Living Smile Vidya est une héroïne. Celle d’une vie qu’elle a réinventée.
Née garçon dans le sud de l’Inde, au sein de la caste marginalisée des dalits, la voici, quelques décennies plus tard, trans activiste sur les scènes européennes, au fil d’un parcours semé d’épreuves et de courage. Véritable personnage, figure de fiction bien vivante, dotée d’une présence à la fois généreuse, drôle et audacieuse, elle raconte son histoire intime et politique en s’adressant sans cesse au public. Elle chante, danse, interpelle, joue avec son corps, les costumes, l’image et l’espace dans une sorte de comédie musicale très libre. Par ce geste, elle donne aussi voix à celles et ceux qui, comme elle, franchissent les frontières pour chercher refuge ailleurs et mener une vie digne. Living Smile, au sens fort du terme, est le nom qu’elle porte en étendard.
Spectacle présenté pour la première fois à Paris !
Living Smile Vidya se livre dans un seule-en-scène intime et politique sur la transidentité.
La fresque chorégraphique de Maud Le Pladec, créée pour la cérémonie d'ouverture des JO de Paris 2024 sous la direction artistique de Thomas Jolly, se déploie dans la Halle du Carreau du Temple avec 24 danseur·ses du CCN - Ballet de Lorraine. Synchronicité expose les savoir-faire et l’excellence de l’artisanat français chorégraphié par Maud Le Pladec. La reprise de cette création historique sera l'occasion de revivre ce moment exceptionnel suivie de la pièce explosive de Marco da Silva Ferreira a Folia.
a Folia de Marco da Silva Ferreira (2024)
Avec a Folia, Marco da Silva Ferreira explore la notion d’extase, la joie et la transe qui se dégagent d’un moment de danse partagée par un groupe. La folia, au Portugal, est une danse folklorique du XVe siècle. Les traces historiques qui la mentionnent parlent toutes d’une ambiance festive où chacun s’exprime, dégagé des conventions sociales liées au genre ou à la classe. C’est cette idée qui intéresse le chorégraphe portugais, qui cherche à la traduire en mettant en miroir la folia portugaise avec les danses de clubbing de notre époque.
Une soirée double de spectacles où brillent les danseur·euses du CCN – Ballet de Lorraine, avec les chorégraphes Maud Le Pladec et Marco da Silva Ferreira !
Danseuse, chorégraphe et performeuse italienne Chiara Bersani souffre d'une forme modérée d'ostéogenèse imparfaite, mesurant 98 cm, elle s'intéresse à la signification politique d'un corps en interaction avec la société. La recherche sur son identité et son corps loin des normes l'amène à créer plusieurs performances (dont Seeking Unicorns programmé au Festival Everybody en 2022).
Sottobosco est sa dernière création présentée pour la première fois à Paris. En écho à son enfance, la chorégraphe s'interroge sur notre capacité à faire face à l'adversité, à se mouvoir dans l'espace malgré un corps empêché. Ensemble, Chiara Bersani et la danseuse Elena Sgarbossa invitent le public dans le sous-bois d'une forêt imaginaire. Ces personnes se sont-elles égarées ou ont-elles été abandonnées par quelqu'un d'autre ? Ou est-ce qu'un jour la forêt a poussé tout autour d'elles ? Dans cet habitat mystérieux, elles évoluent enveloppées par la lumière et les sons. Chiara Bersani propose une allégorie de la vie et de la survie, en interrogeant la place des corps handicapés dans la société.
Premières dates parisiennes pour cette création programmée dans les plus grands festivals européens
Chiara Bersani tisse une forêt imaginaire où corps en situation de handicap, sons et lumière forment une communauté vibrante et poétique.
La chorégraphe et performeuse martiniquaise Annabel Guérédrat explore le corps politique et la posture sociale des femmes noires et métisses dans les Caraïbes. Avec Let’s Go Back to the River, le public est invité à traverser un voyage sensoriel et spirituel, à vivre une expérience immersive, inclusive et profondément sensible.
