En continu / Sur les vitres extérieures de la Halle
Après sa première création en 1999 sur la digue du large de l’emblématique port autonome de Marseille, ensuite reprise à Massy sur la palissade du nouveau boulevard Eugénie Éboué Tell, Amiral Doubitchou accoste à Paris et habille la façade vitrée du Carreau du Temple.
Dans cette toute nouvelle version de son œuvre Amiral Doubitchou, Alexandre Perigot orne la façade du Carreau du Temple de plus de 127 mots français d’origine étrangère pour former un nuage de mots en suspension. Ces mots sont une invitation à déambuler tout autour de l’édifice, à découvrir la part étrangère qui constitue notre langue, notre identité. Une installation monumentale prenant tout son sens sur un établissement culturel à la programmation prônant la diversité depuis 10 ans maintenant !
Visites gratuites
Le samedi, l’artiste Alexandre Perigot anime des visites gratuites autour de son œuvre et de l’histoire du Carreau du Temple, de 14h30 à 14h50, de 16h à 16h20 et de 17h30 à 17h50.
Avec beaucoup d’envie de partage, de respect et de conviction, un grand nombre de personnes investissent Le Carreau du Temple depuis sa réouverture, il y a 10 ans. Dans cette collection de portraits s'inscrivant dans le projet Inside Out du photographe JR, sont mis·es à l'honneur celles et ceux qui participent à faire du Carreau du Temple un lieu ouvert et citoyen, inclusif, engagé sur le monde, et respectueux des diversités et des identités de chacun·e. Une action collective, sorte de fresque partagée, qui met en valeur une communauté d’habitant·e·s du quartier, d’associations, d’enseignant·e·s, de travailleur·e·s, d'artistes, de sportif·ve·s, de militant·e·s : une foule ouverte, joyeuse, en ébullition constante, qui participe au quotidien à l'éducation, au bien-être et au respect de chacun·e !
Crédit photo : Action Inside Out "La culture fait le mur !”, Group Leader : Alba Joanicot, Fresnes, France, 2021
Deux œuvres d'art exposées sur les vitres de la Halle, l'une monumentale, l'autre collective et photographique pour célébrer les 10 ans du Carreau du Temple. L'occasion de porter un autre regard sur l'édifice parisien et les personnes qui l'animent chaque jour !
Sacré Vaslav ! de Valeria Giuga, compagnie Labkine
Structure autoportée ronde (4 mètres de diamètre), tissu et bois, dispositif immersif vidéo
Le "jardin" est une structure auto-portée circulaire où l'on pénètre en quête d'une expérience immersive, contemplative et sensorielle. Au milieu d’une forêt, Sylvain Prunenec danse quatre textes extraits du Journal d'un Vaslav Nijinski au bord de la folie. L'auteur se confie sur sa douleur de vivre et sa quête humaine et spirituelle au prisme de son art : la danse, auquel il finit par renoncer. Les pas de cette danse, imaginés par Valeria Giuga, s'accordent avec cette prose obsessionnelle, violente, parfois incohérente et qui cherche à faire ressentir plutôt que faire comprendre.
La compagnie Labkine invite le public dans un dispositif immersif pour dévoiler la danse qui se cache derrière le Journal de Vaslav Nijinski. Valeria Giuga, directrice artistique et chorégraphe de la compagnie Labkine, a conçu les danses interprétées par Sylvain Prunenec.
Scène pour récit nu de Nach
Structure octadécagonale (18 façades) en latté frêne, vidéos, sons
En s'approchant des petites lucarnes d'une structure à 18 façades, le public accède à des images d’archives, des mémoires sonores, des témoignages, ou encore des pages de carnet de voyage… « Faire récit », c'est la nécessité de laquelle part Nach pour élaborer une structure s'apparentant à un peep-show, où l'oeil cherche activement à sonder un intérieur qui ne se dévoile qu'en certains endroits. L'artiste propose le récit fragmenté de son portrait en retraçant ses recherches, ses errances, et ses voyages.
La chorégraphe-interprète cherche à éveiller le désir chez les visiteur·euse·s, invité·e·s à se mouvoir au gré de leur propres envies, leur permettant une pluralité d'accès intimes à ses récits. Ici, il faut s'approcher tout près pour voir, et chaque panneau raconte des histoires, des apparitions dansées, comparables à des métamorphoses. Nach continue ainsi sa prise de parole, tout en se mettant à nu.
Le dispositif est accessible à tous les publics.
Projections
Films d'animation sur le thème Singularités du corps avec l'École des Gobelins
En continu
À travers le temps, le corps s'est peu à peu libéré dans l'expression de sa singularité en bousculant les codes de l'altérité en société. Mais comment faire résonner ces idées auprès d'un public (très) jeune ? Entrent en jeu les films d'animation réalisés par les étudiant·e·s de l'École des Gobelins pour le Festival Everybody.
Documentaire Long play senior tiré du spectacle éponyme d'Alexandre Roccoli
En continu
L'équipe artistique du spectacle Long Play Senior a mené des ateliers auprès de publics divers : détenu·e·s, pensionnaires de maisons de retraite, migrant·e·s… Des moments de lien, d'échange physique et de mémoriel intergénérationnel forts, qui ont été capturés au format vidéos d'archives pour dupliquer la visibilité d'un projet intergénérationnel inédit.
Entre structures circulaires à caractère immersif et projections vidéo, l'art contemporain investit la Halle du Carreau du Temple afin d'explorer les liens entre danse contemporaine, corps et arts à l'occasion du Festival Everybody !
Pierre Larauza développe une pratique tridimensionnelle au croisement de l’art et du documentaire. Un travail d’installation et de sculpture profondément ancré dans le réel qu’il qualifie de « sculpture documentaire ».
Avec le soutien de Wallonie-Bruxelles International (WBI) et du CWB Paris, Centre Wallonie-Bruxelles/Paris - Hors-Les-Murs Constellations.
