour petits et grands avec des spectacles, des concerts et bien d'autres surprises !

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Rave Lucid

L’expérience de la danse électro, dans la lucidité d’une fête partagée ! Pour se laisser hypnotiser par les rythmes d’une musique au succès planétaire et par l’inépuisable énergie des reines et rois du clubbing à la française.

Reconnue mondialement pour sa danse hip-hop, Laura Defretin a fondé Mazelfreten avec Brandon Masele, champion du monde en danse électro, style urbain français si enjoué et prolifique. Cet univers, avec son partage des énergies et son sens de la communauté, est devenu leur passion commune : rythmes électro, house et techno, jeux de bras aux mouvements paradoxaux, virtuosité atypique…

Tout cela fait de Rave Lucid un manifeste joyeux, récompensé par plus de cent représentations à travers le monde qui ont largement contribué à faire connaître et apprécier cette culture au-delà des clubs. À l’origine une danse pour solistes, bien que pratiquée dans une effervescence collective, l’électro trouve ici une forme scénique soigneusement orchestrée, portée par une dizaine d’Eboï et Equeenz (danseurs et danseuses électro) qui font évoluer les codes du clubbing et des battles. Une forte présence de la musique en sus, Rave Lucid séduit par son écriture en mode Mazelfreten : spontanée, engagée et viscérale, promettant au public des effets d’hypnose et de transe.

Jeudi 2 avril 2026 de 19h à 21h30 / Salle de spectacle / Ados et adultes, tous niveaux

Billet atelier + spectacle : 22€ à 32€
(22€ avec la Carte Carreau)
Réservez en cliquant ici !

Avec « Rave Lucid », Mazelfreten orchestre une fête électro hypnotique, où la puissance du collectif et la virtuosité des corps font vibrer la scène !

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Festival Jogging 2026

Depuis 2021, le Festival Jogging explore de manière unique à Paris les croisements du sport et
de l’art, avec un regard décalé et stimulant.


À l’appui d’une programmation artistique pluridisciplinaire, la Halle et la salle de spectacle accueillent des spectacles qui interrogent et détournent les codes sportifs, des cours de sport et des ateliers participatifs accessibles à tou·tes ainsi qu’une grande roller dance intergénérationnelle.

Cette année, l’exposition d’art contemporain est dédiée à la jeune génération d’artistes. Les œuvres présentées (sculpture, céramique, photographie…) ont été sélectionnées suite à un appel à projets lancé à l’échelle nationale auprès des écoles d’art. Présentées pour la première fois au public, ces œuvres montrent que le sport demeure un formidable terrain d’inspiration pour les jeunes artistes.

Ainsi, cette sixième édition du festival entrelace joyeusement la créativité, le dépassement de soi et l’inclusivité à destination de tou·tes !

Voir l'agenda spectacles

Pour sa sixième édition, le Festival Jogging poursuit son exploration unique et innovante des croisements du sport et de l’art : spectacles et performances, ateliers et cours de sport, installations d’art contemporain…

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Mellowing

L’écriture singulière, fluide et vibrante de Christos Papadopoulos méduse et aiguise le regard. Un raffinement à fleur de peau, mis en valeur par un ensemble d’interprètes en pleine maturité.

Pendant son enfance, Christos Papadopoulos était fasciné par les mouvements fusionnels des bancs de poissons et nuées d’oiseaux. Chorégraphe, il s’intéresse aujourd’hui aux vibrations invisibles qui traversent les groupements humains quand ils sont exposés à des champs énergétiques ou influences atmosphériques. Comment réagiront les interprètes ? Quels écosystèmes vont se constituer ?

Sur une musique électro aux vibrations euphorisantes, onze corps se déhanchent avec subtilité, les bras pendulant dans un état de relaxation collective, pour libérer progressivement les énergies individuelles. L’Athénien qui chorégraphie aujourd’hui à grande échelle – pour le ballet de l’Opéra de Lyon ou le Nederlands Dans Theater (NDT) – se lance dans une aventure avec le Dance On Ensemble qui met en valeur la maturité et l’acuité d’interprètes de plus de 40 ans. Après avoir dansé avec la Batsheva, le Ballet Cullberg, William Forsythe, Marcos Morau et tant d’autres, ils et elles s’engagent dans MELLOWING (devenir moelleux), servant à merveille un univers tout en nuances.

