Reconstitution : Le Procès de Bobigny
Avec Reconstitution : Le Procès de Bobigny, Émilie Rousset et Maya Boquet s’emparent d’un événement historique : le procès, tenu le 8 novembre 1972, de Marie-Claire Chevalier et de sa mère pour l’avortement de la jeune fille suite à un viol. Moment crucial dans l’avancée des droits des femmes, ce procès mené par la célèbre avocate Gisèle Halimi cristallise les réflexions et combats féministes de l’époque avec notamment les contributions de Simone de Beauvoir, de médecins prix Nobel, de Delphine Seyrig ou Michel Rocard. À partir de la retranscription du procès, prolongée par des témoignages contemporains, Émilie Rousset et Maya Boquet mettent en question à la fois le statut de l’archive et la résonance actuelle des thèmes abordés.
Le dispositif original de Reconstitution déconstruit l’aspect théâtral du procès. Chaque spectateur est amené à choisir et mener son propre chemin d’appropriation et de compréhension, en naviguant entre 15 interprètes comme autant de témoignages en adresse directe. Dans leurs interstices, une place est ménagée à la réflexion et à l’échange. En offrant aux spectacteurs·rices la possibilité d’une mise en perspective, la pièce interroge la notion même de reconstitution et du décalage entre un événement, les documents produits et leur représentation.
Pour aller plus loin sur le processus de création de la pièce, lire un entretien d'Emilie Rousset ici
Atelier consacré à la technique du « jeu à l’oreillette » au travers des archives du spectacle
Mardi 29 octobre 2024 de 18h30 à 21h30 / Salle de spectacle / Adultes tous niveaux
Prêtez l’oreille, on vous donne la réplique ! Avec la metteuse en scène Émilie Rousset et la comédienne Antonia Buresi, expérimentez la technique du « jeu à l’oreillette » dans un atelier de théâtre inédit ! Cette technique emblématique de son travail consiste à restituer en direct dans son jeu d’acteur une bande audio entendue à l’oreille. Vous travaillerez avec les archives ayant servi dans la création de son spectacle Reconstitution : Le Procès de Bobigny !
Billet atelier + spectacle : 20€ à 30€
Billet atelier uniquement : 10€ (pour les personnes déjà détentrices d'un billet du spectacle)
Billet atelier uniquement : 15€ (sans billet spectacle)
Réservez en cliquant ici !
Rencontre sur le droit à l'avortement avec l'universitaire Lisa Carayon et la juriste Ana Cuesta, animée par la journaliste Audrey Lebel.
Mercredi 30 octobre 2024 à 18h / Salle de spectacle / Tout public
Une rencontre dédiée au droit à l'avortement, offrant l'opportunité d'explorer un combat crucial à une époque marquée par des tensions entre reconnaissance constitutionnelle, remise en question et confiscation de cette liberté fondamentale.
Entrée libre
Plus d'infos en cliquant ici !
Une expérience fondamentale qui place le droit à l’avortement, véritable enjeu démocratique, au centre d’un acte scénique républicain !
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Poufs aux sentiments
Deux chorégraphes-plasticiens imaginent un ballet burlesque, baroque, végétal et capillaire qui s’amuse des codes de la séduction. Où l’art baroque décoiffe en douceur, par parodies de ballet et autres folies bien tempérées, sur les sentes de la Carte du Tendre.
Chez Yvan Clédat et Coco Petitpierre, les arts plastiques, le corps et le mouvement peuvent se fondre en un seul élan créateur. Dans Poufs aux sentiments, deux énormes perruques-sculptures en blanc de céruse, suivis par deux buis, s’observent et se séduisent dans un jardin à la française qui cultive d’espiègles petits mystères. Sous influence du XVIIe siècle et de la romanesque Carte du Tendre, le quatuor, réjouissant, s’amuse de l’image utopique du sentiment amoureux. Raphaëlle Delaunay et Sylvain Prunenec, aux compositions capillaires monumentales et outrageusement poudrées, se charment l’un l’autre par leurs mimiques et gestuelles et suivent la voix douce et chantante d’un invisible maître de ballet qui les guide dans leurs parodies des pas de danse académiques. Échappant à notre regard, sous les formes les plus farfelues, les buis se fondent dans la perspective baroque, se cachant tels des paparazzis.
L’idée de cette parodie ludique est venue à Clédat & Petitpierre à partir de recherches sur un petit frère oublié de la danse baroque, à savoir le ballet burlesque, créé à l’époque en réaction à la préciosité de la danse de cour. Une invitation à s’amuser avec l’histoire française, à tout âge et en toute saison.