20 février 1998, Nagano
Sculpture, 7 x 1 x 2.25 m, 2021
Dédiée au saut périlleux arrière réalisé en 1998 par la patineuse artistique Surya Bonaly lors des JO de Nagano. Ce mouvement culte rentré dans l’histoire, symbole de la lutte d’une icône discriminée, d’une minorité, d’une différence.
20 octobre 1968, Mexico
Sculpture, 2 x 1.8 x 2.4 m, 2021
Cette sculpture fait écho au saut en hauteur historique de Dick Fosbury, réalisé lors des JO de Mexico 1968. Il fit découvrir au monde un mouvement inédit issu d’une transgression presque chorégraphique.
GAME ART
Djeff
Du game art à l'installation, ses œuvres invitent le spectateur à réfléchir et à prendre conscience de ces nouvelles modalités de la vie automatique. Ses installations jouent avec la fascination de l'homme pour la technologie, évoquant l'impact de leur évolution et de la vie humaine sur notre planète.
Hyper Olympic
Hyper Olympic est une simulation vidéoludique de l'épreuve reine des Jeux Olympiques : le 100 mètres ! Le but est de reproduire la course d’un(e) athlète en balançant alternativement de gauche à droite sur une dalle, comme interface renouvelée du joystick, le plus rapidement possible.
Réinterprétation du célèbre jeu PONG, cette œuvre explore le concept du multi joueur(se) projeté sur un écran pentagonal. Les limites de celui ci deviennent les limites du secteur de jeu. Jusqu'à 5 joueurs(ses) peuvent s'affronter avec une nouvelle fonction de rotation des raquettes a été implémentée : la balle peut être orientée pour viser un adversaire en particulier.
Conception : Djeff Programmation informatique : Michel Davidov (ENSAD)
EXPOSITION PHOTO
Collectif Lova Lova
Le Collectif Lova Lova est un duo de photographes et réalisateurs guyanais, formé par Léa Magnien et Quentin Chantrel, qui vit et travaille entre Cayenne, Marseille et Paris au grès des projets. Leurs photographies mettent en scène des personnages flamboyants et reflètent le regard que ces deux artistes portent sur un monde au sein duquel les cultures s’articulent, se confrontent, s’entremêlent et s’observent : un monde où les identités sont en perpétuelle évolution.
Festival Jogging 2021 - VisuelFestival Jogging 2022 - Visuel
De la sculpture à la photo, dans la lignée de l'Olympisme, l'art contemporain investit Le Carreau du Temple pour explorer de manière unique le dialogue entre les arts et le sport !
A Normal Working Day | Day 3611, 2019 de A Normal Working Day (Delgado Fuchs et Zimoun)
A Normal Working Day, collectif regroupant le duo iconoclaste Delgado Fuchs (Marco Delgado, NadineFuchs) et le plasticien Zimoun, travaille autour de la question « Qu'est-ce qu'une journée normale de travail ? ». Ici, le corps n’est pas seulement vecteur d’identité, il devient le matériau de base, où performance, mouvement et création visuelle se lient. L'installation mi-sérieuse, mi-triviale, joue sur le registre de l’équivoque et questionne, avec sensualité et acuité, la représentation et la mise en scène du corps. Pour les pantins désarticulés de taille humaine présentés au Carreau du Temple les danseurs deviennent images, icônes, acteurs de leur propre métamorphose. Les images sont animées dans un mouvement permanent par un système mécanique. Les pantins, deviennent ainsi autant d’individus singuliers formant une foule qui bruisse.
Dans sa pratique, Madison Bycroft utilise la performance, la sculpture, la vidéo et le paysage sonore pour explorer le genre, la subjectivité, l'identité et le soi. Joystick remet en question les codes sociaux et esthétiques du jeu vidéo. Le projet multimédia, interactif et immersif imite un jeu vidéo, mais un jeu où la désorientation est un principe directeur qui induit en erreur, où un personnage principal désobéissant ne prend même pas la peine de battre les adversaires.
Un projet en résidence d'artistes à Ubisoft, éditeur français de jeux vidéo, dans le cadre du programme PACT(e) mené par Le Carreau du Temple
INSTALLATION VIDEO
Annie et BOXE d'Éric Minh Cuong Castaing
L'installation vidéo met en scène les "corps empêchés". Croisant performance et cinéma, il offre à ceux-ci des moyens de réappropriation. Pour cette installation, Éric Minh Cuong Castaing filme Kamal, victime d’un AVC, et Annie, résidente de La Maison de Gardanne, un centre de soins pour patients en fin de vie. Atteints de maladies chroniques, cette ancienne danseuse et cet ex-boxeur professionnel·le·s réinventent et redécouvrent l’intensité d’être pleinement mobiles, aidés par les danseur·se·s qui interviennent tel·le·s des prothèses humaines, sensibles, et relationnelles, palliant aux insuffisances motrices.
En écho avec la programmation du spectacle Forme(s) de vie du chorégraphe
PEINTURE ET PHOTOGRAPHIE
Eva Nielsen
Née en 1983, l'artiste franco-danoise Eva Nielsen vit et travaille à Paris. Diplômée des Beaux-Arts de Paris, elle participe à la 16e édition de la Biennale de Lyon (2022) ainsi qu'au 23e prix de la Fondation Pernod Ricard. L'hybridation est au cœur de son travail. Ses tableaux explorent la frontière entre peinture et photographie, ses paysages sont comme des images palimpsestes : déposée par strates, en couches successives, par surimpressions. L’image apparaît à la fois une et multiple, incertaine et flottante.
Pour le Festival Everybody, cinq œuvres de l'artiste seront exposées, fruits d'une résidence (initiée dans le cadre du programme PACT(E) - programme de résidences d'artistes en entreprises du Carreau du Temple) au sein de l'entreprise Paprec en Île-de-France. Cette série de cinq toiles nous donne à voir des espaces mêlant nature et architectures qui apparaissent ici comme des traces d’humanité passée, donnant lieu à de multiples lectures et interprétations où tous les questionnements semblent possibles.