Entre traditions caribéennes, héritages afro-descendants et imaginaires futuristes, les performeuses, Chloé Timon et Annabel Guérédrat, guident les participant·es dans un cercle de transformation collective où les corps, la musique et les gestes deviennent langage de soin, de résistance et d’émancipation. Véritable célébration du féminin, du sacré et du vivant, la performance ouvre un espace de communion artistique et énergétique, à la fois intime et fédérateur. Cette performance est ainsi conçue comme une quête de vision, un hommage à Oxun, divinité des eaux douces, associée à la richesse spirituelle, matérielle et à l’émancipation des femmes.
La performance s’achève sur une célébration vibrante menée par DJ Sugar Tantine, où la musique et le mouvement deviennent langage commun, invitant chacun·e à danser la vie et à se laisser porter par une communion artistique et spirituelle.
Appel à participation
Le Carreau du Temple recherche des participants·es pour prendre part à la performance Let’s go back to the river d’Annabel Guérédrat, chorégraphe performeuse invitée pour le Festival Everybody !
Anticipez votre venue : En raison du mouvement social du jeudi 18 septembre, si vous vous déplacez en transports en commun, nous vous invitons à consulter le site de la Ville de Paris pour connaître les lignes de transports en circulation voir ici
Du 18 au 21 septembre 2025, Food Temple met à l’honneur la gastronomie et la culture brésiliennes ! Quatre jours pour savourer la créativité de chef·fes invité·es, partager de grands repas, participer à des ateliers et masterclass culinaires, flâner dans les étals d'un marché 100% brésilien, vibrer au son de la samba, découvrir un spectacle choréo-gastronomique inédit et bien d'autres surprises. Alessandra Montagne, cheffe brésilienne reconnue et engagées, est la marraine de cette 9e édition !
Spectacle d'ouverture à 19h30 / Tarifs de 11€ à 22€ / Conseillé à partir de 16 ans
Nouveauté à Food Temple : l’aventure brésilienne s’ouvre avec le spectacle choréo-gastronomique Feijoada de Calixto Neto. Terre de métissages, le Brésil offre une cuisine riche de traditions et de mémoire, où chaque plat raconte les méandres de son histoire et la richesse de son patrimoine culturel. Feijoada est le témoin des liens invisibles entre passé et présent, rassemblant autour de la table les récits, les voix et les saveurs qui forgent une partie de l’identité brésilienne.
Spectacle choréo-gastronomique
Feijoada de Calixto Neto
Feijoada, spectacle choréo-gastronomique de Calixto Neto, revient sur l’origine de ce plat emblématique, né de la cuisine des personnes réduites en esclavage à partir des restes de viande des maîtres, à l'époque coloniale. À travers la préparation en direct d’une véritable feijoada, rythmée par une roda de samba, danseur·euses, musicien·nes, slameur·euses et conteur·euses mêlent cuisine, musique et performance pour explorer les strates de violence, de mémoire et de culture qui traversent l’histoire brésilienne. Le spectacle interroge les inégalités sociales et culturelles sans imposer de réponses, proposant un cadre de partage où l’on danse, mange, échange et célèbre ensemble. Feijoada est une expérience immersive qui démystifie ce symbole culinaire national, ouvre un espace de dialogue sur le Brésil noir contemporain et invite à repenser collectivement récits, traditions et identités autour de la chaleur d’un repas partagé.
En faisant tomber les armures dans les corps et dans les têtes, Clara Furey invoque une sensualité nouvelle, dansée dans une écoute absolue de soi et de l’autre. Une fête intime d’où émerge une nouvelle forme de beauté et d'attention.
Entre l’espace, la musique et le corps, Clara Furey refuse toute hiérarchie. Et aucune armure ne tient en ce quatuor où chaque interprète trouve un espace sur mesure et chacun·e se met à l’écoute des réalités corporelles des autres. Ainsi on danse, comme pour un rite intime, cette rave sensuelle où les énergies circulent librement, dans une jouissance intime et poétique.