Cette performance s'inscrit dans le cadre du 10ᵉ anniversaire de Dance On Ensemble.

Christos Papadopoulos explore la vibration invisible des corps mûrs, portée par des danseurs d’expérience dans une chorégraphie subtile et hypnotique.

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Festival Everybody 2026

Quelle est la place du corps dans nos sociétés contemporaines ?

Pendant cinq jours, du mercredi 18 au dimanche 22 février, le Festival Everybody met en lumière des artistes qui placent la représentation du corps au centre de leurs démarches. Leurs œuvres interrogent les stéréotypes liés au genre, à la couleur de peau, au handicap… et explorent les multiples manières d’habiter son identité et ses différences.

Pour cette cinquième édition, les récits de résistance sont au cœur des propositions artistiques programmées. Résistance des communautés queer (Soa de Muse, Living Smile Vidya) qui affirment leurs existences - y compris en temps de guerre, comme en témoigne le documentaire de la réalisatrice ukrainienne Olga Gibelinda. Résistance des corps empêchés qui se heurtent aux logiques validistes mais réinventent l’espace et la visibilité (Chiara Bersani). Résistance des corps afro-descendants (Alice Ripoll, Annabel Guérédrat, Rokhaya Diallo, Sisley Loubet, Brigitte Sombié) dont les gestes, les voix et les présences déjouent les héritages coloniaux ancrés dans nos sociétés. Résistance aussi dans la force du collectif, là où la danse devient une manière d’exister ensemble (Maud Le Pladec, Marco da Silva Ferreira).

Du plus virtuose au plus déroutant, le corps physique — ou plutôt la façon dont nous le percevons — reflète les mécanismes sociaux et politiques qui façonnent nos regards. Everybody devient ainsi un bain bouillonnant d’esthétiques, de perspectives et de langages venus d’horizons multiples, où se tissent des formes singulières, hybrides et souvent surprenantes.

Avec les artistes : Soa de Muse, Mami Watta & Shei Tan / Maud Le Pladec / Chiara Bersani / Annabel Guérédrat / Living Smile Vidya / Alice Ripoll / Rokhaya Diallo & Brigitte Sombié / M'barka Amor / Olga Gibelinda / Arthur Perole / Sisley Loubet…

Voir le calendrier du festival

Initié par Le Carreau du Temple, le Festival Everybody revient pour une cinquième édition sur la place du corps dans nos sociétés contemporaines : spectacles et performances, ateliers et cours de danse, installations d'art contemporain...

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Haute Couture

La princesse du Waacking met en scène un défilé de mode dansant et percutant qui détourne les stéréotypes du genre. Un dialogue enchanteur entre corps, musique, mouvement et stylisme, en mode upcycling et sur des rythmes électro/house. 

Après le succès international de D.I.S.C.O. – Don't Initiate Social Contact with Others, Josépha « Princess » Madoki – également remarquée pour sa collaboration avec Thomas Jolly pour un tableau de l'ouverture des Jeux Olympiques de Paris 2024 et la chorégraphie de Roméo & Juliette à l'Opéra Bastille. Elle lance une rencontre entre danse et mode, formes d'expression artistique qui s'influencent mutuellement depuis des siècles.

Grande passionnée du rapport esthétique et social au vêtement, la cofondatrice du premier collectif français de Waacking présente en première mondiale Haute Couture, « une collection en mouvement » pour huit danseur·euses d'univers variés (voguing, danse contemporaine, waacking...), en dialogue avec une composition originale de la DJ Naajet. Sous les coutures les plus inventives, les costumes sont ici l'œuvre du créateur de mode Mario Faundez, figure clé de l'upcycling qui réinvente son métier pour redonner un sens sociétal au vêtement. En écho, Gabrielle « Coco » Chanel et autres stylistes de la nouvelle génération témoignent de leur relation au vêtement, alors que la danse se déploie avant tout en mode Waacking. Et finalement, Haute Couture culmine par un clin d'œil à la tradition des grands défilés, quand Josépha Madoki et Mario Faundez posent un regard sur la mode nuptiale, défiant tous les codes.

