La crise sanitaire a imposé un temps suspendu au monde entier, rendant commune une expérience familière aux personnes contraintes à l’exil. S’arrêter, se retrouver, se laisser aller à penser, et avec le regard d'artistes traversés par l’exil, explorer et mesurer les enjeux politiques de ce qui nous constitue. Pour le festival 4,3,2,1..., les artistes reviennent sur le récent confinement pour mettre cette période en relation avec leur histoire.
L’atelier des artistes en exil (aa-e), structure unique en France, a pour mission d’identifier des artistes en exil de toutes origines, toutes disciplines confondues, de les accompagner au regard de leur situation et de leurs besoins administratifs et artistiques, de leur offrir des espaces de travail et de les mettre en relation avec des professionnels afin de leur donner les moyens d’éprouver leur pratique et de se restructurer. L’aa-e c’est plus de 1000 m2, mis à disposition par la Ville de Paris au centre de la capitale, dédiés aux artistes en exil. L’aa-e propose un suivi professionnel, juridique, social, médical et linguistique à près de 200 artistes qui pratiquent les arts plastiques, l’architecture, le stylisme, la danse, le théâtre, la performance, la musique et l’audiovisuel.
Rupture - Maryam Samaan - Syrie
Vendredi 27 août 2021 - 14h30 et 16h30 - Durée : 45 min - Salle de spectacle
Spectacle de marionnettes
Contraint de quitter son pays ravagé par les luttes de pouvoir et la guerre, l’enfant venu d’ailleurs explore de nouveaux paysages et dialogue avec ses souvenirs. Habité par un sentiment d’étrangeté, happé par le passé, il essaie d’apprivoiser ses peurs pour apprendre à vivre après.
Transition through Reproach Valley - Kubra Khademi - Afghanistan
Vendredi 27 août 2021 - 20h - Durée : 30 min - Halle
Performance
Pour sa première performance collective, Kubra Khademi s’interroge sur l’expérience de la famine, de la maladie, des catastrophes écologiques, de la guerre et sur l’injonction qui nous est faite à rester calmes, patients et positifs. Mais que s’est-il vraiment passé ? Comment aurions-nous dû réagir ? Et quel est le rôle de l’art dans pareille situation ? Un remède contre la pression sociale ? « Le reflet de la société » ?
Dans le cadre de l'Hyper Festival, Le Carreau du Temple accueille le Festival 4,3,2,1... avec les spectacles de Maryam Samaan et Kubra Khademi !
Créé en 2012, Seventeen est un spectacle pluridisciplinaire qui se recrée depuis 10 ans. Il met en scène des adolescences. Par le corps, par les mots, ils et elles se racontent sur scène.
En y intégrant les arts numériques, la compagnie François Stemmer crée 7teen Nouvelle Génération, spectacle hybride qui se vit et se partage via les écrans dans un premier temps et sur scène dans un second temps. Ainsi, tout au long du mois d'août, une mini-série de 11 épisodes sera diffusée sur les réseaux sociaux de la compagnie François Stemmer et se conclura avec un dernier "épisode" sur scène lors des représentations du spectacle les 26 et 27 août au Carreau du Temple.
Dans le premier épisode, vivez les deux journées d’auditions. Les cinq épisodes suivants feront le portrait des protagonistes de 7teen Nouvelle Génération. Filmés dans les lieux qu'ils fréquentent, chez eux, seuls ou en groupes, il s'agit de partir à la découverte de leur univers. Avant le grand final, découvrez cinq épisodes sur les premiers jours de création afin de suivre les protagonistes désormais au sein de la troupe dans le contexte particulier de l’immersion créative et du groupe. Pour voir le dernier "épisode", rendez-vous sur la scène au Carreau du Temple !
Découvrez les 11 épisodes de la mini-série sur les réseaux sociaux de la compagnie François Stemmer et son site Internet :
Dans le cadre de L'Hyper Festival, François Stemmer présente "7teen Nouvelle Génération", un objet artistique hybride mêlant portraits, narrations et images sensibles !