Être unarmoured, sans armure donc, c’est transcender les limites du corps pour renouer avec des sensations érotiques primordiales, libérées des conventions et jugements. Cet érotisme-là est traversé d’ondes cosmiques et nourri d’impressions reçues au cours de sa vie. S’adressant moins à l’autre qu’à la matière ou au vide, il passe ici par les soins et l’empathie convoqués par Clara Furey, autant pendant le processus de création que sur le plateau.
La québécoise, qui a tant travaillé aux côtés de Benoît Lachambre, place ici le rapport à la musique à l’intérieur du corps qu’elle aborde comme une entité qui se transforme au fil du temps. C’est par une recherche sur la multiplicité des soi et des identités genrées, aussi fluides que nos territoires intérieurs, qu’UNARMOURED démontre qu’un autre érotisme est possible !
Une danse intime où corps et esprits se déshabillent pour révéler une sensualité fluide et libre et ouvrir la voie à une beauté radicale et poétique !
Entre rock, rap et énergie hip-hop, quel serait un Roméo au temps des réseaux sociaux, face à sa Juliette rêvée ? Comment gérer aujourd’hui le tourbillon émotionnel de l’adolescence, si l’amour se trouve soudainement interdit ?
« Qu’est-ce que grandir, pour un garçon ? Quels sont les bouillonnements qui nous traversent, quand notre voix et notre rire se transforment, quand on a l’impression d’avoir poussé trop vite », demande Marion Lévy.
En 2016, l’ancienne interprète d’Anne Teresa De Keersmaeker s’adressait aux enfants en dansant seule Et Juliette, pour questionner l’émancipation et les premiers émois amoureux. Il fallait donc lui offrir un Roméo. Le voici, dans l’intimité de sa chambre d’adolescent, confronté à ses propres bouillonnements. Et si toute rencontre amoureuse était soudainement interdite ? Elle l’était de fait, à l’heure des confinements. Mais cette situation ne faisait-elle pas de tou·te jeune amoureux·se un Roméo ou une Juliette privé·e du moteur de la vie ?
Affrontant les désirs d’amour et de liberté d’un collégien en pleine transition hormonale, le danseur-acteur Maxime Calicharane (découvert dans le film Marmaille (2024) plébiscité par la presse) dialogue avec son double, le guitariste et chanteur Léo Nivot. Ensemble, ils nous offrent un concert chorégraphique d’une intensité toute shakespearienne. Mais dans sa véracité confondante, la danse détient aussi le pouvoir d’échapper au sort tragique. Aussi ce Roméo pourrait bien être une pièce lumineuse.
Atelier de pratique chorégraphique avec Marion Lévy
Samedi 8 novembre 2025 de 14h à 17h / Salle de spectacle / Ados et adultes, tous niveaux
Billet atelier + spectacle : 22€ à 32€ (22€ avec la Carte Carreau) Billet atelier uniquement : 15€ Réservez en cliquant ici !
Entre rock et hip-hop, Marion Lévy met en scène un Roméo d’aujourd’hui, vivant les vertiges de l’adolescence dans l’intimité de sa chambre !
L’expérience de la danse électro, dans la lucidité d’une fête partagée ! Pour se laisser hypnotiser par les rythmes d’une musique au succès planétaire et par l’inépuisable énergie des reines et rois du clubbing à la française.
Reconnue mondialement pour sa danse hip-hop, Laura Defretin a fondé Mazelfreten avec Brandon Masele, champion du monde en danse électro, style urbain français si enjoué et prolifique. Cet univers, avec son partage des énergies et son sens de la communauté, est devenu leur passion commune : rythmes électro, house et techno, jeux de bras aux mouvements paradoxaux, virtuosité atypique…
Tout cela fait de Rave Lucid un manifeste joyeux, récompensé par plus de cent représentations à travers le monde qui ont largement contribué à faire connaître et apprécier cette culture au-delà des clubs. À l’origine une danse pour solistes, bien que pratiquée dans une effervescence collective, l’électro trouve ici une forme scénique soigneusement orchestrée, portée par une dizaine d’Eboï et Equeenz (danseurs et danseuses électro) qui font évoluer les codes du clubbing et des battles. Une forte présence de la musique en sus, Rave Lucid séduit par son écriture en mode Mazelfreten : spontanée, engagée et viscérale, promettant au public des effets d’hypnose et de transe.