Crédits photo : Aphakie, 2021 - 190x140 cm - Acrylique, encres et sérigraphie sur toile
Un projet en résidence d'artistes au sein de l'entreprise Paprec en Île-de-France, dans le cadre du programme PACT(e) mené par Le Carreau du Temple
EXPOSITION PHOTO
Collectif Lova Lova
Le Collectif Lova Lova est un duo de photographes et réalisateurs guyanais, formé par Léa Magnien et Quentin Chantrel, qui vit et travaille entre Cayenne, Marseille et Paris au grès des projets. Leurs photographies mettent en scène des personnages flamboyants et reflètent le regard que ces deux artistes portent sur un monde au sein duquel les cultures s’articulent, se confrontent, s’entremêlent et s’observent : un monde où les identités sont en perpétuelle évolution.
Pour le Festival Everybody, huit photographies grand format seront exposées sur les vitres de la Halle.
De l'art vidéo aux installations mouvantes, en passant par les expositions XXL, l'art contemporain investit Le Carreau du Temple pour questionner la place des corps dans la société contemporaine.
Dans les circonstances qui ont marqué le monde ces derniers mois, VIRUS offre à comprendre le regard d'Antoine d'Agata sur la crise sanitaire provoquée par le Covid-19 et ses résonances sociales et politiques. L’exposition présente une installation de 1 000 photographies sur les 13 000 réalisées par Antoine d’Agata entre le 11 mars et le 11 mai 2020 et préfigure la sortie le 29 octobre 2020 du nouvel Opus de l’artiste édité par le Studio Vortex.
VIRUS
Dès le premier jour du confinement consécutif à l’épidémie de Covid-19, Antoine d’Agata a parcouru les rues de Paris avec un appareil thermique pour enregistrer, à sa manière, l’épisode viral qui a fait de la ville un étrange théâtre d’âmes errantes, de têtes baissées et de corps fuyants. C’est comme « agent de contamination » qu’il s’est engagé dans l’expérience ouverte par l’épidémie et le confinement. D’abord attiré par la façon dont cet appareil thermodynamique enregistre les rayonnements infrarouges (ondes de chaleur) émis par les corps et qui varient en fonction de leur température, l’artiste a vite été fasciné par un processus qui réduit les sujets humains à des figures essentielles, dénuées de caractéristiques ou spécificités superflues.
Installé deux mois durant dans les bureaux de l’agence Magnum à Paris, il a utilisé la technique thermique pour rendre compte de l’imprégnation de la ville désertée dans le confinement : ville plongée dans le silence, traversée par des corps aux attitudes stéréotypées, habitée surtout par les sans-abris qui apparaissent, à l’image, comme les derniers corps véritablement vivants et résistants, les compositions austères et teintées de flammes offrant une vision alternative et dystopique des rues qui se vident.
LA VIE NUE
« En découvrant les photos d’Antoine d’Agata qui nous sont parvenues pendant le confinement, l’idée d’un film pour la 3e Scène s’est vite imposée. Une occasion de témoigner de ce moment où la création ne pouvait plus s’exprimer dans des théâtres fermés, mais par des formes inattendues. Bien loin de l’art lyrique, La vie nue témoigne de ce temps suspendu, de ces hôpitaux débordés et de ces villes désolées. »
La vie nue nous entraîne dans un voyage halluciné, depuis le décor incandescent de la ville confinée, où les rares rescapés errent sans raison, jusque dans l’hôpital, où les gestuelles des soignants et patients porteurs du virus deviennent rituels de vie et de mort. Antoine d’Agata transforme ces espaces opaques en un théâtre d’ombres vidé de tout semblant de réalité et oblitère la surface même des choses, l’épiderme des êtres et du monde, pour en révéler la dimension tragique.
Aux premiers jours de l’épidémie, Antoine d'Agata s’arme d’une caméra thermique et présente une série dystopique de la capitale confinée.
LES KANÉKALONS #1 - Œuvre monumentale de Charlie le Mindu
Halle / En continu / Entrée libre / Tout public
Charlie le Mindu est un créateur français de mouvements capillaires et un artiste tricophile, il a développé sa carrière autour du médium cheveux, utilisant la technique de la coiffure au service d'une créativité sans limite. Artiste plasticien ses œuvres ont été exposées dans des musées tels que le Centre Pompidou, le Palais de Tokyo ou encore la Fondation Cartier. Charlie le Mindu collabore, entre autres, avec Lady Gaga, Rihanna, Lana del Rey, Kanye West, Jean-Paul Gaultier, Rossy de Palma, Peaches...
Pour le Festival Everybody, Charlie le Mindu va créer une œuvre capillaire monumentale dans la Nef de la grande Halle. Les kanékalons, les kanékalons, ohé, ohé... Cascade de cheveux monumentale inspirée par la diversité capillaire. L’œuvre se pare d’un camaïeu hommage aux déclinaisons de couleurs naturelles que l’on rencontre aux quatre coins du monde.
COLORED ONLY - Studio photo et exposition de portraits de Hélène Jayet
Halle / Samedi 19 et dimanche 20 février de 14h à 18h30 en continu / Entrée libre / Tout public
Le travail d’Hélène Jayet, mêlant dessin et photographie, interroge l’histoire coloniale et la place arbitraire attribuée par les sociétés aux individus. Dans Colored Only, travail composé de plus de 160 portraits en studio depuis 2013, Hélène Jayet souhaite provoquer le débat de l’égalité pour tous en ne photographiant que des personnes noires. Cheveux relaxés, frisés, rasés, tissés, nattés, twist, Bantou knots, dreadlock... ces portraits tentent de rendre compte de la diversité capillaire inspirée des savoir-faire ancestraux perdus depuis la colonisation de l’Afrique. Colored Only permet ainsi d’évoquer l’histoire, la mémoire, les questions identitaires mais aussi politiques.
Pour Everybody, le Studio photo Colored Only est accessible en continu le samedi 19 et le dimanche 20 février.
