Je badine avec l’amour
Enfant, Sylvain Riéjou est fasciné par les films dits « populaires » qui mettent en scène des histoires d'amour. Mais celui qui le marque durablement est le film mondialement connu Dirty Dancing, qui l'amène à faire un lien indissociable entre danse et rencontre amoureuse. Et devient ainsi le point de départ de son spectacle Je badine avec l'amour.
Le chorégraphe y propose sa vision des choses, en tant qu’homme homosexuel qui a construit sa perception de l’amour et de la sensualité dans les années 80-90, à travers des films qui exposent des relations hétéronormées. Avec la finesse et l'humour qui le caractérisent, l'artiste explore les liens incontournables entre danse et rencontre sensuelle. Au fil de la pièce, les danses se déploient, dans une mise en scène ludique qui suggère les rapports humains qui se tissent lors de ces rencontres.
Pour la première fois, Sylvain Riéjou convoque au plateau d’autres danseurs·euses. Au-delà d’une exploration des danses de séduction, cette pièce raconte la première transmission de ses matériaux chorégraphiques et évoque un parallèle entre la rencontre amoureuse et la rencontre entre un·e chorégraphe et un·e interprète.
« Sylvain Riéjou déconstruit les stéréotypes de genre. Un show percutant tout en hilarante légèreté ! » Lire la critique dans son intégralité
Spectacle conseillé à partir de 14 ans
Marqué durablement par Dirty Dancing et les stéréotypes hétéronormés, Sylvain Riéjou fait un lien indissociable entre danse et rencontre amoureuse avec « Je badine avec l'amour ».
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Bless The Sound That Saved A Witch Like Me
Septembre 2019, des mères du New Jersey se rassemblent dans un parc et crient à pleins poumons pour apaiser leur sentiment de délaissement en temps de pandémie. Cette forme de clameur des protestations sociales constitue le point de départ pour la création de la pièce Bless The Sound That Saved A Witch Like Me.
Le plus souvent assimilé à la colère, le cri est censuré dans le langage. Benjamin Kahn pense ce solo comme une tentative de réappropriation de cette expression radicale, brute et sidérante. Il propose un voyage physique et sonore puissant qui permet au public de rencontrer la beauté, l'harmonie de ce cri comme un élan vital à nouveau accessible.
Sur scène, Sati Veyrunes, envoûtante et "extra-ordinaire" passe par différents états, chacun correspondant à un cri : joie, désespoir, plaisir, colère… La performeuse glisse d’un état à l’autre, brouillant et dissipant les frontières entre les genres, tantôt mère, jeune garçon, femme ou créature. Ces cris traduisent l'évolution de l'état d'un être dans un contexte de crise géopolitique, idéologique et écologique, une tentative de se réapproprier les moyens d’expression liés à l’urgence.
Pour en savoir plus sur le spectacle, lire l'interview de Benjamin Kahn sur Maculture.fr
Spectacle conseillé à partir de 12 ans
Cri de plaisir, cri de rage, cri de désespoir, Sati Veyrunes livre une performance animale et envoûtante !
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Soirée Maraboutage
Créé en 2017 à Marseille, le collectif de la famille Maraboutage enflamme les dancefloors et fait transpirer les corps partout où il passe. Pluridisciplinaires, les membres du crew assurent des DJ sets de folie aux influences afro et latino, danses transcendantes du twerk au krump en passant par le voguing et des costumes spectaculaires. Au-delà de la fête, la célébration et la défense d’un « safe space » bienveillant sont au cœur des valeurs du collectif qui combat l’intolérance avec la danse. Au gré des euphories s'emparant du public et du collectif, sont convoqués divers arts de la scène, afin de repousser toujours plus loin les horizons festifs.
« Faire vivre un Maraboutage Total », c'est la volonté du collectif venu d'une Marseille bouillante. Lors d'une expérience transversale, sorte de thérapie à double sens entre donneurs et receveurs, le cabaret Marabouté mettra le feu à la grande Halle du Carreau du Temple.
Benjamin Clément et Geoffrey Langlet aux platines et Maëlle Chabrillat Maryam Kaba, Barak Nadhamou et Marie Khane Tomei pour mettre le dancefloor on fire !
Un cabaret 3.0 mixant danse, scénographie, performance, live act, costumes, Dj’set, et surtout un déhanché qui ne laisse personne de côté !