40° symbolise le thermomètre dans le rouge prêt à exploser. La simple lecture de ces mots 40° degrés évoque d’emblée des sensations et convoque des images mentales. Pour cette performance, le chorégraphe Yves Mwamba s’intéresse aux énergies brutes, aux états de corps en quête de mouvement et de rythme jusqu’à l’épuisement.
Yves Mwamba revisite ce qu’on appelle communément la danse afro en s’intéressant à ses dynamiques et ce qu’elle génère de collectif. La danse afro est hybride, tirant ses influences dans les danses traditionnelles africaines et des danses urbaines se renouvelle chaque jour dans les grandes capitales. Elle se fabrique dans la rue, l’endroit par excellence où l’on s’exsude, partage les nouveaux steps (mouvements) qui débarquent en même temps que les nouveautés musicales et qui font le tour du monde grâce aux réseaux sociaux. Ces chorégraphies s’inventent à partir de vocabulaires communs tout en appartenant à chacun. Le beat et les sonorités africaines ponctuent les mouvements. On aperçoit l’influence congolaise avec le Ndombolo, le Coupé décalé de la Côte d’Ivoire en passant par le Kuduro d’Angola , le Pantsula de l’Afrique du sud. Si chacun de ces univers ont leur propre histoire, et se dansent sur la musique house ou l’afro Beat du Nigeria, mêlée au Hip-Hop…, ils fusionnent au cœur de la danse afro en mouvement perpétuel.
La danse afro n’est pas une pratique solitaire. C’est un moyen d’être ensemble en mode ngwasuma ou encore de s’enjailler dans une fête ou tout simplement en boîte de nuit. Cette ambiance où les gestes viennent de partout, où l’on crie, anime, encourage. L’émotion est présente, lumineuse, on appartient à cette famille de la danse où l’éloquence et l’élégance s’invitent. Ce que l’on voit c’est l’énergie vitale qui nous submerge. La danse afro apprend à décoloniser son corps, à sentir le rythme qui l’envahit notre corps et le restituer dans sa forme brute. Yves Mwamba a grandi dans ces ambiances magiques et il cherche à s’en saisir chorégraphiquement pour raconter l’histoire des migrations portées par des histoires singulières.
Dans le cadre de L'Hyper Festival, le chorégraphe Yves Mwamba présente "40° degrés", une performance sous haute-tension !
Mickaël Phelippeau rencontre Françoise et Alice Davazoglou presque par hasard. En duo sur le plateau, elles se prêtent avec générosité au jeu du « portrait chorégraphique » cher à Mickaël Phelippeau. Avec délicatesse, il interroge les liens qui unissent les deux femmes et leur offre la possibilité de montrer à tous qui elles sont: deux femmes interprètes, l'une dite valide et l'autre porteuse de trisomie 21. Ce duo aborde ainsi la complexité et la constellation des liens qu'elles entretiennent, des divergences qui créent leur complémentarité, tant humainement que dans leur relation à la danse.
« De Françoise à Alice emporte le spectateur dans une vague de beauté et d'humanité dont l'émotion se distille avec pudeur. » Télérama
JEZEBEL de Cherish Menzo
Salle de spectacle / 20h30 / Durée : 1h
Danseuse et chorégraphe néerlandaise, Cherish Menzo dénonce l’hypersexualisation des femmes dans les clips de rap et hip-hop des années 90 à travers une réappropriation du mythe biblique de Jézabel, femme séductrice, tyrannique et malfaisante. Captivante, l’artiste dynamite les stéréotypes et les fantasmes et déconstruit les codes de l’imagerie associée aux « Vidéos Vixens ».
« Cherish Menzo libère les femmes-objets des clips de rap dans un solo magnétique. » La Terrasse
Studio de Flore / 22h / Durée : 1h / Spectacle déconseillé aux moins de 16 ans
Chorégraphe martiniquaise, Annabel Guérédrat signe des performances toujours empreintes d’une profonde réflexion sur le monde et sur la condition féminine en particulier. Seule en scène et nue, l’artiste revêt une à une cinq peaux de brujas, sorcières afro-caribéennes, correspondant à cinq tableaux successifs qui s’entremêlent à mesure de la performance.