DONNEZ-MOI UNE MINUTE - Installation vidéo de Doria Belanger
Halle / En continu / Entrée libre / Tout public
À la frontière des arts visuels et de la danse, DONNEZ-MOI UNE MINUTE rassemble des portraits vidéo d’une minute de danseurs d’ici et d’ailleurs. En travaillant intimement avec chaque interprète sur la notion de répétition et d’accumulation de gestes aussi naturels que chorégraphiés, Doria Belanger entend questionner les liens entre identité par le corps et mouvement dansé. Avec une centaine de capsules déjà réalisées en France et à l’international (Colombie, Portugal, Myanmar, Suisse, Chine), ce projet fil rouge entend célébrer un dialogue choral des cultures.
MAKE UP IS ART - Exposition photo de MAKE UP FOR EVER Academy
Halle / En continu / Entrée libre / Tout public
Les étudiants de MAKE UP FOR EVER Academy s’inspirent souvent de la nature et plus généralement du monde qui les entoure pour créer. Grâce aux couleurs, aux formes et aux textures, les corps et les visages deviennent ici des œuvres d’art. À travers cette sélection de 8 photographies, les élèves en formation « artistique et scène » nous présentent leurs œuvres à la fois émouvantes et fascinantes. Chaque détail participe à l'élaboration d’une œuvre unique, fruit d'une formation technique et créative. Ces belles créations incarnent ainsi la vision et les valeurs de MAKE UP FOR EVER Academy, à savoir la transmission, l'éducation et le maquillage comme une forme d'art.
Installations participatives
LA MACHINE de Valeria Giuga
Halle / De 14h à 18h30 / Entrée libre / Tout public
Valeria Giuga, chorégraphe et spécialiste de l'écriture du mouvement, crée une borne de jeu interactive "machine à danser" tout public. Chaque participant·e explore une suite de 6 gestes composée à partir de partitions existantes puis simplifiées de chorégraphes célèbres des XXe et XXIe siècles. Une occasion ludique de revisiter le patrimoine chorégraphique d'esthétiques aussi variées que celle de Carolyn Carlson ou Mary Wigman. Après un temps d’échauffement proposé par LA MACHINE, le joueur actionne le bouton rouge pour arrêter le choix de l’interprète à l’écran avec lequel il va danser et la partition de la danse qu’il va apprendre avant de tenter de gagner le Jackpot !
Roxanne Maillet, artiste, graphiste, activiste, crée en 2017 Out of Closet, une collection de mots sérigraphiés sur t-shirts, reprennant les codes graphiques de grandes marques au profit de revendications féministes et lesbiens. Pour Everybody, en sus de la collection présentée, chaque jour Roxanne Maillet conviera une invitée à se joindre à elle pour présenter un motif imaginé.
LA FABRIQUE À DRAPEAUX avec Collectif Ne Rougissez Pas !
Halle / De 14h à 18h30 / Entrée libre / Tout public à partir de 8 ans
Collectif de graphistes, designers et cinéastes, Ne Rougissez Pas ! propose de créer avec le public une structure mobile et évolutive composée de drapeaux-slogans conçus par le public in situ, grâce à la mise à disposition d’outils graphiques et textiles. Une façon ludique de détourner des slogans politiques à destination de messages d’empowerment autour du corps.
> En semaine de 14h à 16h : atelier encadré par le collectif pour 10 à 12 personnes > En semaine de 16h30 à 18h30 : atelier libre > Le weekend de 14h à 18h30 : atelier libre
PIXELBODY avec l'École Estienne & Laurence Yared
Halle / De 14h à 18h30 / Entrée libre / Tout public
PIXELBODY est une installation évolutive et participative, un cadavre exquis de corps hybrides. Photographies, dessins, gravures sur cuivre et sur bois, linogravures… autant de têtes, de pieds, de jambes, ou de mains réalisés par les étudiants de l’École Estienne, ne demandant qu’à être recomposé par le public sur l’installation de la scénographe Laurence Yared. Pour les plus aventureux, des linogravures et des tampons pour parvenir à réaliser soi-même l’un des morceaux de ce puzzle XXL.
Avec le soutien du Fonds de dotation des Ateliers de Paris En partenariat avec la Bibliothèque Nationale de France et Gallica Studio
PEAUX & OLFACTION avec l'École Supérieure du Parfum
Halle / Samedi 19 et dimanche 20 février 2022 de 14h30 à 18h / Entrée libre / Tout public
De nombreux facteurs influent sur l'odeur de notre peau. Les étudiants de l'École Supérieure du Parfum réalisent des compositions olfactives à partir d'une approche scientifique, olfactive et créative et proposent un voyage sensoriel unique. Plusieurs thèmes seront abordés notamment l'odeur de peaux selon les tranches d’âges, les typologies de peaux, l’alimentation, etc.
LA GRANDE OURSE avec Hadil Salih, plasticienne, et Manuia Faucon, scénographe et accessoiriste
Halle / Samedi 19 au mardi 22 février 2022 de 14h à 18h30 / Entrée libre / Tout public
À travers un visage animal, des objets non identifiés, des figures de sauvagerie émergent et questionnent notre imaginaire. Comment les notions de puissance, de violence et de prédation sont-elles le plus souvent associées au genre masculin et via quelle symbolique ? L’ours, longtemps considéré comme le double animal de l’homme, figure de virilité et de force, à l’appétit sexuel débordant et enlevant les jeunes filles des villages, pourrait-il revêtir une autre image ? Le culte de l’ours, éradiqué en Europe par l’Église catholique romaine, réapparaît quelques heures dans la Halle du Carreau du Temple. Tou·te·s sont invité·e·s à fabriquer griffes et dents, à se parer et à augmenter leurs corps, durant quelques heures, des attributs de l’animal.
Tout au long du festival, dans la Halle et en accès libre, des œuvres d’artistes contemporains explorent le corps sous toutes ses coutures.
La street culture « made in Africa » est à l'honneur de cette première édition du Festival Jogging, pour mettre en lumière cette nouvelle vague africaine insolite déjà considérée comme un véritable vecteur de changement social.