Lire l'entretien de Clédat & Petitpierre, sur le processus de création du spectacle, publié sur Maculture.fr
ATELIER AVEC CLÉDAT & PETITPIERRE consacré à la métamorphose corporelle et aux relations entre corps, mouvement et sculptures
Mercredi 6 novembre 2024 de 18h30 à 21h30 / Salle de spectacle / Adultes tous niveaux
Consacré aux relations entre le corps et la sculpture, cet atelier se déroulera en deux temps. Une première partie sera consacré, images et vidéos à l'appui, à expliciter ces liens à travers les multiples métamorphoses corporelles proposées dans nos spectacles et performances. La deuxième partie sera consacrée à l'expérimentation de certains de ces objets et costumes qui, de par leur nature même, impliquent des qualités de mouvements et des modes d’interactions particuliers.
ATELIER AVEC SYLVAIN PRUNENEC autour de la danse contemporaine improvisée
Jeudi 7 novembre 2024 de 18h30 à 21h30 / Salle de spectacle / Adultes tous niveaux
Les ateliers proposés par Sylvain Prunenec sont axés principalement sur l’improvisation. C’est à travers cette pratique de l’improvisation que les différents paramètres qui entrent en jeu dans la danse et le mouvement du corps sont explorés : la qualité du mouvement, le temps, l’espace. Et pour tenter de tisser un lien (ténu) avec l’univers baroque des Poufs, seront lues quelques phrases inspirantes du roman L’amour la mer de Pascal Quignard.
Deux chorégraphes-plasticiens imaginent un ballet burlesque, baroque, végétal et capillaire qui s’amuse des codes de la séduction
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Dança Frágil
Les styles les plus actuels, nés dans la rue et sur les réseaux sociaux, dans l’énergie condensée, jouissive et explosive par une compagnie sans cesse primée au Brésil. Un feu d’artifice de gestes et de rythmes qui interroge l’avenir de la danse.
La rencontre entre le Brésil et les styles urbains ne déçoit jamais. Côté Rio de Janeiro, Renato Cruz les drape d’un sens du rythme qui ne jure que par sa mécanique fluide et ultrasophistiquée. Et sensuelle, bien entendu. Avec Dança Frágil, la Companhia Híbrida défie les limites du genre et investit les territoires virtuels des gestuelles les plus en vues, celles qui se propagent notamment sur les réseaux sociaux.
D’abord, cinq inébranlables virtuoses défilent comme des modèles, mis en lumière ou cachés au rythme d’une partition lumineuse, orchestrée avec autant de musicalité que la danse elle-même. Au premier tableau, chacun s’expose dans un style personnel, entre hip hop, voguing, waacking ou autres street dances. Dans leurs espaces parallèles qui se côtoient mais restent séparés, le geste semble s’affranchir des limites du corps humain, avant que les cinq ne se réunissent pour justement examiner ce corps-machine dans sa réalité charnelle.
Fort du constat que l’outil du danseur est toujours réel, et qu’il continue à résister à l’uniformisation qui tente le monde virtuel, Renato Cruz interroge le statut de la danse à l’ère des petits écrans. Toujours plus rapide, plus éphémère et intense, va-t-elle finir par changer le corps qui danse ?
Primée au Brésil, une performance aux styles urbains explosifs et virtuoses qui interroge l'avenir de la danse à l'ère des réseaux sociaux !
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Silent Legacy (2025)
Dernières dates de la tournée en France !
En deux solos fascinants, Silent Legacy déconstruit les normes sociales et chorégraphiques. Portraits d’une (très) jeune krumpeuse qui fait sensation par sa liberté d’expression et d’une danseuse contemporaine de grande élégance, un vrai modèle du genre…
C’est par un dialogue inédit entre krump et danse contemporaine que Maud Le Pladec poursuit son enquête sur la sociologie du genre et l’héritage chorégraphique. Tout part de sa rencontre avec Adeline Kerry Cruz, petite prodige du krump âgée de dix ans. Elle vit à Montréal, loin des ghettos qui ont vu naître cette danse entre rage et aspiration spirituelle. Son mentor est le très grand Jr Maddripp ! Car le krump, héritage universel et accessible à tous, se définit par sa véracité intime. S’il est né comme expression d’une rage liée à l’injustice raciale et sociale, chacun peut y exprimer sa propre fureur, concrète ou métaphysique. Et Adeline Kerry Cruz le prouve avec brio.
Ensuite, comme dans un jeu de vases communicants, le second solo, créé par et avec Audrey Merilus, ici interprété par Siaska Chareyre, met en lumière sa personnalité et son parcours d'interprète issue d'une formation et d'une technique contemporaine sans cesse renouvelée. Ayant débuté en conservatoire, cette femme cisgenre a travaillé, entre autres, avec Anne Teresa De Keersmaeker et Florentina Holzinger.
Silent Legacy, c’est l’universalité de la danse, où la beauté naît du partage de l’héritage.
À noter : Ce spectacle utilise des lumières stroboscopiques pouvant indisposer les personnes photosensibles.