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FEAST
Pièce créée avec des personnes porteuses de handicap, FEAST voit son thème central - celui du handicap - s'effacer aux yeux de l'équipe artistique et du public. Apparaissent finalement sur scène les personnes les plus autonomes et les plus libres célébrant leur propre naissance, existence et vie.
Kamilé Gudmonaité a créé la pièce en Lituanie, pays où selon les statistiques officielles les personnes handicapées représentent 9 % de la population, et où la majorité des personnes valides déclarent fermement qu'il n'y a pas du tout de personnes porteuses de handicap en Lituanie.
Selon la jeune metteuse en scène, le handicap est souvent dissimulé dans la sphère sociale. Par une proximité ente le public et la scène du théâtre, le handicap est analysé et évoqué par les premiers concernés afin d'en améliorer sa compréhension. Les artistes tentent de mettre à nu le concept de normalité et de remettre en question la possibilité d'une diversité dans l'existence, les sensations et les expériences humaines.
Spectacle en lituanien surtitré en français / Spectacle présenté pour la première fois en France
La programmation du spectacle FEAST sur le Festival Everybody 2024 est subventionnée par le Lithuanian Council for Culture.
Basée sur une proximité entre le public et la scène, « FEAST » de Kamilė Gudmonaitė aborde le sujet du handicap en questionnant la possibilité d'une diversité dans l'existence humaine !
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THE WORLD WAS ON FIRE
Une épopée chorégraphique qui met en scène cinq personnages féminins partant à la conquête de leur propre existence. Sur fond de sorcellerie, dans le huis clos d’une chambre aux murs de velours, l’histoire se déploie tel un long clip aux nuances sombres et anachroniques. Noyées au cœur de cette mer de tissu noir, cinq héroïnes vêtues de longues robes de style Renaissance font littéralement partie du décor. En unissant leurs forces, elles parviennent à se libérer de cette prison de costumes et reprennent possession de leurs corps.
Au son d’une bande originale éclectique et envoûtante, mixée par une Sorcière aux platines, elles cheminent alors vers une danse émancipatrice et collective. Une danse rien qu’à elles. THE WORLD WAS ON FIRE offre au public une expérience esthétique et poétique puissante où le constant décalage entre la musique, les actions, la scénographie, les costumes et les histoires symbolise la continuité du combat pour la libération des femmes.
Dans THE WORLD WAS ON FIRE, Nina Vallon joue des anachronismes afin de rappeler que la libération du corps féminin est un combat au long cours qui concerne plusieurs générations de femmes. Un projet conçu en collaboration avec une équipe artistique 100% féminine !
Pour en savoir plus sur le spectacle Lire l'interview de Nina Vallon sur Maculture.fr
Spectacle conseillé à partir de 15 ans
Pass Soirée
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Dioscures / Marta Izquierdo Muñoz
THE WORLD WAS ON FIRE / Nina Vallon
WHIP / Georges Labbat
Une épopée chorégraphique et musicale 100% féminine, où cinq personnages féminins partent en quête de leur propre existence !
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WHIP
Les détenteur·trice·s de billets pour la représentation du vendredi et du Pass Soirée du vendredi pourront accéder gratuitement à la Soirée Maraboutage, de 22h30 à 1h !
Dans la continuité de la création Self/Unnamed, duo entre un danseur et son double de plastique, Georges Labbat propose WHIP, une performance se focalisant une nouvelle fois sur les jeux de force dans notre rapport à l'altérité au moyen d'une partition chorégraphique en perpétuelle rotation.
L'objet central de la performance est le fouet, dont s'emparent les trois performeurs pour son mouvement et sa musicalité. Son utilisation, circulaire et propice à une certaine virtuosité, ouvre la voie à une véritable structure chorégraphique et rythmique. Oscillant entre la légèreté d'un sifflement et la violence d'une détonation, les sons produits par cet instrument invitent à questionner notre rapport à la limite, qu'elle soit sonore, émotionnelle ou physique. Par sa taille et ses effets, le fouet présente des risques dans sa manipulation, et c'est ce potentiel danger, cette transgression possible, qui fait sortir WHIP de la boîte noire et offre au public une autre expérience du spectacle.
Longtemps employé comme objet de domination et de violence, le fouet possède un certain pouvoir discursif et symbolique que Georges Labbat repense et renverse à travers WHIP.