Exposition photographique - David Nana Opoku Ansah (cozyshrt)
Dimanche 11 au samedi 17 juillet 2021 - 11h à 19h - Halle
Une exposition photographique de David Nana Opoku Ansah (cozyshrt) sur la scène skate de l’Afrique de l’Ouest. Des portraits issus de sa rencontre avec les jeunes stars skateurs comme Joshua Odamtten, Harmony Battaka, Jovita Ashi (Ghana) Modu Diongue (Sénégal), Blacky (Togo) Henry Okwubuasi (Nigeria), dont certains d’entre eux seront présents sur l’événement et pourront échanger avec le public.
Présence du photographe et de skateurs le dimanche 11 juillet.
Performance artistique live - Artsoul Kojo
Dimanche 11 juillet 2021 - 16h - Halle
Une performance live par Artsoul Kojo, un artiste peintre contemporain et skateur ghanéen. Autodidacte, Artsoul Kojo a commencé à peindre et créer de manière intensive comme un moyen de bousculer son introversion. Entre traits enfantins et formes élémentaires, son travail fusionne les aspects de la narration et de la poésie abstraite, avec des références au pop art et à l’impressionnisme.
Cours, démonstrations et skate jam
Dimanche 11 juillet 2021 - 12h à 18h - rue Spüller
Des sessions de skate avec l’école de skateboard de Chelles Cosanostra et des skateurs du collectif Surf Ghana venus spécialement pour l’occasion ! Une journée rythmée, qui se déroulera sur un module urbain créé sur-mesure pour l’événement en hommage aux sessions de glisse de l’Afrique de l’Ouest.
12h à 14h30 : cours de skate pour amateurs
14h30 à 18h : pratique libre, démonstrations et skate jam (mini-compétition de skate) avec inscriptions sur place
Les modules de skate seront également en accès libre tout au long du Festival Jogging :
Lundi, mardi, mercredi : 12h à 18h
Jeudi, vendredi : 12h à 17h
Samedi : 11h à 16h
Rencontre L’impact des nouveaux sports de glisse en Afrique
Dimanche 11 juillet 2021 - 14h à 15h - Halle
Une rencontre imaginée en partenariat avec Yard sur l’apport de ces nouveaux sports pour l’Afrique avec des réalisateurs, architectes, photographes et skateurs. Un échange original et moderne pour porter un regard neuf sur l’Afrique de l’Ouest. Cliquez ici pour plus d'infos
Projections de films
Dimanche 11 au samedi 17 juillet 2021 - 11h à 19h
En partenariat avec Paris Surf & Skateboard Film Festival, une série de documentaires est programmée autour de la culture skate et surf en Afrique, une première connexion avec les nouvelles jeunes stars sur roulettes !
Beyond. An African Surf Documentary de Mario Hainzl
Documentaire, Autriche, 2017, 1h51, version originale sous-titrée en français
Beyond explore la culture du surf au travers du Maroc, de la Mauritanie, de la Gambie et du Sénégal. Plongez dans les côtes les plus isolées du monde, où ces voyageurs ont passé trois mois à filmer, photographier, et interviewer des personnalités locales. Choc culturel et traditions en Afrique, découvrez comment le 21è siècle se frotte aux traditions.
Big Wata de Gugi van der Velden
Documentaire, Pays-Bas, 2018, 1h19, version originale sous-titrée en français
Les jeunes habitants d’un village de pêcheurs du Sierra Leone ont découvert le surf qui est devenu rapidement leur raison d’être et de vivre. Au sein de cette communauté traditionnelle ouest-africaine, le club de surf local − le premier et le seul de Sierra Leone − organise un voyage au Liberia. Les surfeurs sélectionnés qui s’y rendent en reviennent avec un autre regard sur leur lieu de vie qu’ils étaient tellement désireux de quitter. Un nouveau regard. Un changement de point de vue. Émouvant. Édifiant.
I'm Thalente de Natalie Johns
Documentaire, États-Unis, 2015, 1h28, version originale sous-titrée en français
Sans domicile fixe depuis l’âge de neuf ans, le skateur sud africain Thalente Biyela voyage à travers les États-Unis afin de réaliser son rêve : devenir un skateur professionnel. Ce film raconte, à travers son regard, comment il s’est sorti de son milieu d’origine et de la rue grâce à la pratique du skateboard.
AFRICA RIDING de Liz Gomis & Aurélien Biette
Documentaire, France, 2018, 58 minutes, version originale sous-titrée en français
La série AFRICA RIDING part à la rencontre d’une communauté de "riders" qui participe à créer un nouvel ordre culturel et social en Afrique. Du Ghana au Rwanda, en passant par le Sénégal et l’Ouganda, ces fous de glisse nous confient les clés de leur "playground" : trottoirs cabossés, places désertées, routes cahoteuses ou encore pistes ensablés… Autant d’obstacles qui font de ces esprits libres de vrais guerriers sur l’asphalte comme dans la vie.
YASIS de Mosako Lowsso Chalashika
Vidéo, Nigeria, 2020, 12 minutes, version originale sous-titrée en français
Nous sommes partis en tournée pour explorer nos pays voisins, à la recherche de spots de skate et de skateurs. Notre destination finale étant Accra au Ghana. Sur la route, nous nous sommes arrêtés pour faire du skate au Bénin, le pays voisin. Notre arrivée au Ghana coïncidait avec le festival Chale Wote.
MANGO de Jonathan Pinkard
Vidéo, Nigeria, 2020, 8 minutes, version originale sous-titrée en français
Mango explore l'histoire du skate à Lagos. Dans les années 90, Lagos subit une vague de criminalité, si bien qu’il était imprudent d'errer dans les rues la nuit. Aujourd’hui, au contraire, les jeunes se rebellent et créent leur propre environnement et mode de vie pour parer au manque d'emplois et d'opportunités. C’est dans ce contexte qu’apparaît le skateboard.