Dimanche 14 décembre 2025 de 15h à 17h / Studio de Flore / Tout public à partir de 14 ans, tous niveaux

Billet atelier + spectacle : 22€ à 32€
(22€ avec la Carte Carreau)
Billet atelier uniquement : 15€
Réservez en cliquant ici !

Josépha Madoki mêle waacking et mode upcyclée pour défier les stéréotypes de genre dans un défilé dansé électrisant !

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Prenons notre Temple

Comme disaient les Poetic Lovers, « Prenons notre Temple »*

En ce début de saison scorpionne, sur ces quelques jours où le monde hanté célèbre toutes les saintes et toutes les mortes, l’artiste Rébecca Chaillon fête ses 40 ans et propose donc tout naturellement de repousser les limites en (s’)orchestrant 40 heures de performances dans tous les recoins du Carreau du Temple avec sa compagnie, ses ami·es artistes et performeur·euses.

La compagnie Dans Le Ventre invite donc à une expérience où on sacre le temps qui est passé, qui passe encore et celui qu’il nous reste à vivre. « Nous avons envie de prendre soin, de parler, de rêver, de regarder des œuvres ensemble, d’œuvrer ensemble. C’est une performance pour les artistes et pour le public. Certes on retraversera des performances connues, des complicités artistiques et militantes qui ont pavé les parcours des artistes de la compagnie. Mais on essaiera aussi de se dire « C’est quoi les 40 prochaines années » ? Comment prendre soin de soi et des autres quand la vie nous a fait cramer plus vite que prévu ? Comment procréer, épargner, construire en diaspora, en communauté précarisée, vieillir et mourir plus que dignement ? » Rébecca Chaillon et la Compagnie Dans Le Ventre

Au programme tout au long du week-end : performances, tables rondes & talks (programmés le samedi entre 12h et 16h), dj sets, concerts, installations plastiques et performatives, marathon ciné, salle de sieste & podcasts, cantines solidaires...

INFOS PRATIQUES
- L'entrée et la sortie se fait uniquement par la Halle (4 rue Eugène Spuller 75003 Paris).
- Toute sortie n'est pas définitive. Vous pourrez toujours revenir si la jauge le permet.
- Un vestiaire sera disponible à l'entrée de la Halle (tarif 2€ par article).

Photo portrait Rébecca Chaillon © Adeline Rapon, 2025

*Pour celles et ceux qui n’ont pas la référence, Prenons notre temps est un tube musical, sorti en 1997, du groupe de RnB les Poetic Lovers.

Pour souffler ses 40 bougies, l’artiste Rébecca Chaillon repousse les limites et (s’)orchestre 40 heures de performances dans tous les recoins du Carreau du Temple !

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L’envahissement de l’être (danser avec Duras)

Danser avec Duras, pour elle, grâce à elle ! Thomas Lebrun évoque la grande romancière, en gestes poétiques et en facéties bien inspirées. Un délicieux (auto-)portrait sur fond de conversations avec Bernard Pivot, dansé avec une délicatesse infinie.

« Comment voulez-vous que je me décrive ? Les portraits de moi, c’est les autres qui peuvent les faire ! » Marguerite Duras répond à Jean-Marc Turine (sur France Culture). Et son phrasé, c’est déjà de la musique. Depuis longtemps, Thomas Lebrun ne cesse d’écouter un recueil d’interviews radiophoniques de Marguerite Duras, enregistrées par l’INA sur plusieurs décennies : « Elle y partage des moments de vie, son regard sur la société, son rapport à la musique, sa vision de la création… ».

Thomas Lebrun capte les vibrations subtiles de l’écrivaine, se laisse envahir par cette personnalité hors du commun et lui répond par sa propre présence, son regard et ses gestes, en allant au bout du dépouillement. Et le portrait qu’on voit est peut-être celui du chorégraphe lui-même qui dévoile toute sa sensibilité dans l’art d’évoquer l’autre à travers sa propre danse. Aussi Thomas Lebrun invite les plus intimes des émotions à monter doucement à la surface, sur des chansons et musiques sublimes (Jeanne Moreau, The Who, Schubert…) et sous la magie d’éclairages en clair-de-lune. Quand il se glisse dans quelque personnage durassien, il sait en plus nous amuser, grâce à une autodérision à toute épreuve !

Ce spectacle a reçu le Grand Prix du Meilleur spectacle chorégraphique de la saison 2023 du Syndicat Professionnel de la Critique Théâtre, Musique et Danse.