« Une réinterprétation de rituels magico-religieux afrocaribéens pour faire exploser sur scène une puissance féminine. » La Terrasse
En partenariat avec le Festival Jerk Off
Seeking Unicorns de Chiara Bersani
Studio de Flore / 18h30 / Durée : 45 min
La danseuse, chorégraphe et performeuse Chiara Bersani mesure 98 cm. Autour de cette quête et des métamorphoses de la licorne, elle enroule sa propre recherche sur son identité et son corps loin des normes.
« Remarquée en tant qu’interprète dans le célèbre Gala de Jérôme Bel, la performeuse italienne revient marquer nos esprits. » La Terrasse
« La beauté de la recherche artistique réside dans le fait de toucher des mondes et de laisser ensuite les pensées jaillir dans des directions inattendues et imprévisibles. » (interview de Chiara Bersani dans maculture.fr)
Pourquoi vient-on au théâtre ? Pour rire ? S’émouvoir ? Découvrir une histoire ? Ou, plus trivialement, pour en avoir pour son argent ? Dans une malicieuse mise en abyme de l’acteur et du spectateur, HERE & NOW réinterroge le pacte qui fonde la représentation et célèbre le plus bel « ici et maintenant » qui soit : l’espace-temps du théâtre.
« Trân Tran a réussi le tour de force d’un solo inclassable. Maîtrisant l’improvisation, elle joue du tac au tac et nous renvoie de belle façon la joie et la portée symbolique de se rendre au spectacle. » La Terrasse
« Une performance légère, sans prétention, dont le final mérite à lui seul le déplacement. » I/O Gazette
Dans une performance intransigeante qui n’épargne ni les yeux ni les oreilles, Rébecca Chaillon décrypte la manière dont le désir des femmes noires s’est construit par rapport à des injonctions paradoxales et des clichés tenaces. Une pièce pour 8 corps, qui bouscule nos imaginaires.
« L’autrice, performeuse et metteuse en scène signe un spectacle ébouriffant pour déconstruire le regard porté sur les femmes noires en France. Drôle, énervée et intelligente, son écriture théâtrale est aussi singulière que jubilatoire. » Les Inrocks
Une danseuse dans la bibliothèque de la Compagnie Nathalie Collantes
Lundi 21 et mardi 22 février 2022 à 14h, mercredi 23 février 2022 à 11h et 14h
Halle / Lundi et mardi à 14h, mercredi à 11h et 14h / Durée : 1h / Entre 7 et 11 ans / Tarif unique : 5€
Danser dans une bibliothèque ? Impossible ! Et pourtant… Nathalie Collantes relève le défi pour aller à la rencontre des plus petits et partager avec eux le plaisir de fréquenter les lieux de lecture. La curiosité éveillée, chaque enfant traverse joyeusement l’expérience, tour à tour spectateur critique, interprète, lecteur.
Mercredi 23 février 2022
POWER-UP ! - Performance dansée
Halle / Mercredi 23 février de 16h30 à 17h / Gratuit / Tout public
Dans POWER-UP !, les danseurs explorent en tous sens l’espace en nous gratifiant d’un ballet abstrait parfaitement structuré. Valeria Giuga ré-invente et ré-agence les différentes matières chorégraphiques que comporte LA MACHINE. À chaque représentation, Valeria Giuga propose à un groupe d’amateurs de rejoindre le trio de danseurs le temps d’une danse partagée qui clôt la performance. Le mercredi 23 février 2022, Valeria Giuga donne rendez-vous à tous les joueurs qui le souhaitent afin de préparer et d'interpréter aux côtés des trois danseurs de la compagnie Labkine cette danse collective pour une expérience de « chœur » de mouvement inédite.
Appel à participation !
Répétitions : mercredi 23 février 2022 de 14h à 16h
Représentation publique : mercredi 23 février 2022 de 16h30 à 17h
Cible : Tout public, adultes et enfants accompagnés à partir de 7 ans
Jauge : 30 personnes max
Six spectacles autour du corps contemporain à découvrir à l'occasion du Festival Everybody ! À travers deux soirées spectacles, découvrez les créations de chorégraphes particulièrement impliqués dans les questionnements liés au corps et au genre.