SHEESH ! d'Anthony Churchy
Vidéo, Nigeria, 2021, 11 minutes, film en anglais et sous-titré en français
Une vidéo de skate mettant en lumière une partie de la culture skate grandissante au Nigeria. Filmé, monté et réalisé par Anthony Churchy avec Mahmud MM, Ailrang Smart, MD Kabir, Ron Ossai, Angel Odelusi
Mais aussi :
DJ sets Afro Beats / Afro House
Dimanche 11 juillet 2021- 12h à 19h
Un set musical dédié à la scène Afro Beats en Afrique, en partenariat avec Yard, sera proposé tout au long de la journée. Une sélection musicale pointue des artistes émergents africains !
Pop-up store
Dimanche 11 au mercredi 14 juillet 2021- 11h à 19h
Une sélection de créateurs d’Afrique de l’Ouest expose leurs créations : skateboard en édition limitée, t-shirts, jeans et textile. La totalité des bénéfices sera reversée au collectif Surf Ghana pour la création de leur futur et premier skatepark à Accra.
Street food aux saveurs de l'Afrique de l'Ouest
Dimanche 11 juillet 2021- 11h à 19h
La carte du bar du Carreau du Temple proposera des spécialités aux saveurs de l’Afrique de l’Ouest.
Manifestation organisée dans le cadre de la Saison Africa2020, avec le soutien de la convention Institut français + Ville de Paris.
Partez à la découverte de la skate culture en Afrique de l'Ouest, à l'occasion de la première édition du Festival Jogging !
Le PodiHomme Instabilité - Chloé Ruchon (2018-2020)
Le podium revisité : quatre installations ludiques à expérimenter - Halle
L’expérimentation du PodiHomme Instabilité demande un jeu d’équilibre dans lequel celui ou celle qui prend la 1ère place doit composer et se maintenir avec le·la 2e et le·la 3e. Cette œuvre en trois variations questionne le côté éphémère de la réussite mais aussi l’aspect solidaire de cette dernière.
Invert Pyramid - Laurent Perbos (2019)
Art contemporain - Halle
Laurent Perbos utilise dans ses entreprises plastiques, l’objet usuel, commun, banal, issu de la consommation de masse comme matière dans un travail de forme. Dans l’oeuvre Invert Pyramid, l’aspect sculptural domine fortement. Les figures géométriques classiques comme le cube, le rectangle ou la sphère, tout comme la pyramide, sont des formes « parfaites », « idéales », « absolues » qui ne font référence à rien d’autres qu’à elles-mêmes. Cette disparition de la forme vise à créer chez le spectateur un brouillage des signes de ce qu’il perçoit : un court-circuitage entre la forme, la couleur et l’objet qui composent cette œuvre. Ici, le choix des couleurs de l’arc-en-ciel représente toutes les couleurs, c’est à dire la colorimétrie infinie. Laurent Perbos compare souvent l’image du spectre chromatique à celle de la palette du peintre car, sur cette dernière, est déjà contenue à l’état pur, les couleurs du tableau qu’il s’apprête à réaliser. En d’autres termes, avec toutes les couleurs, tous les tableaux sont réalisables et donc, par extrapolation, la figure de l’arc-en-ciel symbolise pour l’artiste le tableau ultime.
Trying to make a work of art by thinking of babylon… - Bruno Persat (2011-2020)
Art contemporain - Halle
Trying to make a work of art by thinking of babylon... est un dessin réalisé in situ à l’aide d’un ballon de football projeté sur un mur enduit de fusain, transformant l’espace d’exposition en terrain de jeu en amont de son ouverture au public. Laissant à notre imagination le soin de reconstruire le jeu, les traces des impacts du ballon sur le mur viennent rendre compte de cette action à travers un dessin abstrait à la composition aléatoire. Mais si cette oeuvre peut s’apparenter au geste d’un footballeur à l’entraînement, les empreintes du ballon en forme d’icosaèdres tronqués évoquent également l’aspect géométrique de certains wall drawings de l’artiste américain Sol Lewitt, dont il confiait la réalisation à ses assistants ou à d’autres personnes. Moins rigide et strict que les instructions laissées par Lewitt, le protocole de l'œuvre précisant que « le dessin est fini lorsque le désir du ou des joueurs s’en va » laisse de fait une part importante à la subjectivité et aux prises de décisions de la ou des personnes qui participent à sa réalisation.
Le public est invité à participer et à créer l'œuvre avec l'artiste Bruno Persat le dimanche 11 juillet toute la journée.
ENTROPIC NOW, une jeunesse de maintenant - Christophe Haleb - Cie LA ZOUZE (2019-2021)
Installation filmique - 80 min, en continu - Studio de Flore, au sous-sol
Avec cette installation filmique, le chorégraphe et réalisateur Christophe Haleb crée un espace de représentation d’une certaine jeunesse, où chacun·e d’entre eux·elles, exprime en corps, en paroles et en gestes, sa vision d’une autre société.
Ces films ont été réalisés entre août 2019 et juin 2021 dans les villes de Lyon, Valence, Amiens et Paris, en collaboration avec une multitude de jeunes rencontrés sur les terrains de leurs pratiques et dans leurs lieux de prédilection. L’ensemble des récits montés ici en multi-écrans nous tendent un miroir d’une jeunesse aux affects joyeux. Dans ces temps incertains, ils nous parlent d’une recherche existentielle, de désir et de désordre, de danse et d’entièreté, de besoins, de peurs, de projections de soi, de frustration sociale et d’engagement.
Se déploient autour de nous ces identités narratives, en images, en mouvements, en puissances et en fragilités, qui nous ouvrent un territoire du réel, une poétique de luttes et de revendications des jeunes de nos sociétés contemporaines. Des danses et des physicalités urbaines s'y développent dans une attention toute particulière aux lieux qui interrogent la place des jeunes dans l’espace public. Avec Christophe Haleb et son équipe se tissent des relations d’entrelacements liant les corps et les environnements à partir du chaos du monde de la jeunesse.