Mercredi 28 janvier 2026 / Accès libre
À l'issue de la représentation, le chorégraphe Thomas Lebrun viendra échanger avec le public en salle de spectacle. Un échange modéré par Dorothée de Cabissole (Tous danseurs)

Vendredi 30 janvier 2026 de 19h à 21h / Salle de spectacle / Adultes, tous niveaux

Billet atelier + spectacle : 22€ à 32€
(22€ avec la Carte Carreau)
Réservez en cliquant ici !

Thomas Lebrun danse avec la voix de Marguerite Duras, livrant un hommage délicat et facétieux où la poésie du geste rencontre l’esprit de l’écrivaine.

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Focu Meu

Après une trilogie de solos très remarqués (dont Bless the Sound that Saved a Witch like me présenté dans le cadre du Festival Everybody 2024), Benjamin Kahn convoque ici l’énergie d’un groupe pour traduire les forces du jaillissement émotionnel.

Fil conducteur de la danse, la figure du cortège, qu’il soit funéraire, festif ou militant, circule entre saturation sonore et silence opaque. Focu Meu convoque notamment les iconiques « pleureuses » et la transe thérapeutique de la tarentelle pour y débusquer les ressorts d’un renouveau collectif.

Comment transformer la douleur en mobilité, la sidération en moteur politique ? Dans un espace minimaliste où la lumière et le son brut des voix agissent comme des protagonistes à part entière, le corps choral des cinq interprètes, traversé de ruptures de rythme et de tensions entre l’intime et le politique, exprime ce qui nous pousse irrésistiblement à nous rassembler.

Focu Meu transmet l’espoir d’un chœur en résistance.

Nouvelle création de Benjamin Kahn, « Focu Meu » transmet l’espoir d’un chœur en résistance !

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Feijoada

Anticipez votre venue : En raison du mouvement social du jeudi 18 septembre, si vous vous déplacez en transports en commun, nous vous invitons à consulter le site de la Ville de Paris pour connaître les transports en circulation voir ici

Objet de controverses passionnées, la feijoada est un symbole hautement politique de la gastronomie brésilienne. Dans cette œuvre choréo-gastronomique, Calixto Neto revient sur l’origine de cette recette, élaborée à partir des restes de viande des maîtres et issue de la cuisine des personnes réduites en esclavage. Des questions émergent : quelles sont les chairs les moins onéreuses ? Quels sont les corps frappés par l’inégalité ? Sans imposer de réponse, Calixto Neto et ses complices proposent un cadre : être ensemble, danser ensemble, manger ensemble, manger cette histoire, célébrer cet instant.

Feijoada est une expérience scénique immersive, née du désir d’explorer les strates de violence, de joie et de mémoire qui traversent l’histoire brésilienne et ses symboles. Sur scène, la préparation d’une véritable feijoada – plat emblématique du Brésil – devient le fil conducteur d’une soirée où le temps de cuisson épouse celui de la représentation.

Le public est convié à assister, en temps réel, à la confection de ce mets collectif, rythmée par une roda de samba : un cercle musical vivant où les chansons issues de la mémoire brésilienne dialoguent avec les gestes de la cuisine, les interventions dansées et les prises de parole des artistes. Trois axes – la cuisine, la musique et la performance – s’entrelacent pour tisser une réflexion sensible et engagée sur l’histoire, l’identité et l’actualité du Brésil. À travers cette célébration partagée, le spectacle Feijoada cherche à démystifier ce symbole culinaire national, à en révéler les multiples visages et à ouvrir un espace de dialogue sur le Brésil noir contemporain.

Réunissant sur scène danseur·euses, musicien·nes, slameur·euses et conteur·euses, le spectacle fait de la scène un lieu de partage, d’écoute et de réflexion, où l’art se mêle à la convivialité du repas. C’est une invitation à repenser ensemble les récits, les traditions et les identités, à travers la chaleur d’un plat et la puissance de la création collective.

Pour en savoir plus sur le spectacle, lire l'interview de Calixto Neto avec Wilson Le Personnic.

Manifestation organisée dans le cadre de la Saison Brésil-France 2025

Feijoada : un plat, une histoire, une scène où mijotent mémoire, lutte et célébration collective du Brésil noir !

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