Une danseuse dans la bibliothèque de la Compagnie Nathalie Collantes
Lundi 21 et mardi 22 février 2022 à 14h, mercredi 23 février 2022 à 11h et 14h
Halle / Lundi et mardi à 14h, mercredi à 11h et 14h / Durée : 1h / Entre 7 et 11 ans / Tarif unique : 5€
Danser dans une bibliothèque ? Impossible ! Et pourtant… Nathalie Collantes relève le défi pour aller à la rencontre des plus petits et partager avec eux le plaisir de fréquenter les lieux de lecture. La curiosité éveillée, chaque enfant traverse joyeusement l’expérience, tour à tour spectateur critique, interprète, lecteur.
Cours Acroyoga Parent - Enfant avec Mélanie Lo
Samedi 19 février 2022 de 14h à 15h
Halle / Tarif duo 1 parent avec 1 enfant : 15€ / Parents et enfants à partir de 4 ans
L’acroyoga que Mélanie vous propose est simple et joyeux. Le programme se concentre sur le plaisir de participer ensemble autour d'une activité fun et ludique. L’expérience se vit dans un esprit bon enfant et bien encadré. Mélanie vous guide avec des techniques acrobatiques accessibles pour que chacun soit toujours en sécurité. L’acroyoga est une pratique qui mêle avec subtilité challenge et facilité. De sorte qu’après l’atelier vous sentirez que vous avez relevé des défis qui vont rebooster votre confiance. Vous avez déjà tout le potentiel en vous qui ne demande qu’à être réveillé.
En partenariat avec Paris Mômes
Nous mettons à disposition 50 tapis de yoga, nous recommandons cependant aux participant·e·s de venir avec leur propre tapis si possible
Contes à paillettes - Collectif Paillettes
Mercredi 23 février 2022 de 15h à 17h
Halle, dans la bulle de lecture / Entrée Libre / Tout public
Un programme de shows littéraires, contes queers et féministes racontés par les « drag queens, travelottes et créatures parisiennes » du collectif queer militant Paillettes. Vrai cabaret littéraire, les shows Paillettes questionnent notre époque et notre société au travers de leurs performances engagées, mais aussi par le biais de la lecture de contes abordant des thèmes queer et féministes.
Albums audio Ma Fabrique à Histoires - Éditions Lunii
En continu
Halle, dans la bulle de lecture / Entrée libre / Tout public
Hébergés dans la bulle de lecture, les albums audio Ma Fabrique à Histoires des Éditions Lunii permettent aux enfants de laisser libre court à leur imaginaire le temps d'une histoire audio. L'occasion parfaite pour écouter des histoires inspirantes pour la jeunesse : Les Lumineuses, Les Courageuses ou encore Les Révoltées, de grandes aventures où l'on croise des sorcières à la bonté exemplaire et des grandes figures féminines qui ont marqué l’Histoire !
Bulle de lecture
En continu
Halle / Entrée libre / Tout public
Espace intime au cœur de la Halle, la bulle de lecture est à la croisée de l’architecture et de l’installation immersive. Pour le Festival Everybody, elle accueille en continu une collection de livres jeunesse et adultes, ainsi que le spectacle Une danseuse dans la bibliothèque, les Contes à paillettes du Collectif Paillettes et les livres audio Ma Fabrique à Histoires des Éditions Lunii.
Des découvertes littéraires pour petits et grands tout au long du festival !
Ils sont six acrobates, une femme, cinq hommes ; ils sont jeunes, ils sont joueurs, et d’une précision infaillible à la bascule coréenne. L’amusement qui règne entre eux, palpable et contagieux, drape d’allégresse cette performance impeccable.