NB : L’installation filmique ENTROPIC NOW, une jeunesse de maintenant au Carreau du Temple devant s’adapter à l’espace du sous-sol et au protocole sanitaire, les temps performatifs avec les groupes de jeunes, habituellement proposés dans les autres villes, ne pourront pas avoir lieu.
Participants à l’écran : Fatma Ahmed, Gaspard Ajolet, Tao Alexandre, Solen Athanassopoulos, Alex Bellalem-Barbier, Joseph Berthier, Quentin Boily, Curtis Bouisset, Camille Bournat-Quérat, Lauryann Boury, Ariel Burnod, Kay Chaïeb, Emilie Chanrion, Bastien Charmette, Ylann Chichignoud, Vianney Coppens, Leana Cottin, Malo Courtier, Matéo Deschamp, Pierre Desmarais, Océane Dieu, Liam Djouzy, Lena Dompy, Garance Doré, Théo Dujardin, Marceau Dujardin, Raphaëlle Fabre-Misony, Jérémy Fortuna, Johan Garon, Jade Gaudry, Salomé Gonzalés, Salomé Guillot, Etienne Guittard, Louis Hurtrel D'arboval, Bazoumana Irié, Jonathan Kembila, Sephora Kibebe, Sacha Kibonge, Noémie Kpadounou, Arthur Krause, Jan Kusnierak, Johanna Lahuna, Pierre Lenoir, Anaelle Lion, Loane Mafille, Juliette Magniez, Noé Mallet, Emilien Masson, Eliaz Mazet, Kenza Mendy, Lou Mitanchey, Océane Niquet, Charlotte Norbert, Teem Othin, Balam Paulet-Laugeois, Romann Pialet, Clotilde Pinot, Margaux Pourpoint, Josselin Prat, Camille Prêt, Florine Quinet, Thibault Raoult, Yanis Sahnoune, Leïla Silkhider, Mateo Souillard, Sophie Tartaglia, Romain Teruel, Léonie Tiret, Faustine Tomala, Maya Van Nieuwenhove, Alice Vitry, Ruth Wandja Kasoneo, Fanny Warnault, Alexandre Zoppini | Conception, écriture et réalisation : Christophe Haleb | Image : Alain Trompette, Alberto Ploquin, Evan Rouillard | Montage et co-écriture : Bénédicte Cazauran et Sylvain Piot | Musique : Benoist Bouvot, Postcoïtum Damien Ravnich & Bertrand Wolff | Avec à l’écran la présence et la collaboration des jeunes rencontrés dans chacune des villes traversées | Prise de son : Aurélie Gaydon, Emmanuel Germond, Clément Toumit, Izia Wallerich et des étudiants en alternance de La Cinéfabrique | Assistants de réalisation : Christophe Le Blay et Olivier Muller | Création et régie lumière : Romain Rivalan | Régie générale: Florent Magnaudeix | Programmation et régie numérique : Sylvain Delbart | Administration, production et diffusion : Géraldine Humeau et Nicolas Beck
Production : La Zouze - cie Christophe Haleb | Coproduction : Entropic Now s’inscrit dans un processus de création qui se déploie dans différentes villes en coproduction avec La Biennale de la danse de Lyon, LUX scène nationale de Valence, La Maison de la Culture d’Amiens, Le Carreau du Temple à Paris, La Maison – CDCN Uzès Gard Occitanie | Soutien financier : Ministère de la culture (DGCA - Délégation à la danse) | La Zouze - cie Christophe Haleb est conventionnée par le Ministère de la culture - DRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur, et subventionnée par la Ville de Marseille, la Région Sud - Provence Alpes-Côte d’Azur et le Département des Bouches-du-Rhône.
Projections
Halle
Tout au long du festival en accès libre à partir de 11h, visionnez des œuvres vidéos qui questionnent les relations entre l’art et le sport. Sont projetés dans l'ordre suivant :
Cassandro The Exotico ! de Marie Losier (2018, 1h13)
Après 26 ans de vols planés et d'empoignades sur le ring, Cassandro, le roi des Exoticos – ces catcheurs gays qui dynamitent les préjugés – est incapable de s'arrêter. Le corps en miettes, pulvérisé, il va pourtant devoir se réinventer…
Réalisation : Marie Losier | Auteurs : Marie Losier, Antoine Barraud | Image : Marie Losier | Son : Marie Losier, Gilles Bénardeau | Montage : Ael Dallier Vega | Production / diffusion : Tamara Films, Tu vas voir, Garidi Films | Distribution : Urban Distribution International | Ventes internationales : Urban Distribution International
Un Projet Important de Louise Hervé et Clovis Maillet (2009, 38 min)
Dans un futur indéterminé, la société ChoSE s’est spécialisée dans l’implantation de souvenirs virtuels dans le cortex humain. La demande en matière de souvenirs se concentre essentiellement sur le sport, qui est devenu le principal – peut être le seul – centre d’intérêt. M. Caille, un de leurs clients, insiste pour aller sur la Lune, une destination touristique mal famée depuis que le Tennis-club lunaire s’est érigé en territoire autonome autocratique. Aussi bien les employés de ChoSE que les habitants de la Lune manient la désinformation, la chirurgie du cerveau, et les rumeurs d’épidémies, au service d’une âpre concurrence entre les tenants des divers clubs sportifs.
Louise Hervé & Clovis Maillet, Un Projet Important, film 16mm et vidéo HD transféré sur vidéo HD, 38’, 2009, production I. I. I. I. / co-production ARCADI, courtesy Galerie Marcelle Alix
GHOST NOTES pour les fantômes d’Hashima de Nicolas Fenouillat (2021, 21 min)
Ghost notes*, vibration, écho, silence, fantômes de bruit doux : une respiration de l’île et ses fantômes. Rencontre poétique entre 2 cultures sur l’ile d’Hashima au large de Nagasaki. Cette île japonaise abandonnée depuis 50 ans fut la plus densément peuplée au monde dans les années 60. L’histoire du Taïko, percussion traditionnelle japonaise et instrument à partition orale, a souffert de la perte de la plupart de ces maîtres à la suite de la bombe d’Hiroshima. Entre musique, danse, art martial, passé et présent, les deux percussionnistes ravivent les fantômes de l’île.