Pass Soirée
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Dioscures / Marta Izquierdo Muñoz
THE WORLD WAS ON FIRE / Nina Vallon
WHIP / Georges Labbat
Le fouet, objet discursif et symbolique que Georges Labbat repense et renverse à travers « WHIP » !
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Long Play Senior
« Panser » par la danse tout en la pensant est un des fils rouges que la compagnie A Short Term Effect développe depuis plusieurs années, sous l’impulsion du chorégraphe Alexandre Roccoli. L'équipe artistique mène des ateliers auprès de différents publics : détenus, pensionnaires de maisons de retraite, migrants… Le lien, l’échange physique et mémoriel intergénérationnel crée une démarche particulière centrée sur la connaissance et l’écoute. Le savoir du corps et du geste se transmet. Il a de la valeur que l’on soit danseur ou artisan, que l’on ait vingt ou quatre-vingt ans.
Cette idée du partage est au cœur du projet souhaité par Alexandre Roccoli pour le Festival Everybody, en partenariat avec la maison des seniors de Clichy-sous-Bois et les Ateliers Médicis. Cet atelier, « cabinet hypnotique », constitué autour d'une série de pratiques douces et de transmissions de gestes, transforme l'attention à soi, à l'autre, à l'espace. Les participant·e·s, femmes senior, amateur·e·s et public, guidé·e·s par les intervenants professionnels (danseurs, acteurs, chanteurs issus de Kourtrajmé), amorcent une transe qui vient panser et recréer des jeux humains intergénérationnels.
Documentaire - La mémoire en dansant
En écho au dispositif, découvrez le documentaire La mémoire en dansant réalisé par Catherine Vilpoux, sur le travail mené par Alexandre Roccoli. Le film y relate la relation entre les danseurs, les comédiens, la réalisatrice et quelques résidents de l’Ehpad public d’Hérold, au cours d’ateliers basés sur la mémoire des gestes, initiés par Alexandre Roccoli. Production : Les Films de l'œil sauvage, A Short Term Effect, avec la participation du Centre national du cinéma et de l'image animée
Jeudi 29 février 2024 à 19h30 - Gratuit et sans réservation - Espace Jean Dame, 17 Rue Léopold Bellan, 75002 Paris
En partenariat avec la Mairie de Paris Centre
Un atelier intergénérationnel d'Alexandre Roccoli pour mettre en rapport des savoirs entre jeux, rites du geste, écoute et soin.
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Dioscures
Comment deux corps, deux personnalités si différentes cohabitent-elles sur un plateau ?
Marta Izquierdo Muñoz fait se rencontrer Mina Serrano de Madrid et Ébène, vivant à Toulouse. Les deux personnages partagent une taille imposante, un jeune âge, une physicalité singulière : des traits distinctifs les reliant à la figure héroïque et tragique des Dioscures, les inséparables jumeaux Castor et Pollux. Ils sont comme les deux frères Titans qui auraient été séparés par une montagne, non pas l’Olympe, mais bien les Pyrénées.
Ces géants là, loin d’une virilité monolithique, sont androgynes et permettent une dissonance entre la figure et l’interprète. Le projet les expose en miroir, dans des jeux complexes de reflets diffractés, parcourant divers registres et langages chorégraphiques. Sur scène, un miroir prend symboliquement place et permet aux deux figures de se répondre, de s'approcher d'une performance de danse contemporaine. La pièce peut aussi être lue comme un autoportrait décalé de la chorégraphe.
En savoir plus sur le spectacle Lire l'entretien sur Maculture.fr
Spectacle conseillé à partir de 10 ans
Pass Soirée
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Dioscures / Marta Izquierdo Muñoz
THE WORLD WAS ON FIRE / Nina Vallon
WHIP / Georges Labbat
En partant des jumeaux Castor et Pollux, la chorégraphe Marta Izquierdo Muñoz fait se rencontrer Mina Serrano et Ébène, deux interprètes dont les vies réelles raisonnent avec les mythes évoqués dans « Dioscures ».
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Festival Jogging 2024
Émulation, sensations fortes, créativité, dépassement de soi, solidarité : les maîtres mots de l’olympisme fondent le socle du festival. À l’aube des Jeux Olympiques et Paralympiques de Paris 2024, Jogging redouble de masse musculaire pour une édition XXL jubilatoire !