En trente minutes montre en main pour une succession échevelée de morceaux de bravoure technique et artistique, Bal Trap emporte son public dans une vertigineuse envolée de corps et d’objets. Écrites à l’image d’un ballet faussement anarchique, les projections et propulsions ne cessent de surprendre et d’émerveiller, entre rafales de balles, dangereux jeux de fléchettes, voltige à la bascule, performances aériennes et chutes hilarantes – auquel l’un des membres de l’équipée semble condamné. Les six interprètes jouent avec tout ce qui les entoure, dans l’énergie du collectif et la joie d’être ensemble. À l’appui d’une maîtrise sidérante de l’équilibre, des envols, des réceptions, ils peuvent s’autoriser une belle marge d’autodérision, c’est pourquoi ils en profitent et nous en font profiter. Le fin canevas de la mise en scène, la musique entraînante et la scénographie minimale, au service de la pièce, adaptées à la grande Halle du Carreau du Temple pour la circonstance, gagent de faire de cette performance unique un moment radieux et éclatant.
Les Traversées du Marais
Festival initié par les acteurs culturels du réseau Marais Culture +, Les Traversées du Marais invite des artistes de renom à habiter de leurs oeuvres, vivantes ou plastiques, les ruelles, cours intérieures et joyaux architecturaux du Haut et du Bas Marais, pendant tout un week-end, à compter du vendredi soir. Une promenade artistique et patrimoniale unique en son genre.
Chaque année, les 30 opérateurs dédient un fil rouge à la déambulation donnée à vivre. Le thème de la Renaissance a été choisi pour penser cette édition particulière, celle d’un retour à la vie culturelle. En écho aux épreuves traversées ensemble dans le champ artistique – organisateurs, artistes, publics –, les équipes des Traversées du Marais rêvent de réveil et s’attachent à souligner la reconnaissance mutuelle que tous se doivent, et le plaisir de se retrouver. Sous le signe de l’utopie, en réponse à la noirceur et au fatalisme du terme « dystopie » devenu si usité dans les médias comme dans la rue, le festival en propose un contrepoint ouvertement euphorique.
Il s’agit d’une rencontre entre deux hommes. Pierre est performer et travailleur du sexe. Patrice, plus âgé, est éthicien et philosophe. Ils conviennent d’un troc, une forme d’échange sagesse - jeunesse. Tel est le point de départ de cette performance hybride combinant réflexion éthique et « pas de deux » chorégraphique.
L’Éthique enchevêtre corps et parole : la partition physique se développe en dialogue, dont émergent des images ambiguës, hybrides, fragiles et puissantes, parfois picturales ; la narration discursive mêle considérations philosophiques et récits de vie pour déployer une réflexion autour de l’éthique, des possibilités d’agir et des puissances minoritaires. Ce sont là deux portraits complexes et profonds, dont l’excellente et troublante interprétation de Patrice Desmons et Pierre Emö en fait un objet particulièrement émouvant.
Entre les deux hommes, à l’image de Socrate et de son jeune disciple et amant Alcibiade, il est question de partager un moment de douceur, de sexualité et de philosophie, dans un engagement réciproque. Dans cette interaction très intriquée et bienveillante, d’autres médiums viennent se mêler, la vidéo, le son, dilatant encore l’espace mental et sensible.
Avec « L'Éthique », Matthieu Hocquemiller signe un duo masculin d’une tendresse et d’une sensualité si rares qu’on peut ici parler d’audace jaillie de la sincérité !
Une danseuse virtuose, un récit de vie et le tour est joué, proprement hypnotisant. Car il s’agit autour bien de tour, en différents sens : le tour de la danse soufie, cosmique, comme la terre tourne autour du soleil. Du côté gauche, du côté du cœur. Le tour également d’une existence faite de mouvement.
Matthieu Hocquemiller a créé ce portrait performatif pour et avec Rana Gorgani, magnifique danseuse franco-iranienne. La danse soufie, traditionnellement, est une pratique de l’esprit et du corps, qui repose sur la possibilité d’une osmose avec l’univers, en prenant le pas de la rotation du mouvement des planètes. À travers la technique giratoire, son interprète la ressent et la traverse comme un espace de totale liberté, de plénitude et de phase avec son divin intérieur.