Atelier Initiation à la danse électro avec la compagnie Mazelfreten
Jeudi 2 avril 2026 de 19h à 21h30 / Salle de spectacle / Ados et adultes, tous niveaux
L’écriture singulière, fluide et vibrante de Christos Papadopoulos méduse et aiguise le regard. Un raffinement à fleur de peau, mis en valeur par un ensemble d’interprètes en pleine maturité.
Pendant son enfance, Christos Papadopoulos était fasciné par les mouvements fusionnels des bancs de poissons et nuées d’oiseaux. Chorégraphe, il s’intéresse aujourd’hui aux vibrations invisibles qui traversent les groupements humains quand ils sont exposés à des champs énergétiques ou influences atmosphériques. Comment réagiront les interprètes ? Quels écosystèmes vont se constituer ?
Sur une musique électro aux vibrations euphorisantes, onze corps se déhanchent avec subtilité, les bras pendulant dans un état de relaxation collective, pour libérer progressivement les énergies individuelles. L’Athénien qui chorégraphie aujourd’hui à grande échelle – pour le ballet de l’Opéra de Lyon ou le Nederlands Dans Theater (NDT) – se lance dans une aventure avec le Dance On Ensemble qui met en valeur la maturité et l’acuité d’interprètes de plus de 40 ans. Après avoir dansé avec la Batsheva, le Ballet Cullberg, William Forsythe, Marcos Morau et tant d’autres, ils et elles s’engagent dans MELLOWING (devenir moelleux), servant à merveille un univers tout en nuances.
Christos Papadopoulos explore la vibration invisible des corps mûrs, portée par des danseurs d’expérience dans une chorégraphie subtile et hypnotique.
Quelle est la place du corps dans nos sociétés contemporaines ?
Pendant cinq jours, du mercredi 18 au dimanche 22 février, le Festival Everybody met en lumière des artistes qui placent la représentation du corps au centre de leurs démarches. Leurs œuvres interrogent les stéréotypes liés au genre, à la couleur de peau, au handicap… et explorent les multiples manières d’habiter son identité et ses différences.
Pour cette cinquième édition, les récits de résistance sont au cœur des propositions artistiques programmées. Résistance des communautés queer (Soa de Muse, Living Smile Vidya) qui affirment leurs existences - y compris en temps de guerre, comme en témoigne le documentaire de la réalisatrice ukrainienne Olga Gibelinda. Résistance des corps empêchés qui se heurtent aux logiques validistes mais réinventent l’espace et la visibilité (Chiara Bersani). Résistance des corps afro-descendants (Alice Ripoll, Annabel Guérédrat, Rokhaya Diallo, Sisley Loubet, Brigitte Sombié) dont les gestes, les voix et les présences déjouent les héritages coloniaux ancrés dans nos sociétés. Résistance aussi dans la force du collectif, là où la danse devient une manière d’exister ensemble (Maud Le Pladec, Marco da Silva Ferreira).
Du plus virtuose au plus déroutant, le corps physique — ou plutôt la façon dont nous le percevons — reflète les mécanismes sociaux et politiques qui façonnent nos regards. Everybody devient ainsi un bain bouillonnant d’esthétiques, de perspectives et de langages venus d’horizons multiples, où se tissent des formes singulières, hybrides et souvent surprenantes.
Avec les artistes : Soa de Muse, Mami Watta & Shei Tan / Maud Le Pladec / Chiara Bersani / Annabel Guérédrat / Living Smile Vidya / Alice Ripoll / Rokhaya Diallo & Brigitte Sombié / M'barka Amor / Olga Gibelinda / Arthur Perole / Sisley Loubet… (programmation en cours)
Initié par Le Carreau du Temple, le Festival Everybody revient pour une cinquième édition sur la place du corps dans nos sociétés contemporaines : spectacles et performances, ateliers et cours de danse, installations d'art contemporain...