GHOST NOTES pour les fantômes d’Hashima | Nicolas Fenouillat 2021, 21min Au Taïko : Nori Kajio | À la batterie : Nicolas Fenouillat * Notes étouffées
AGÔN de Florian Pugnaire (2017, 18 min)
Agôn est un projet hybride, un film de sculpture. Il témoigne d’un processus de création et de destruction sous la forme d’une fiction, par la mise en scène d’un combat singulier dans un décor en perpétuelle mutation. Deux personnages munis de gants et de casques de boxe combattent dans des espaces qui, successivement, s’animent et se métamorphosent pour finalement s’autodétruire. L’onde de choc des coups échangés semble se répercuter sur les murs, qui craquent et se fissurent comme s’ils étaient soumis à une force invisible, voire surnaturelle. Quelque part entre les performances filmées de Bruce Naumann, les expériences d’atelier méticuleusement orchestrées de Fischli and Weiss, les films de Bruce Lee et ceux de John Carpenter, Agôn est un projet transdisciplinaire qui tend à ouvrir les frontières entre les médiums en combinant la sculpture, la performance et le cinéma.
AGÔN | 2016 | Film 2K, 18 min | Co-production : Kyrne, le FRAC PACA et le Centre Georges Pompidou. Avec le soutien de la Région Provence-Alpes-Côte d'Azur, en partenariat avec le CNC et la Fondation Nationale des Arts Graphiques et Plastiques | Courtesy Galerie Eva Vautier
Faire la musique de Camille Llobet (2017, 15 min 27)
Le décor : un grand vide de 9 m de hauteur et de 160 m2, l’intérieur de la pile du pont de contournement de Saint-Gervais (village de montagne) choisi pour l’occasion comme studio de tournage. Le souffle du torrent, les oiseaux qui nichent sous le pont, les quelques véhicules qui passent, la résonance du vide donnent l’identité sonore du lieu. Au centre de l’espace, un à un, des corps s’activent : ils ferment les yeux, se concentrent, exécutent une gestuelle singulière puis se réveillent. Ce sont des athlètes de différentes disciplines sportives qui procèdent à la répétition mentale de leurs parcours.
Selon le principe des neurones miroirs, on émet l’hypothèse qu’imaginer une action active plus ou moins les mêmes zones cérébrales que de réaliser physiquement cette action. C’est ce qui incite les sportifs à jouer avec la plasticité de leur cerveau par l’entraînement mental de gestes extraordinaires pour tendre vers des automatismes aussi ordinaires que de mettre un pied devant l’autre ou réagir à un danger. Escalade, ski, rallye automobile, bobsleigh, saut à la perche, voltige aérienne…chaque athlète a été précisément choisi pour sa pratique spécifique de l’entraînement mental et la complexité du décor dans lequel il évolue. Qu’il s’agisse de passer une chute d’eau de 12 mètres en kayak, de procéder à des sauts périlleux à ski sur les rebords d’un mur de neige de 7 mètres (half-pipe) ou de planer dans une combinaison ergonomique du sommet d’une montagne jusqu’au bas d’une vallée (wingsuit), il y a un écart burlesque entre ce qui se joue dans la tête de ces corps en eux-mêmes et leurs gestiques singulières dans ce grand vide de béton. Leur qualité de concentration quasi hypnotique, leur expressivité inconsciente, les bruits de leur respiration, leurs gestes réduits au stade de l’ébauche révèlent une chorégraphie de la pensée. Le titre est emprunté aux pilotes de la Patrouille de France qui nomment cet exercice « faire la musique », évoquant l’idée de ritournelle et de partition.
Avec Camille Cabrol, Mathieu Collet, Loïc Costerg, Vincent Descols, Romain Desgranges, Jérôme Grosset-Janin, Mathéo Jacquemoud, Anouck Jaubert, Oliver Marich, Marie Martinod, Lou Pallandre, Stéphane Pion, Thomas Roch-Dupland | Aide à la production : ville de Thonon-les-Bains et ville de Saint-Gervais-les-Bains.
Where Is My (Deep) Mind? de Julien Prévieux (2019, 14 min 59)
Dans Where Is My (Deep) Mind ?, quatre performers incarnent différentes expériences de Machine Learning. A la fois expérimentateurs et sujet d’expérience, les acteurs donnent à voir une gamme de processus d'apprentissage automatique allant de la reconnaissance des mouvements sportifs aux techniques de négociation d’achat et de vente. Gestes et paroles codifiés, transférés à des machines ignorant tout du contexte culturel, produisent autant de dérapages ou d’erreurs inattendues, contrefaçons comportementales aux accents comiques.
Julien Prévieux, Where Is My (Deep) Mind?, 2019 | Vidéo HD, couleur, sonore, 14’59”
La tonsure (after Marcel Duchamp) de Nøne Futbol Club (2015, 3 min 34)
La tonsure (after Marcel Duchamp) expérimente l’infiltration du monde du football par l’art. Les artistes ayant constaté que les coupes de cheveux des footballeurs constituaient un des rares espaces d’expression libre dont ces derniers disposent, ils ont proposé à un ancien joueur de l’équipe de France, Djibril Cissé, de reproduire la célèbre Tonsure de Marcel Duchamp immortalisée par Man Ray. Les films et photographies de Cissé arborant cette nouvelle coupe ont circulé ensuite sur les réseaux actifs de la sphère footballistique. Nøne Futbol Club tente ainsi de cerner l’impact d’une image archétypale de la modernité, celle de Man Ray, sur les supporters. Le projet décline également ce signe visuel en objets, afin de questionner la notion d’esthétisme publicitaire.
Nøne Futbol Club, La tonsure (after Marcel Duchamp), 2015.
Tout au long du Festival Jogging, dans la Halle et en accès libre, des œuvres intrigantes qui questionnent notre rapport au jeu et au sport.