Pour Rana Gorgani, cette dimension spirituelle cohabite avec le récit d’une conquête de légitimité, de place, dans un parcours de bi-culturalité. Il n’est donc pas étonnant que le chorégraphe, avide de portraits au travers desquels percent des normes sociétales hégémoniques, friand d’inventer des formes originales pour les transmettre, ait trouvé ici un radieux écho entre cette puissance chorégraphique et le questionnement culturel de Rana Gorgani. Devant les multiples injonctions, stéréotypes et déterminations – de genres et de cultures, entre autres – la danseuse tournoie à l’infini, dans une somptueuse lumière tamisée. Ici Rana Gorgani est à sa place, qui n’en est pas une au sens géographique, mais qui en est bien une au sens physique et existentiel : celle du mouvement, du processus, de la transition.
Dans « Dialogue avec Shams », Matthieu Hocquemiller imagine une rencontre imaginaire entre Shams, mystique perse errant du XIIIe siècle et grande figure du soufisme et la danseuse iranienne Rana Gorgani, entremêlant ainsi histoire personnelle et réflexion politique sur les parcours migratoires, les rapports de genre et la bi-culturalité !
En partenariat avec le Centre culturel suisse à Paris et le Théâtre Nanterre-Amandiers, centre dramatique national
Dans un monde d’une froideur clinique, une femme en détresse s’essaye à une expérience : se déposséder, se déprendre, se désincarner pour migrer dans une autre forme. Peut-on avoir peur au théâtre comme au cinéma ? De prime abord réaliste, La Possession bascule insidieusement vers la fable horrifique.
Convaincue qu’on lui a jeté un sort, une jeune femme, pour refaire sa vie, tente de s’échapper en se transformant en un rocher, une plante, un animal. S’installe peu à peu un système sorcier hérité de l’univers des contes et du film d’épouvante.
Adossé à ce vecteur fictif de colonisation d’autres corps, qu’abondent de nombreuses références cinématographiques, le quatuor d’interprètes évoque la peur d’être remplacé, l’envie de l’autre ou d’être l’autre... Témoignant d’une dérive vers un monde de science-fiction, où se creuse le fossé entre nos aspirations profondes et les injonctions politicosociales, François-Xavier Rouyer en appelle à notre énergie vitale, nous enjoint à regarder, à la marge des emblèmes de la réussite capitaliste, d’autres voies et modèles possibles.
Dans cette pièce de théâtre à la limite de la fable horrifique et de la science-fiction, François-Xavier Rouyer explore l’altérité et nous enjoint à regarder, à la marge des emblèmes de la réussite capitaliste, d’autres voies et modèles possibles.
Diverti Menti renouvelle avec intelligence l’approche de la composition scénique.
Un long filet de sable blanc se déverse voluptueusement sur le plateau, tel un sablier abstrait, unilatéral, impossible à retourner. Le corps dansant apparaît d’emblée comme un instrument au même titre que le piano à queue, la guitare électrique et le tuba. Ainsi naissent les joutes entre musiciens et danseuse, qui n’hésitent pas à converser des yeux, tissant un autre réseau, rare en chorégraphie, celui du regard.
Les mouvements giratoires de la danse répondent à une polyphonie effrénée ; chaque posture, chaque élancement est d'une précision implacable, quasi-mathématique, comme souvent chez Maud Blandel, or le geste n’en revêt pas moins une exquise délicatesse, une sensualité jusqu’au bout du pied qui se pose au sol. Musique et danse dialoguent, sons et mouvements s’accordent pour devenir un ensemble inextricable, jusqu’à ce que le corps devienne musique et la musique, danse. C’est un corps entier, qui s’agite, s’arrête, reprend, respire. Diverti Menti diffuse une grâce et une beauté qui rendent hommage à l’un des génies de l’histoire de la musique et qui, en creux, semblent murmurer de ne pas oublier de se divertir (au sens du latin : se laisser détourner de ses habitudes). Un ravissement.
Savoureuse réorchestration du célèbre Divertimento K.136 de Mozart pour un quatuor inédit – trois solistes de l’Ensemble Contrechamps de Genève et la stupéfiante danseuse Maya Masse !