À l’image des Olympiades Antiques, l’Olympiade Culturelle de Paris 2024 aura duré 4 ans, et le Festival Jogging en aura été un fer de lance, puis un repère fidèle et ascensionnel. Aussi Le Carreau du Temple met-il un point d’honneur à célébrer ce quadriennat olympique en véritable feu d’artifice. À l’appui d’une programmation artistique pluridisciplinaire, la grande Halle du Carreau du Temple accueille des spectacles qui interrogent et détournent les codes sportifs, des cours de sport inclusifs et parasportifs, des installations d’art contemporain, des ateliers participatifs, une expo photos… Une quatrième édition qui entrelace joyeusement la créativité, le dépassement de soi et l’inclusivité à destination de tou·te·s !
Artistes confirmé·e·s : Marine Colard, Marta Izquierdo Muñoz, Héla Fattoumi & Éric Lamoureux, Pierre Larauza, Alma Machnes-Kass, Alexandre Perigot, Michael Phelippeau, Yuval Pick, Paula Rosolen/Haptic Hide, Alexander Vantournhout
Horaires d'ouverture de la Halle pendant le festival :
- Mercredi 26 juin : à partir de 18h
- Jeudi 27 juin : 12h - 19h
- Vendredi 28 juin : 12h - 19h et 23h - 1h pendant le DJ set
- Samedi 29 juin : 12h - 18h
- Dimanche 30 juin : 15h30 - 18h30
La Halle n'est pas accessible pendant les spectacles du soir.
Programme complet en bas de page
Le Carreau du Temple et Paris 2024 collaborent dans le cadre de l’Olympiade Culturelle de Paris 2024.
Un événement soutenu par la Ville de Paris dans le cadre de la programmation culturelle « Paris fête les Jeux ».
À l’aube des JOP de Paris 2024, le Festival Jogging poursuit son exploration unique et innovante des croisements du sport et de l’art, avec une quatrième édition du mercredi 26 au dimanche 30 juin 2024 !
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Behind the line
Deux univers artistiques se rencontrent ici : les danses urbaines de la chorégraphe, danseuse, metteure en scène et auteure Anne Nguyen - figure incontournable de la danse hip-hop depuis près de 20 ans (championne du monde de breakdance à ses débuts, à la tête d'une compagnie depuis 2005 avec laquelle elle crée près d'une vingtaine de spectacles présentés sur les plus grandes scènes françaises et internationales), et la musique électro pop de Malik Djoudi - musicien et chanteur à la voix si singulière, à la tête de 4 albums au succès renouvelé qui le placent "au centre de la French pop" (Les Inrocks).
Anne Nguyen travaille ici avec deux duos issus de sa compagnie, le premier de krump, le second de danse urbaine et quatre B-Girls et B-Boys, enfants et adolescents âgés de 9 à 15 ans, venant d’un petit village du Bénin : les « Enfants des Collines » avec qui la chorégraphe tisse un partenariat depuis plusieurs années. Ainsi se mêleront danses urbaines afro-américaines, dites hip-hop, et les danses africaines urbaines, dites afro.
La composition musicale de Malik Djoudi embrassera un vaste éventail de sonorités, mélangeant habilement des influences traditionnelles du peuple Idaatcha du Bénin, dont sont issus les « Enfants des Collines », avec des influences électro-contemporaines qui empruntent au Gqom ou à l'Amapiano, emblèmes de la fusion entre tradition et ultra-modernité issus des ghettos sud-africains, tout en restant fidèle aux influences autour de la pop et de la langue française du chanteur.
En compagnie du dramaturge Joris Avodo, Malik et Anne partent de témoignages recueillis auprès de personnes exilées à Paris (artistes, femmes isolées rencontrées à la Halte femme au Carreau du Temple…). En creux, les lignes à gravir, en sport comme dans la vie, deviennent le sujet de Behind the line. Car mieux vaut y arriver ensemble, par la solidarité et dans un véritable esprit olympique, plutôt que par la course effrénée et absurde au quotidien qui divise en vainqueurs et vaincus.
Le Carreau du Temple et Paris 2024 collaborent dans le cadre de l’Olympiade Culturelle de Paris 2024.
Un événement soutenu par la Ville de Paris dans le cadre de la programmation culturelle « Paris fête les Jeux ».
Une création transdisciplinaire écrit à 6 mains, où se croisent danse, musique et témoignages, pour placer l’égalité citoyenne au cœur de l’art !
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