Avec « Silent Legacy », Maud Le Pladec interroge les filiations d'aujourd'hui en compagnie de deux interprètes impressionnantes de liberté et d'imagination !
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Je badine avec l’amour
Enfant, Sylvain Riéjou est fasciné par les films dits « populaires » qui mettent en scène des histoires d'amour. Mais celui qui le marque durablement est le film mondialement connu Dirty Dancing, qui l'amène à faire un lien indissociable entre danse et rencontre amoureuse. Et devient ainsi le point de départ de son spectacle Je badine avec l'amour.
Le chorégraphe y propose sa vision des choses, en tant qu’homme homosexuel qui a construit sa perception de l’amour et de la sensualité dans les années 80-90, à travers des films qui exposent des relations hétéronormées. Avec la finesse et l'humour qui le caractérisent, l'artiste explore les liens incontournables entre danse et rencontre sensuelle. Au fil de la pièce, les danses se déploient, dans une mise en scène ludique qui suggère les rapports humains qui se tissent lors de ces rencontres.
Pour la première fois, Sylvain Riéjou convoque au plateau d’autres danseurs·euses. Au-delà d’une exploration des danses de séduction, cette pièce raconte la première transmission de ses matériaux chorégraphiques et évoque un parallèle entre la rencontre amoureuse et la rencontre entre un·e chorégraphe et un·e interprète.
« Sylvain Riéjou déconstruit les stéréotypes de genre. Un show percutant tout en hilarante légèreté ! » Lire la critique dans son intégralité
Spectacle conseillé à partir de 14 ans
Marqué durablement par Dirty Dancing et les stéréotypes hétéronormés, Sylvain Riéjou fait un lien indissociable entre danse et rencontre amoureuse avec « Je badine avec l'amour ».
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Bless The Sound That Saved A Witch Like Me
Septembre 2019, des mères du New Jersey se rassemblent dans un parc et crient à pleins poumons pour apaiser leur sentiment de délaissement en temps de pandémie. Cette forme de clameur des protestations sociales constitue le point de départ pour la création de la pièce Bless The Sound That Saved A Witch Like Me.
Le plus souvent assimilé à la colère, le cri est censuré dans le langage. Benjamin Kahn pense ce solo comme une tentative de réappropriation de cette expression radicale, brute et sidérante. Il propose un voyage physique et sonore puissant qui permet au public de rencontrer la beauté, l'harmonie de ce cri comme un élan vital à nouveau accessible.
Sur scène, Sati Veyrunes, envoûtante et "extra-ordinaire" passe par différents états, chacun correspondant à un cri : joie, désespoir, plaisir, colère… La performeuse glisse d’un état à l’autre, brouillant et dissipant les frontières entre les genres, tantôt mère, jeune garçon, femme ou créature. Ces cris traduisent l'évolution de l'état d'un être dans un contexte de crise géopolitique, idéologique et écologique, une tentative de se réapproprier les moyens d’expression liés à l’urgence.
Pour en savoir plus sur le spectacle, lire l'interview de Benjamin Kahn sur Maculture.fr
Spectacle conseillé à partir de 12 ans
Cri de plaisir, cri de rage, cri de désespoir, Sati Veyrunes livre une performance animale et envoûtante !
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FEAST
Pièce créée avec des personnes porteuses de handicap, FEAST voit son thème central - celui du handicap - s'effacer aux yeux de l'équipe artistique et du public. Apparaissent finalement sur scène les personnes les plus autonomes et les plus libres célébrant leur propre naissance, existence et vie.
Kamilé Gudmonaité a créé la pièce en Lituanie, pays où selon les statistiques officielles les personnes handicapées représentent 9 % de la population, et où la majorité des personnes valides déclarent fermement qu'il n'y a pas du tout de personnes porteuses de handicap en Lituanie.
Selon la jeune metteuse en scène, le handicap est souvent dissimulé dans la sphère sociale. Par une proximité ente le public et la scène du théâtre, le handicap est analysé et évoqué par les premiers concernés afin d'en améliorer sa compréhension. Les artistes tentent de mettre à nu le concept de normalité et de remettre en question la possibilité d'une diversité dans l'existence, les sensations et les expériences humaines.
Spectacle en lituanien surtitré en français / Spectacle présenté pour la première fois en France
La programmation du spectacle FEAST sur le Festival Everybody 2024 est subventionnée par le Lithuanian Council for Culture.
Basée sur une proximité entre le public et la scène, « FEAST » de Kamilė Gudmonaitė aborde le sujet du handicap en questionnant la possibilité d'une diversité dans l'existence humaine !
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THE WORLD WAS ON FIRE
Une épopée chorégraphique qui met en scène cinq personnages féminins partant à la conquête de leur propre existence. Sur fond de sorcellerie, dans le huis clos d’une chambre aux murs de velours, l’histoire se déploie tel un long clip aux nuances sombres et anachroniques. Noyées au cœur de cette mer de tissu noir, cinq héroïnes vêtues de longues robes de style Renaissance font littéralement partie du décor. En unissant leurs forces, elles parviennent à se libérer de cette prison de costumes et reprennent possession de leurs corps.
Au son d’une bande originale éclectique et envoûtante, mixée par une Sorcière aux platines, elles cheminent alors vers une danse émancipatrice et collective. Une danse rien qu’à elles. THE WORLD WAS ON FIRE offre au public une expérience esthétique et poétique puissante où le constant décalage entre la musique, les actions, la scénographie, les costumes et les histoires symbolise la continuité du combat pour la libération des femmes.
Dans THE WORLD WAS ON FIRE, Nina Vallon joue des anachronismes afin de rappeler que la libération du corps féminin est un combat au long cours qui concerne plusieurs générations de femmes. Un projet conçu en collaboration avec une équipe artistique 100% féminine !
Pour en savoir plus sur le spectacle Lire l'interview de Nina Vallon sur Maculture.fr
Spectacle conseillé à partir de 15 ans
Pass Soirée
Achetez votre Pass Soirée et profitez de 3 spectacles en 1 soirée !
Dioscures / Marta Izquierdo Muñoz
THE WORLD WAS ON FIRE / Nina Vallon
WHIP / Georges Labbat
Une épopée chorégraphique et musicale 100% féminine, où cinq personnages féminins partent en quête de leur propre existence !
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WHIP
Les détenteur·trice·s de billets pour la représentation du vendredi et du Pass Soirée du vendredi pourront accéder gratuitement à la Soirée Maraboutage, de 22h30 à 1h !
Dans la continuité de la création Self/Unnamed, duo entre un danseur et son double de plastique, Georges Labbat propose WHIP, une performance se focalisant une nouvelle fois sur les jeux de force dans notre rapport à l'altérité au moyen d'une partition chorégraphique en perpétuelle rotation.
L'objet central de la performance est le fouet, dont s'emparent les trois performeurs pour son mouvement et sa musicalité. Son utilisation, circulaire et propice à une certaine virtuosité, ouvre la voie à une véritable structure chorégraphique et rythmique. Oscillant entre la légèreté d'un sifflement et la violence d'une détonation, les sons produits par cet instrument invitent à questionner notre rapport à la limite, qu'elle soit sonore, émotionnelle ou physique. Par sa taille et ses effets, le fouet présente des risques dans sa manipulation, et c'est ce potentiel danger, cette transgression possible, qui fait sortir WHIP de la boîte noire et offre au public une autre expérience du spectacle.
Longtemps employé comme objet de domination et de violence, le fouet possède un certain pouvoir discursif et symbolique que Georges Labbat repense et renverse à travers WHIP.
Pass Soirée
Achetez votre Pass Soirée et profitez de 3 spectacles en 1 soirée !
Dioscures / Marta Izquierdo Muñoz
THE WORLD WAS ON FIRE / Nina Vallon
WHIP / Georges Labbat
Le fouet, objet discursif et symbolique que Georges Labbat repense et renverse à travers « WHIP » !
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Dioscures
Comment deux corps, deux personnalités si différentes cohabitent-elles sur un plateau ?
Marta Izquierdo Muñoz fait se rencontrer Mina Serrano de Madrid et Ébène, vivant à Toulouse. Les deux personnages partagent une taille imposante, un jeune âge, une physicalité singulière : des traits distinctifs les reliant à la figure héroïque et tragique des Dioscures, les inséparables jumeaux Castor et Pollux. Ils sont comme les deux frères Titans qui auraient été séparés par une montagne, non pas l’Olympe, mais bien les Pyrénées.
Ces géants là, loin d’une virilité monolithique, sont androgynes et permettent une dissonance entre la figure et l’interprète. Le projet les expose en miroir, dans des jeux complexes de reflets diffractés, parcourant divers registres et langages chorégraphiques. Sur scène, un miroir prend symboliquement place et permet aux deux figures de se répondre, de s'approcher d'une performance de danse contemporaine. La pièce peut aussi être lue comme un autoportrait décalé de la chorégraphe.
En savoir plus sur le spectacle Lire l'entretien sur Maculture.fr
Spectacle conseillé à partir de 10 ans
Pass Soirée
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Dioscures / Marta Izquierdo Muñoz
THE WORLD WAS ON FIRE / Nina Vallon
WHIP / Georges Labbat
En partant des jumeaux Castor et Pollux, la chorégraphe Marta Izquierdo Muñoz fait se rencontrer Mina Serrano et Ébène, deux interprètes dont les vies réelles raisonnent avec les mythes évoqués dans « Dioscures ».
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